Pubblicato per la prima volta nella raccolta: Arte decorativa e ambiente soggetto-spaziale. Bollettino di MGHPA. Numero 3. Parte 1 Mosca, 2020 p. 21-31. Per gentile concessione dell'autore. Il periodo di massimo splendore dello stile Art Déco negli Stati Uniti arrivò a cavallo degli anni '20 e '30. e la sua formazione è stata influenzata da una vasta gamma di fonti, sia storiche che rilevanti. Il più importante tra loro era il cosiddetto. "Stile del 1925", incarnato nei famosi padiglioni della "Esposizione internazionale delle arti decorative e dell'industria artistica", inaugurato a Parigi il 28 aprile 1925. Tuttavia, oltre ai concetti artistici e tettonici, lo stile dei grattacieli era anche formata grazie alla pianificazione urbanistica e ai vincoli legali.
La legge sulla zonizzazione di New York del 1916, che limitava gli edifici di nuova costruzione a una sagoma a gradini, fu decisiva per la formazione dello stile dei grattacieli. [1] Nel 1922, H. Corbett e H. Ferris pubblicarono un progetto per la torre, tenendo conto delle sue esigenze. E da quel momento in poi, l'immaginario neoarcaico medievale comincia a essere percepito come un'idea artisticamente preziosa. Così la legge di zonizzazione del 1916, indifferente alle caratteristiche stilistiche di un grattacielo, determinò l'effetto altamente artistico dell'assottigliamento tettonico delle torri, formò il cedimento neo-azteco e la sagoma neogotica delle città americane.
Negli anni '20 e '30, l'estetica del canyon ha sostituito le proporzioni tradizionali di strade ed edifici con cornici classiche. A Chicago, il secondo centro per lo sviluppo del nuovo stile, nel periodo dal 1927 al 1930. Holabert e Ruth, così come Graham, Anderson, Probst e White, stanno costruendo cinque grattacieli a gradini ciascuno in stile art déco neoarcaico mesoamericano. Monumentali, situati uno di fronte all'altro, erano destinati a competere con le conquiste del neoclassicismo del 1900-1910 e tra di loro. Non potevano fare a meno di ammirare, ed è così che gli architetti sovietici degli anni '30 si sforzarono di lavorare. Inoltre, il neoarcaismo Art Déco ha trovato un'altra fonte di ispirazione nazionale negli Stati Uniti: le torri in mattoni di R. Walker a New York risalivano alla brillante estetica delle scogliere della Monument Valley (come, ad esempio, Western Union Building, 1930 e AT Tee Long Distance Building, 1932). A gradini e ricoperte di bassorilievi, le torri Art Déco sembravano essere le creazioni degli Aztechi e dei Maya che si innalzavano verso il cielo. [2]
Lo stile Art Déco apparve negli anni 1910-1930 come alternativa compositiva e plastica al neoclassicismo (storicismo). Pertanto, un tratto caratteristico dell'Art Déco statunitense è la minuziosità, la piattezza dell'arredamento, il netto contrasto su larga scala e plastico di rari accenti decorativi e la parte principale della torre grandiosa e austera. Come le opere di Louis Sullivan, i portali d'ingresso dei grattacieli erano lussuosi ma intimi. I maestri dell'Art Déco non ampliarono i motivi arcaici, tale era l'immagine della grandiosa piramide antica "abitata" e il limite della scala della sua incarnazione. I bassorilievi Art Déco realizzati a grandi altezze erano radicalmente diversi dallo splendore plastico dello storicismo. Questi erano dettagli in miniatura deliberatamente appiattiti che sembravano essere caduti dal museo alla strada senza cambiare le loro dimensioni.
La plastica Art Déco era estremamente varia: poteva essere appuntita, geometrica o deliberatamente arrotondata, "gonfia" o aerodinamica, creata nell'estetica del cosiddetto. razionalizzare. Rifiutando il canone greco-romano, l'Art Déco ha permesso agli autori di mostrare la loro immaginazione ed erudizione. Così, ad esempio, sta entrando in auge una speciale interpretazione ammorbidita della forma, che risale alla plasticità della scultura buddista e dell'antico Egitto. L'affilatura, la geometrizzazione delle sagome e il disegno dei dettagli divennero un'altra moda opposta agli anni 1920-1930. Non è un caso che durante gli anni della sua creazione, lo stile degli anni '20 -'30 abbia ricevuto i nomi di "zigzag-moderno", "jazz-moderno" e simili, sottolineando le basi cubiste dell'Art Déco. La geometria, la convenzionalità diventa la differenza caratteristica tra Art Deco e neoclassicismo, tanto ovvia quanto le differenze tra il canone scultoreo dell'antica Grecia ei bassorilievi della Mesoamerica. [3]
Pertanto, la decoratività dei grattacieli potrebbe assumere la forma della geometrizzazione dello storicismo (American Radiator Building) e della fantasia plastica (General Electric Building), autentica arcaizzazione o ascetismo astratto e definitivo. I grattacieli potrebbero essere decorati con dettagli geometrizzati, neoarcaici (Inter Continental Hotel), fantasy, oppure potrebbero esserne completamente privi. E, tuttavia, appaiono come uno stile integrale e riconoscibile. La plasticità di queste torri potrebbe risalire alle idee dell'avanguardia, alle innovazioni degli anni '10 e ai padiglioni della mostra del 1925, nonché agli aspri monumenti del lontano passato. Tuttavia, furono le piramidi delle antiche civiltà a formare sia l'appiattimento dei bassorilievi che la sagoma inclinata delle torri Art Déco. Tale era il neoarcaismo plastico e compositivo dell'Art Déco americano.
Per la prima volta, la combinazione di bassorilievi appiattiti e una silhouette a gradini, caratteristica dell'Art Déco, sarà realizzata a New York dall'architetto R. Walker. Il Barclay-Vezier Building (dal 1923) è stato il primo grattacielo Art Déco lanciato prima della mostra del 1925. [4] Nella sua architettura, è evidente una vasta gamma di origini stilistiche: questa è l'estetica di una silhouette neo-azteca inclinata e un complesso, nello spirito del cubismo, la composizione, nonché rari rilievi, disegnati in modo intricato nel spirito di L. Sullivan, risalente al Medio Oriente, eredità romanica e celtica. Gli stessi saranno i grattacieli a cavallo tra gli anni '20 e '30.
Tuttavia, qual è stato il ruolo nella formazione dello stile dei grattacieli all'Esposizione internazionale delle arti decorative e dell'industria artistica del 1925 a Parigi?
La mostra a Parigi, originariamente prevista per il 1914 e tenutasi nel 1925 dopo una lunga pausa di costruzione, ha cercato di diventare una rinascita del lusso prebellico dell'architettura e ha raccolto tutte le innovazioni del primo quarto del XX secolo. I suoi padiglioni, come più tardi i grattacieli d'America, sono stati progettati nello spirito dell'orientalismo e del neoarcaico: una silhouette inclinata, rilievi geometrici di fantasia appiattiti, accenti decorativi contrastanti e uno sfondo ascetico. Tali erano i padiglioni francesi "Studio Louvre" e "Primavera", "Pomont" e "Metriz", gallerie di negozi sul Pont Alexandre III. E uno dei primi esempi dello "stile del 1925" importato negli Stati Uniti furono le squisite griglie metalliche del famoso Edgar Brandt, partecipante alla mostra di Parigi. Già nel 1925 decorarono il Madison Belmont Building a New York. La mostra di Parigi del 1925 "diede un nome" allo stile degli anni '20 e '30 e ne divenne la pubblicità, ma non poteva definire da sola l'estetica dei grattacieli. [cinque]
L'architettura Art Déco all'Esposizione di Parigi del 1925 e l'architettura americana a cavallo degli anni '20 e '30 avevano origini comuni che alimentavano entrambi i fenomeni. Il passaggio intermedio mancante tra le opere isolate di L. Sullivan e F. L. Wright negli anni 1890-1900 e l'architettura olandese a cavallo degli anni 1910-1920 divennero una massiccia diffusione del nuovo stile. Fu ad Amsterdam, per la prima volta dopo la prima guerra mondiale e le opere di Wright del 1900, che apparvero esempi di decorazioni geometriche fantasy, e questo esperimento fu imponente, convincente. Inoltre, non si trattava di strutture temporanee create solo per il bene della mostra, ma dell'ambiente urbano. [6] Gli architetti olandesi furono i primi a percepire il potenziale innovativo dello stile di Wright e iniziarono a svilupparlo, e alla fine degli anni '20 i creatori dell'Art Déco americano seguiranno il loro percorso. Così creato all'incrocio delle linee provenienti da Chicago (da Sullivan e Wright), Parigi e Amsterdam, l'Art Deco America è diventata un'era di applicazione di massa e consolidamento di soluzioni create in precedenza.
L'era dell'emergere di quelle tendenze che daranno forma all'Art Déco sono ancora gli anni 1890-1900. Le linee di stile che si intersecano a cavallo degli anni '20 e '30 risalgono all'inizio dell'era Art Déco e per diversi decenni pulseranno, competeranno e daranno forma alla moda mondiale. Nel 1893, Wright lasciò la bottega di Sullivan e questa divergenza dei due geni avrebbe formato i due canali lungo i quali si sarebbe poi sviluppato l'Art Déco americano. L'ultimo decennio del XIX secolo fu per Louis Sullivan un periodo di prosperità, l'apice della sua carriera. Poi, nel 1890, ha lavorato attivamente con la fantasia, l'arredamento planare, mentre Wright ha inventato la sua architettura geometrizzata.
Il monumentale capolavoro del primo Art Déco di Wright fu l'Unity Temple a Oak Park, adornato con fantasiose decorazioni geometriche (1906). [7] E nella sua architettura, è evidente la passione per la cultura giapponese (soprattutto negli interni) e la scoperta da parte del maestro di nuove tecniche stilistiche. [8] La forma magica di questa chiesa con una forza incredibile "colpisce" in due direzioni, predice sia il neoarcaismo dell'Art Déco che l'astrazione dell'avanguardia. Ed è proprio questa dualità che sarà caratteristica dello stile dei grattacieli.
Gli anni 1910-1920 sono diventati un'era di scambio di innovazioni architettoniche per l'Europa e gli Stati Uniti, e dopo la mostra del 1925 a Parigi, la moda per un nuovo stile, l'Art Déco conquisterà già completamente le città d'America. Tuttavia, già nel 1910, un'edizione in due volumi di F. L. Wright (il cosiddetto portafoglio di E. Wasmut). Ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo sia dell'avanguardia che dell'art déco in Europa. [9] La risposta del Tempio dell'Unità furono gli edifici della Sinagoga (G. Elte, 1927) e della Chiesa di Gerusalemme (FB Jantsen, 1929), costruiti ad Amsterdam e che ne ripetevano le forme. L'atrio della stazione della metropolitana Sokolniki di Mosca (1935), composto da cornici e cornici orizzontali, nonché piedistalli con vasi caratteristici, divenne una rara approssimazione allo stile del maestro di Chicago e alla linea aerodinamica dell'URSS. [dieci]
Il lavoro di Frank Lloyd Wright negli anni 1900 e 1920 appare come un passaggio graduale dallo "stile della prateria" al concetto di "blocchi tessili". E la fonte di ispirazione più importante per il maestro in questi anni è l'eredità degli Aztechi e dei Maya. [11] L'influenza dell'architettura arcaica e mesoamericana sullo stile di Wright fu indiretta ma significativa. Non era stilizzazione. Tuttavia, monumentali fondamenta a gradini e doppie aste orizzontali, telai ("case della prateria", Robie House) e cinture di rilievi e motivi appiattiti (casa di Winslow, Midway Gardens, magazzini di Herman) e persino tetti piani (Unity Temple) - tutto si trattava allo stesso tempo di un ripensamento delle immagini dell'antica architettura mesoamericana, prima di tutto dei templi di Uxmal, e di un'innovazione stilistica diversificata e di talento.
A cavallo degli anni '10 e '20, Wright iniziò a lavorare in Giappone e Los Angeles, dove costruì una magnifica serie di ville e palazzi privati. Costruito nell'architettura del cosiddetto. "Blocchi tessili", incarnavano una sintesi paradossale ed espressiva di motivazioni neoarcaiche e tecnocratiche. [12] Quindi, l'evoluzione di F. L. Wright negli anni '10 e '20 consisteva nella complicazione della decorazione architettonica e nell'approccio all'estetica Art Déco. [tredici]
Nel 1924, Wright stesso mostra come trasformare lo stile delle sue ville in grattacieli: per Chicago crea il magnifico National Life Insurance Building. La sua concessione era dettata dalla legge sulla zonizzazione, e solo il metodo del rilievo geometrico piatto era, a quanto pare, veramente neoarcaico, mesoamericano. Tuttavia, il lavoro con inserti decorativi (motivi, "trame") trova un'altra fonte negli Stati Uniti: lo stile fantasy di Louis Sullivan sarà foriero di bassorilievi Art Déco piatti.
Nelle sue opere, Sullivan, negli anni novanta dell'Ottocento, proponeva il tema di un bassorilievo di fantasia appiattito come decorazione per un medaglione intrecciato e un portale d'ingresso. [14] Questi erano gli edifici del maestro a St. Louis (1891), Chicago (1893), Buffalo (1894), New York (1899) e altri. Lavorando con le facciate di edifici per uffici a più piani, era Sullivan che ha iniziato a usare il contrasto di accenti decorativi e austerità, imposta e rilievo appiattito, e così faranno i grattacieli Art Déco. La loro tavolozza decorativa comprendeva motivi neoarcaici e fantasia: geometrici, tecnocratici, come quelli di Wright, e floreali, orientalisti, come quelli di Sullivan. Tuttavia, entrambi i maestri hanno fatto affidamento sul loro talento come disegnatore, invenzione e eredità arcaica e orientalista. Ed è proprio questa dualità della decorazione, lavoro all'incrocio tra stilizzazione e innovazione, che è stata trasferita negli anni '20 e '30 da Sullivan e Wright allo stile dei grattacieli.
I grattacieli Art Déco furono creati, si potrebbe dire, nello "stile della mostra del 1925", ma i loro dettagli danno la netta impressione di essere disegnati da soli, con talento. Dietro di loro si percepisce una potente cultura, un imponente esperimento, che già dà solo soluzioni stilisticamente accurate. Lo stile della mostra è stato percepito attraverso il prisma della propria eredità. E se per la Parigi del periodo tra le due guerre, lo "stile del 1925" era un'eccezione, negli Stati Uniti era decisamente nazionale, avendo ricevuto qui la sua incarnazione più sorprendente. I grattacieli Art Deco divennero per gli Stati Uniti una sorta di "revival" delle proprie piramidi arcaiche, azteche e maya, un dialogo con i pionieri del nuovo stile - Sullivan e Wright, ed è per questo che lo "stile del 1925" ha guadagnato così ampia popolarità nelle città americane.
Letteratura
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[1] Un punto di riferimento nell'architettura di New York fu la costruzione nel 1915 dell'Equitable Building, uno spazio per uffici da record. Già nel 1916 sarà adottata una legge sulla zonizzazione, che, come P. P. Zuev, ha permesso che gli edifici fossero alti quanto desiderato, a partire da una sezione della torre pari a un quarto dell'area del sito, e ha richiesto una rientranza a partire da una tacca di 45-60 m, cioè una e mezzo della larghezza della strada. Successivamente, leggi di zonizzazione simili sono state emanate in altre città degli Stati Uniti. [4, p. 6]
[2] L'era dell'Art Déco era consapevole delle sue origini, quindi il padiglione "Tempio Maya", costruito per l'Esposizione Mondiale "Age of Progress" a Chicago (1933), fu una risposta al padiglione "Angkor" presso l'International Colonial Mostra a Parigi (1931). Uno dei primi esempi di questo interesse è stato il padiglione "Temple of the Aztecs" alla Fiera Mondiale di Chicago (1893).
[3] Come sottolinea P. Baer, la rivoluzione in Messico nel 1910 ha contribuito allo studio intensivo dei monumenti dell'America precolombiana, il loro stile si è rivelato non solo sorprendente, ma nuovo - come si suol dire, "gli indiani furono i primi cubisti”. [11, p. 16]
[4] Come notato da K. Holliday, i rilievi piatti dell'edificio Barclay-Vezier furono realizzati anche prima della mostra nel 1925. R. Walker stesso indicò come fonti l'antichità romana e le opere di L. Sullivan. [14, p. 50]
[5] Come indicato da T. G. Malinin, il termine "Art Deco" è nato nel 1966 sull'onda dell'interesse per l'arte del periodo tra le due guerre e in connessione con l'esposizione dedicata al 40 ° anniversario della mostra a Parigi (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). La stessa abbreviazione "Art Deco" (Arts Déco) è stata usata per la prima volta negli articoli di Le Corbusier negli anni '20, dapprima in senso ironico e critico. [5, p. 27; 8, p. 206]
[6] Per maggiori dettagli, vedere l'articolo dell'autore [1, pp. 78-83]
[7] Negli anni '10, Wright creò una serie di progetti vicini all'Art Déco, tra cui il Call Building a coste per San Francisco (1912), i progetti per la Carnegie Library di Ottawa (1913) e l'Aline Barnsdel Theatre (1918)) e Merchandising Building (1922) a Los Angeles, ecc. Il Larkin Building a Buffalo (1904, non conservato), la Bock House a Milwaukee (1916) e la Hollyhock House a Los Angeles (1919-1922) furono implementate nello stile del primo Art Déco.
[8] Per la prima volta con la cultura giapponese, F. L. Wright (1867-1959) si riunisce alla Fiera Mondiale di Chicago (1893). Nel 1905, Wright fece un viaggio in Giappone (il primo di una serie) e iniziò a collezionare stampe giapponesi. A Tokyo progetta l'Imperial Hotel (1919-1923, non conservato) e la villa di T. Yamamura (1918-1924) a Tokyo. Ed è proprio dall'architettura giapponese che Wright sembra percepire sia l'estetica di cornici fortemente estese e spioventi del tetto che formano l'immagine e la silhouette di "case di prateria", sia le soluzioni cromatiche degli interni, ad esempio, in Unity Temple e Robie House.
[9] L'influenza di Wright è chiaramente percepibile anche nell'iconico esempio dell'avanguardia europea: l'edificio del municipio di Hilversum (V. Dudok, 1928), che incarnava una sorta di immagine ingrandita di Robie House (1908). L'influenza dello stile di Wright è evidente anche nelle opere di O. Perret, le vetrate della Roby House sono riconoscibili all'interno della Chiesa di Notre Dame de Rency (1922), il cornicione pesantemente reso e semplificato dell'Unità La chiesa del tempio "completa" la facciata del teatro sugli Champs Elysees (1913).
[10] Streamline è considerato una delle tendenze dell'era Art Deco. E tra i suoi rari esempi domestici, i ricercatori includono l'edificio del grande magazzino Danilovsky costruito a Mosca (G. K. Oltarzhevsky, 1936). Questa sembra essere stata una risposta alla Moss House di Berlino (E. Mendelssohn, 1923). La costruzione del Commissariato del popolo per la terra fu decisa anche dagli orizzontali di cornici e cornici (A. V. Shchusev, 1933). Così, in architettura, i primi esempi di stile a coste e di razionalizzazione appaiono prima di forme simili nel design automobilistico. Per maggiori dettagli sulle tecniche di stile dell'architettura semplificata, vedere [2, p. 29; 6, p. 389]
[11] L'eredità degli Aztechi e dei Maya era anche a disposizione di Wright secondo l'artista grafico F. Caserwood, che negli anni Quaranta dell'Ottocento per primo esplorò e disegnò le rovine dei templi dell'America precolombiana, ed è noto per le sue stesse impressioni - dal "tempio azteco" all'Esposizione Mondiale del 1893 a Chicago (dove l'officina Sullivana ha eretto il padiglione "Trasporti") e da una mostra speciale con modelli e fotografie di templi Maya alla Panama-California Exhibition di San Diego, che il maestro visitato nel 1915.
[12] Per la prima volta, Wright lavorò con "blocchi tessili" negli anni '10, quindi le decisioni furono prese: Midway Gardens (Chicago, 1914, non conservato) e il magazzino di A. Herman (Richland Center, 1915). A Los Angeles, in questo stile, Wright implementa una serie di palazzi: Storer House (1923), Millard House (1923), Freeman House (1923) e Ennis House (1924). Il capolavoro di Wright fu la Hollyhock House (1919-22). Prende il nome dal fiore Hollyhock, è stato adornato con una varietà di decorazioni geometriche, sia vegetali che tecnocratiche.
[13] Spieghiamo che negli anni 1900-1910 le opere di Wright erano davvero in anticipo sui tempi - sia nella grafica architettonica, sia nella plastica e nella composizione dei volumi. Tuttavia, alla fine degli anni '20, quando l'architettura Art Déco raggiunse il suo apice, Wright non era molto richiesto. Inoltre, mentre nelle opere del maestro c'era una certa convergenza delle plastiche geometriche fantastiche delle sue dimore con la schietta stilizzazione neoarcaica e mesoamericana, l'emergere dell'estetica d'avanguardia era già in atto in Europa e in URSS. E a cavallo degli anni '20 e '30, l'architettura di Wright, paradossalmente, non era più rilevante né nelle capitali erette nei classici - Washington e Mosca, né nei laboratori creativi di VKHUTEMAS e Bauhaus.
[14] Wright ereditò dal pensiero di Sullivan in rilievi appiattiti, motivi e cornici rettangolari fortemente estese (come nel Tempio dell'Unità). La distinzione dell'era Art Déco degli anni '20 e '30 era il completamento di edifici non con cornici, ma con profili e dettagli appiattiti, solai e sporgenze neoarcaiche.
