Una mostra di grafica architettonica "Only Italy!" È aperta al pubblico nell'Edificio di Ingegneria della Galleria Tretyakov. Metà dell'esposizione è composta da oggetti della collezione della Fondazione Sergei Tchoban, metà da disegni della Galleria di Stato Tretyakov e ancora da quattro artisti-architetti contemporanei: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov e Sergei Tchoban.
La mostra è assolutamente sorprendente per molte ragioni. Prima di tutto, la grafica architettonica di alta qualità è un materiale che dispone di se stessi. Esaminarlo da un foglio all'altro, esaminando in dettaglio i riccioli, le ombre, il personale, l'ordine è un piacere perfetto.
D'altra parte, non si può dire che gli architetti siano spesso esposti nella Galleria Tretyakov. Non vengono quasi mai mostrati lì. E qui - l'esposizione ha unito non solo le cose dei magazzini della galleria, quelle che hanno poche possibilità di essere mostrate in un altro momento, con i fogli della collezione del fondo Tchoban conservato a Berlino. Al centro di tutto, come la corona della creazione, ci sono i disegni degli architetti moderni.
Il progetto dell'esposizione appartiene all'ufficio SPEECH e Sergei Tchoban, che ha sistemato le opere dei suoi contemporanei (compreso il suo) in una piccola sala rotonda; nella galleria che lo circonda sono esposte grafiche del Novecento; in lontananza, in altri due spazi rettangolari, sono esposti fogli del XVIII-XIX secolo, suddivisi in due blocchi: "La nascita di un tema" e "Rossika" (opere di stranieri in Russia). Così, la cronologia diverge in cerchi nello spazio dell'esposizione, o, più precisamente, converge dal passato al presente: qualcosa come cerchi sull'acqua, solo il contrario.
Va notato che SPEECH sviluppa piuttosto coerentemente il motivo della sala rotonda nel suo lavoro con l'allestimento di mostre: basti ricordare la mostra "Museum of Graphics" ad ArchMoscow nel 2013 (quando il Berlin Museum of Graphics non era ancora aperto), o due progetti dell'esposizione del padiglione russo alla Biennale di architettura veneziana: pittoresco diorama della città di Vyshny Volochok nel 2010 e "Pantheon" da codici QR 2012, di recente
ricreato in Zaryadye. Le sale rotonde sono piuttosto rare nella progettazione di mostre moderne: lo spazio della rotonda non è molto comodo per esporre, poiché tende a sopraffare le mostre e sembra più importante e prezioso in sé. È un tempio, non un museo, un luogo di concentrazione o anche un servizio.
Questa qualità del tondo viene enfatizzata e utilizzata nell'impiccagione. Le grafiche del Nuovo Tempo sono esposte secondo tutte le regole dell'esposizione museale e con il dovuto rispetto. Nello spazio rotondeggiante di sinistra, il foglio grafico cessa di avere valore di per sé, diventando parte subordinata della trama spaziale. I fogli di Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban sono appesi in due file, senza fissare l'attenzione su ogni singola opera come valore museale (la grafica del XX secolo nella galleria circolare serve da transizione, il vortice stesso rimuove già il museo rigore).
Il significato dell'affermazione è abbastanza chiaro. La grafica moderna non è proprio una mostra qui, ma piuttosto una dichiarazione del fatto stesso della sua esistenza: la missione di continuare e rivitalizzare la tradizione del disegno classico. Fa parte di un immaginario tempio delle arti, mentre la collezione storica è qualcosa di simile alla sua sacrestia, un deposito di preziosi esemplari.
È caratteristico che l'affermazione plastica degli interni, che interpreta così sottilmente il contenuto della mostra, rimanga nel quadro del linguaggio dei classici. Completamente senza un ordine, ma i dettagli e le esperienze spaziali sono aggiunti alla sala rotonda dai fogli grafici reali. Sono la sua architettura effimera. Si consideri, ad esempio, il lato tondo del Pantheon, articolato da uno zoccolo ben disegnato di archi di scarico: “il pantheon nel pantheon” continua ulteriormente il gioco iniziato, già in uno spazio immaginario dietro il piano del foglio grafico.
A quanto detto, resta da aggiungere che la mostra, a partire dai "fondatori" del XVIII secolo, esplora ulteriormente la tradizione specificamente russa di ammirare l'Italia, e più vicino al XXI risulta che questa tradizione ha acquisito qui alcune Caratteristiche del tutto speciali, non prive di una nota di ammirazione e, in senso buono, di ossessione, che viene così sottilmente catturata dalla forma a tempio della sala. Nessuno professa sinceramente studi di antiquariato come Maxim Atayants; nessuno pensa che la sua architettura nasca da un paesaggio acquerellato, come Mikhail Filippov; nessuno è così impegnato nel valore intrinseco del genere della grafica architettonica come Sergei Tchoban, che ha creato il suo museo, e Sergei Kuznetsov, che va costantemente all'aria aperta. Insieme, il risultato è un fenomeno eterogeneo, ma certamente unico.
Abbiamo parlato con tutti e quattro gli espositori del Contemporary Drawing Room.
Sergey Choban Archi.ru:
È davvero la più grande mostra di disegni architettonici realizzata con la partecipazione della sua fondazione al momento?
Sergey Choban:
- Penso di si. Sia per il numero di opere presentate che per il periodo coperto, questa è la mostra più grande. Ecco le opere di eccezionali autori dell'Europa occidentale, fondatori della scuola di disegno architettonico del XVIII secolo e un numero enorme di grafici di eccezionali artisti e architetti russi che hanno lavorato attivamente in questo contesto.
Le mostre di grafica architettonica, organizzate dalla vostra fondazione, stanno già prendendo forma in una certa sequenza. Esiste un piano generale, un vettore di sviluppo o la trama viene reinventata ogni volta?
S. Ch.: In generale, ogni volta che viene inventato di nuovo, anche se abbiamo determinati principi. In particolare, ci sforziamo di lavorare con importanti istituzioni museali. Uno dei nostri prossimi progetti sarà congiunto con Albertina di Vienna. Il Dr. Schroeder [direttore del Museo Albertina di Vienna - Archi.ru] era nelle sale del nostro museo a Berlino e ha espresso il desiderio di realizzare un progetto comune - siamo molto felici di questo e orgogliosi di questa proposta. Ci sono anche altri progetti.
Ci sono piani per lavorare con il Museo di architettura di Shchusev, penso che questo sia molto importante.
Sei un collezionista, un grafico, un designer, un architetto - come si relazionano tra loro?
S. Ch.: Mi sembra che questi siano collegamenti diversi della stessa occupazione. In un contesto storico, gli architetti erano anche artisti; erano impegnati non solo in edifici capitali, ma anche in scenografie, spettacoli teatrali.
Fino al 20 ° secolo, gli architetti non avevano la fotografia …
S. Ch.: Penso che la fotografia non abbia gli stessi obiettivi del disegno architettonico. Il disegno cattura la parte più importante della creatività umana: l'architettura che una persona crea all'interno dello spazio naturale.
Nel frattempo, Maxim Atayants e Mikhail Filippov stanno facendo architettura classica, ma tu no
S. Ch.: Certo che no, questo non è direttamente correlato all'architettura che stiamo realizzando. Mi sembra che lo studio dell'architettura attraverso il disegno possa portare a risultati completamente diversi: è lo studio delle proporzioni, degli effetti spaziali, dei tessuti e dei dettagli. Non è per niente che oggi, non solo in russo, ma anche in molte scuole europee, viene nuovamente prestata molta attenzione al disegno, perché solo attraverso il disegno si può vedere come i materiali di diverse strutture sono combinati tra loro, come il il tessuto dei più piccoli dettagli scorre l'uno nell'altro.
I tuoi disegni alle mostre sono sempre lavori molto finiti, attingendo alla natura. Perché non mostri gli schizzi?
S. Ch.: In primo luogo, il tema di questa mostra è abbastanza definito, non implica nient'altro. In secondo luogo, i disegni stessi devono avere una qualità indipendente. Gli schizzi non hanno sempre questa qualità.
La tua pittura nasce maggiormente dalla tua collezione o dalla tua architettura?
S. Ch.: Penso che la collezione sia nata dal disegno, dopotutto. E gran parte dell'architettura che faccio nasce dal disegno. Semplicemente non cresce dritto. Non è possibile disegnare un edificio del periodo antico e poi progettare qualcosa di simile. Poi progetti qualcos'altro, perché le leggi dello sviluppo spaziale sono diverse.
*** Siamo riusciti a porre la stessa domanda, in questo caso importante, ad altri tre partecipanti alla mostra: se la loro grafica differisce da quella storica, e se sì, come.
Maxim Atayants
In che modo la tua grafica differisce da quelle storiche presentate qui in mostra?
M. A.: La grafica qui è così diversa … Ho la sensazione che i quattro espositori contemporanei differiscano l'uno dall'altro quasi quanto lo sono da quelli che sono appesi negli altri padiglioni di questa mostra.
Le epoche sono diverse. La grafica moderna non poteva non essere influenzata dalla colossale ridondanza visiva della modernità. Negli ultimi due anni, sono state scattate più fotografie nel mondo che in tutta la storia precedente dal primo dagherrotipo. La pressione della ridondanza visiva ci costringe a trattare il disegno in modo diverso e tirare fuori qualcosa che non è, diciamo, nella fotografia. Sono un fotografo abbastanza professionista, quindi è importante per me confrontare queste cose. Ma ho paura di riflettere deliberatamente su questo argomento, perché il compito di disegnare e fotografare è lo stesso … Vorrei esprimere in qualche modo la mia gioia ed emozione per l'incontro con questi edifici. Probabilmente Quarenghi ha risolto gli stessi problemi. E il risultato è diverso, perché l'era è diversa. In quale altro modo rispondere a questa domanda?
Perché non solo fotografi, ma disegni anche?
M. A.: Ma a questo posso facilmente rispondere. Perché sono coinvolti meccanismi diversi. Il disegno è un modo di apprendere, l'unico tipo di attività umana in cui cervello, occhio e mano sono coinvolti simultaneamente con uguale intensità. È impossibile passare un'ora pensieroso e concentrato a guardare qualche pezzo di architettura se non stai dipingendo. Questo è un modo per imparare.
Scattiamo foto per condividerle e disegniamo per noi stessi. Per l'assimilazione. Almeno nel mio caso.
Hai mai dipinto da una fotografia?
M. A.: Ovviamente, come ogni idiota che ha studiato all'Accademia delle arti, ho attinto alla fotografia di notte, quando, ad esempio, non ho avuto il tempo di completare la mia tesina. Poi mi è sembrato che fosse più facile. Ora cerco di non farlo, perché questa è un'imitazione priva di significato del processo. Secondo me, lo scopo del disegno è disegnare dal vero.
Quando disegno, comprendendo qualcosa, allora questo processo è profondo. Perché semplificarlo cercando di ottenere lo stesso risultato a buon mercato? O esteriormente allo stesso modo. In quei casi in cui non hai avuto il tempo di finire sul posto, a volte, ovviamente, sbirci nella fotografia … Ma questo è secondario. È incredibile che ora sia molto più difficile e più lungo per me disegnare da una fotografia che dalla natura. È vero.
Sergey Kuznetsov
In che modo la tua grafica differisce da quelle storiche presentate qui in mostra?
S. K.: Direi umilmente che non possiamo farlo. Sono lieto dei lavori di Maxim Atayants, che ha trovato una risorsa in se stesso, è stato in grado di immergersi e andare a un diverso grado di dettaglio - è chiaro che difficile non significa buono, ma semplicemente non significa cattivo - ma comunque, quali altezze raggiunsero i vecchi maestri, e nella pazienza, nel duro lavoro e negli occhi - questo è sorprendente. Dobbiamo imparare … Guardo ancora con invidia la grafica qui presentata; padroneggiare una tale abilità, ovviamente, sarebbe fantastico.
Disegnare l'architettura classica significa sforzarsi di costruire un'architettura classica?
S. K.: No, non significa affatto. Il disegno dell'architettura classica non dovrebbe essere collegato al design dell'architettura classica, così come leggere I tre moschettieri non significa che domani sarai pronto a brandire la spada.
In che modo l'architettura e la pittura sono collegate a te personalmente?
S. K.: In questo senso, sono una persona della vecchia scuola, apprezzo le abilità di base e artigianali. Mi sembra che il modo in cui è fatta l'architettura non sia cambiato e non debba cambiare: una persona deve trasmettere pensieri, sensazioni, sentimenti attraverso se stessa - un computer non permetterà di esprimere tutto. Ero profondamente e seriamente appassionato di computer grafica, ho avuto molte pubblicazioni e mostre, questo mi dà l'opportunità di confrontare il lavoro con le mie mani e gli occhi - e lavorare con un computer. Quando hai il controllo della tua mano e puoi raffigurare ciò che hai in testa con le tue stesse mani, ti aiuta personalmente e funziona bene anche come strumento di persuasione.
Perché non mostri la grafica degli schizzi?
S. K.: In questo caso, non sarebbe appropriato … Questa non è una posizione cosciente; ci saranno proposte - esporremo. In generale, questo non è vero, lo stiamo esponendo - alla mostra dell '"architetto dell'anno" su Arch Moscow abbiamo avuto un disegno di schizzo. Abbiamo molti schizzi di buona qualità. Le scritte a mano, secondo me, semplicemente non interesseranno il pubblico. In generale, direi che l'interesse del pubblico per qualsiasi lavoro è direttamente proporzionale alla quantità di lavoro investito in esso.
Come hai iniziato a disegnare l'architettura storica?
S. K.: Ho iniziato a disegnare molto prima di entrare all'università. I miei genitori non erano in alcun modo legati né all'arte né all'architettura, ma sono stato portato via da una varietà di creatività, prototipazione, disegno, e così ho frequentato corsi di preparazione all'Istituto di architettura di Mosca. Da allora non ho smesso di dipingere; anche se dopo l'istituto c'è stata una pausa in cui non ero più impegnato in manuale, ma in computer grafica.
Più tardi, iniziando a lavorare con Sergei Tchoban, da qualche parte intorno al 2006, gli ho suggerito di viaggiare in diverse città, disegnare architettura. Da allora, viaggiamo regolarmente più volte all'anno per dipingere l'architettura. Il nostro primo viaggio all'aria aperta a Roma è stato, ad esempio, sulle orme di Piranesi.
Mikhail Filippov
In che modo la tua grafica differisce da quelle storiche presentate qui in mostra?
M. F.: Non posso rispondere a una domanda del genere. Posso dirti come la grafica architettonica differisce da un paesaggio architettonico. Sono membro dell'Unione degli artisti da 30 anni e ho esposto come artista in molti luoghi, tra cui la Galleria Tretyakov e il Museo Russo. Per me, questa domanda è assolutamente chiara. Il paesaggio architettonico in cui erano coinvolti i nostri antenati è, prima di tutto, il disegno di alta qualità e l'organizzazione del foglio con un approccio artistico. Sfortunatamente, la maggior parte degli architetti dipinge il proprio oggetto preferito come una piccola prospettiva e non come un paesaggio.
In epoca sovietica, ho persino lavorato sotto contratto dell'Accademia delle arti come puro paesaggista. Durante la perestrojka, i Seroviti salirono al potere lì - la maggior parte di loro sono bravi artisti, realisti, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … C'era anche una grafica forte e tecnica.
Il resto della grafica sovietica si è sviluppato nella direzione dell'organizzazione modernista del foglio: ad esempio, se l'acqua è leggera, allora è scritta completamente bianca e così via. Quando ho iniziato a scrivere, ho pensato più alle sfumature, ai toni intermedi; sfumature di notte bianca, qualità del disegno, sottigliezze della prospettiva … Questo mi ha reso davvero unico in quel momento, queste persone anziane mi amavano molto. Ho lavorato per contratti, sono venuto a mostrarli, hanno fatto alcuni commenti - sembrava che i maestri mi stessero guardando.
Quindi non sento molta differenza con i vecchi maestri. Se non hanno fatto un disegno tecnico, ma un paesaggio. L'approccio al paesaggio è stato come quello di un artista. Un tempo la facoltà di architettura dell'Accademia delle arti assumeva chi disegnava meglio e la pittura, chi disegnava peggio. E hanno dato un diploma sotto il nome di "artista di architettura" - questo è stato formulato fino a un anno, non ricordo esattamente. Non sento alcuna differenza con loro, soprattutto quando si tratta di opere di inizio secolo. Sono cresciuto con le opere di Ostroumova-Lebedeva.
Anche se per me un'altra sfumatura è interessante: la notte bianca. Il paesaggio russo è stato sfumato negli stati intermedi. Ad esempio, Vasiliev: disgelo, niente inverno, niente primavera, niente luce, niente oscurità, mezzitoni, un raggio di sole … Non troverai paesaggi di alta qualità nella pittura del mondo, in cui ci sarebbe un blu brillante cielo e verde brillante! Forse Rylov potrebbe avere qualcosa del genere, o Cezanne, ma è già diverso.
Si scopre che hai due temi: il tuo paesaggio architettonico e la tua architettura …
M. F.: Non! Non c'è differenza. La bella architettura dovrebbe essere associata alla natura, al sole. Conosco e amo molto bene la storia dell'arte. Negli anni '80, è stato interessante per me continuare quello che è stato interrotto negli anni '20, quando la pittura in qualche modo ha cominciato a trasformarsi in - forse di altissima qualità - ma modernismo.
Credi che sia reale crescere insieme?
M. F.: Sì, questa è una realtà assoluta. Nel gennaio di quest'anno, l'ho consegnato: le foreste sono state rimosse da 750 mila metri quadrati di edifici residenziali.
A Sochi?
M. F.: Non solo a Sochi, a Mosca c'è una casa in Marshal Rybalko Street. Ti assicuro, questa è l'incarnazione dello stile del 2001 che ho inventato trent'anni fa.
Lo senti come l'incarnazione della tua pittura?
M. F.: Sì, sì … non vedo la differenza.
Che tu ci creda o no, mi sono diplomato all'Accademia, mi è venuto in mente un concetto e dopo ho preso un pennello e un acquerello per la prima volta. Non ho scritto all'Accademia o al Liceo Artistico. E se ho scritto, è impossibile guardare cosa stavo facendo allora.
*** la mostra è aperta fino al 27 luglio (orari di apertura)
