In una conferenza stampa prima dell'apertura della Biennale, il suo presidente, Paolo Barrata, ha elogiato molto il curatore Aaron Betsky per aver suggerito il motto di difficile comprensione 'Out there' per la mostra di architettura ora in corso a Venezia - l'architettura più rappresentativa mostra nel mondo. Architettura oltre la costruzione '. Secondo Barrata, questo argomento è multiforme, significativo e fruttuoso. Suscita ricerche creative e quindi l'attuale biennale di architettura è forse la migliore degli ultimi dieci anni. Il curatore Aaron Betsky ha accolto favorevolmente il complimento - dopo di che ha dovuto rispondere a lungo alle domande dei giornalisti, spiegando che in realtà ama gli edifici e non intendeva trasformare la Biennale di architettura in una branca della Biennale di Arte Contemporanea, e anche che non è affatto un utopista, non si libra tra le nuvole ei sogni diventano realtà.
Quindi, l'argomento posto da Betsky in termini di ambiguità sembra aver superato tutte le mostre precedenti. Inoltre, può essere tradotto in diversi modi: "esterno", "prima" o "finito". Un'altra parola "oltre", ormai incollata in tutta Venezia (soprattutto molto nel padiglione italiano) è tradotta come "aldilà". Questo inaspettatamente fa eco al fatto che il curatore della Biennale ha definito gli edifici come "tombe dell'architettura" - l'architettura, secondo lui, è un modo di pensare gli edifici, e quando vengono costruiti muore. A Venezia, una città museo che affonda silenziosamente sott'acqua, questo suona particolarmente pacifico e, volenti o nolenti, ti fa ricordare la città russa di Kitezh.
Tuttavia, il compito del curatore va inteso esattamente l'opposto - lui, ovviamente, non ha voluto uccidere l'architettura, ma rilanciarla (e la mostra) nel modo consueto - andando oltre la cornice del mondo architettonico stesso in cerca di rinnovamento. Aaron Betsky ha incoraggiato i partecipanti alla Biennale a sperimentare, rivolgendosi ai campi del cinema, dell'arte, del design, dell'architettura del paesaggio e della performance. Gli esperimenti, ha detto, possono assumere la forma di strutture temporanee, così come di immagini "a volte oscure".
Quest'ultimo sembra essere una parte importante del concetto di Betsky. L'incertezza è caos e dal caos dovrebbe nascere qualcosa di nuovo. Supponiamo che il sogno principale di ogni critico e teorico non sia solo quello di descrivere il processo osservato, ma anche di influenzarlo. Quando ciò accade, nell'arte emergono tendenze molto potenti e teoricamente radicate. Tornando all'architettura, è facile notare che dopo l'entusiasmo per l'emergere dell'architettura non lineare negli ultimi anni, in essa non è successo nulla di speciale, si delinea la stagnazione. La Biennale è la mostra di architettura più influente, e non sorprende che è stato con il suo aiuto che Betsky ha tentato di "risvegliare" l'architettura moderna, di creare caos, da cui ci si aspetta che emerga qualcosa di nuovo. Il caos, tuttavia, può essere diverso: produttivo e distruttivo, caos di generazione e distruzione (a volte, tuttavia, uno si trasforma in un altro). Il caos può anche essere naturale, originato da cause naturali, a volte è artificiale, e sembra che il caos che il curatore ha cercato di creare alla sua Biennale sia proprio artificiale. Ma che sia produttivo o meno, sarà possibile solo con il tempo per capire. Se in questo modo tra dieci anni questa Biennale sarà considerata una pietra miliare, allora l'idea, senza dubbio, è stata un successo. In caso contrario, non è riuscito.
Nel frattempo possiamo essere guidati solo dalle emozioni. Il padiglione italiano, interamente dedicato all'architettura sperimentale, dà l'impressione di un noioso caos. Sono tante le esposizioni (55), sature di testi e quadrettini, intervallate di tanto in tanto da modelli e installazioni - insieme tutto questo si fonde in una massa difficile da percepire anche perché i testi in alcuni punti sono molto misteriosi - a quanto pare, per il per ottenere le stesse "talvolta ambiguità". Per diluire la diversità degli esperimenti giovanili, nonché per mostrare come esattamente si dovrebbe sperimentare, tra questi furono collocate le sale delle venerabili "star" con il sottotitolo "Experiment Masters". In uno di essi c'è un dipinto di Zaha Hadid, che è davvero molto simile alle avanguardie degli anni '20, ma solo un po 'più ornamentale e quindi bello - sebbene accanto a questi dipinti, un tappeto realizzato secondo le sue motivazioni in qualche modo sembra troppo appropriato sul pavimento. Nell'altro ci sono i doodle di Frank Gehry, che quest'anno ha ricevuto il Leone d'Oro per il suo “contributo alla vita”. Doodles - tradotto come "scarabocchi", ciò che viene disegnato involontariamente, ma in questo caso anche ciò che viene modellato, piegato, accartocciato con vari gradi di involontarietà - prototipi dell'architettura di Gehry - che, quindi, nasce dai doodle. Ma la più notevole di tutte è l'installazione di Herzog & De Meuron, realizzata in collaborazione con l'artista cinese Ai Weiwei: l'ampio salone all'ingresso del padiglione è interamente occupato da una struttura di lunghi pali di bambù, a cui sono attaccati bambù sedie, così sospese per aria. Si è rivelato abbastanza arioso e molto misterioso.
L'esposizione all'Arsenal, dove Betsky ha collocato le installazioni delle celebrità che ha invitato, crea una sensazione di caos, per niente noiosa, ma potente, molto espressiva, cupa e spaventosa. Forse questo perché lo stesso spazio di Corderi è ampio e scuro, le spesse colonne rotonde assomigliano a una cattedrale romanica rozzamente fatta, ma Corderi è più lungo della cattedrale, e il cambio di sale a un certo punto sembra infinito. E le installazioni sono grandi, sono inscritte in grande scala in questo spazio, mutuandone la scala e la portata. Le “star” non sono state invano invano, ognuna ha lavorato professionalmente, le installazioni sono solide, riconoscibili e luminose - Corderi si è trasformato in una serie di immagini - in un'attrazione espositiva. Questo è positivo per la mostra, ma non molto buono per l'intenzione del curatore, perché tra i manifesti della Biennale in corso è balenato il pensiero che l'attrazione-architettura non è molto buona, e l'architettura dovrebbe pensare a come farci sentire come se fossimo in questo mondo "come a casa". Questa idea - di "essere a casa" - è ripetuta molte volte nei testi di Betsky e sembra essere una delle principali. Ma le installazioni stellari non evocano in alcun modo "sentimenti di casa", ma piuttosto generano ansia.
Un altro problema è il riconoscimento. Una volta all'Arsenale, le stelle non hanno sperimentato alla ricerca di immagini vaghe di qualcosa di nuovo o diverso, ma al contrario - ognuna ha mostrato che può. Le immagini possono essere vaghe da qualche parte, ma il loro significato sembra in qualche modo lo stesso: tutto questo è un riassunto di concetti creativi, il risultato, non l'inizio, il passato, non il futuro. Frank Gehry è molto riconoscibile: ha costruito un frammento della facciata, simile a Bilbao, in legno e argilla. Le superfici concave vengono gradualmente ricoperte di argilla, si asciuga e si incrina. Questo viene fatto lentamente, entro la fine della Biennale di novembre, l'intera "facciata" sarà rivestita di argilla: è così che l'installazione presenta caratteristiche di performance, che è dinamica, ma lo sguardo è ancora rivolto indietro - guardando questa performance, ti ricordi di Bilbao e sembra tutto grande e uno spettacolare stand espositivo progettato per mostrare il pezzo più visibile del portafoglio di Gehry. La stessa cosa accade con Zaha Hadid: ha installato la sua prossima forma fluida nell'Arsenale, di cui è scritto nella spiegazione che lei è il prototipo di mobili. Ma Zaha Hadid progetta mobili così improbabili da molto tempo. Un oggetto simile è stato installato da Zaha all'interno di Villa Foscari in onore del 500 ° anniversario di Andrea Palladio; ma cosa c'è di interessante - dentro il Palladio o nell'Arsenale - cose molto simili, quindi che senso ha? Greg Lynn ha aggiunto un po 'di umorismo, realizzando anche mobili, ma da "giocattoli riciclati". I giocattoli si sono rivelati sculture luminose, che, devo dire, occupavano meno spazio - per loro la giuria ha assegnato il "Leone d'oro".
Oltre a quanto sopra, ci sono molte immagini impressionanti nell'Arsenale. L'installazione di ragnatela di pizzo di Matthew Ritchie e Aranda Lush "Evening Line" sembra bellissima. Consiste interamente di ornamento - in parte scolpito nel metallo, in parte costituito da ombre e videoproiezione, inscritto in un motivo metallico sul muro. Ciò che questo significa non è chiaro (qual era l'obiettivo?), Ma sembra allettante e pertinente - ora gli architetti adorano gli ornamenti. Unstudio ha collocato a Corderi un oggetto voluminoso delle dimensioni di una piccola stanza, curvo come un nastro di Mòbius - questo oggetto si distingue per il fatto che può essere inserito all'interno. L'oggetto della famiglia Fuchsas, al contrario, è delineato da una linea gialla, che si consiglia di non attraversare (che nessuno osserva): si tratta di due giganteschi furgoni verdi con finestrini attraverso i quali si possono vedere in stereo scene quotidiane formato cinema. The Dealer e Scorfidio si sono comportati molto facilmente - la loro installazione mette a confronto i video con due Venice - un vero americano e un giocattolo di Las Vegas. Non è chiaro come questo riveli il tema di Betsky, ma a Venezia sembra fantastico e le sedie sono costantemente occupate. Barkow Leibinger ha costruito un "giardino nomade" con tubi metallici tagliati al laser - per l'omogeneità del materiale e la semplicità della soluzione, a mio parere, questa è una delle installazioni degne di nota dell'Arsenale. Ma Philip Rahm ha attirato l'attenzione sulla sua installazione dal fatto che nei primi giorni della mostra (non so come più tardi) c'erano due persone nude sdraiate lì, e accanto a loro, quattro persone vestite alla moda stavano suonando una specie di musica per chitarra: il progetto è dedicato al riscaldamento globale, ma è qui che segue? Dalla nudità?
Quindi, la parte della mostra, pensata per rispondere alla chiamata del curatore, si compone di 55 piccole mostre nel padiglione Italia e 23 grandi installazioni all'Arsenale. Tutti insieme si sommano a un tentativo di risvegliare gli architetti - dalla pratica commerciale alle fantasie “cartacee” - per amore del rinnovamento, una svolta, in generale, la nascita di qualcosa di nuovo. Il padiglione d'Italia rappresenta, secondo il curatore, sia il passato che il futuro di questo processo: mostre giovanili - speranza per il futuro, mostre retrospettive di maestri - una sorta di libro di testo su come sperimentare. Tutto ciò è completato dall'articolo di Bezki sulla storia della sperimentazione modernista del dopoguerra - le cui origini il curatore riconducono alla crisi politica del 1968 e alla crisi energetica del 1973. Becki nomina nomi, costruisce una storia e invita i giovani architetti a continuarla. L'esposizione dell'Arsenal, invece, rivolge lo stesso invito alla sperimentazione a venerabili maestri - in teoria, l'intera comunità architettonica dovrebbe di conseguenza essere coinvolta nel processo di creazione di "scarabocchi" - da cui una nuova esplosione di pensiero, un nuova svolta, si sarebbe successivamente verificata. Allora cosa sta succedendo? L'esposizione giovanile si è rivelata superficiale e saturata (anche se, se lo si desidera, si possono vedere cose interessanti in essa) - e la "stella", invece di dinamiche e novità, ha riprodotto le tecniche stesse delle "stelle". L'impulso a iniettare artificialmente il caos creativo nell'architettura sembra essere fallito. Forse perché è artificiale? Anche se - come si è già detto - solo dopo dieci anni sarà finalmente chiaro se questo tentativo ha dato almeno qualche frutto e se ha portato a una svolta. Nel frattempo, guardando l'esposizione, sembra improbabile.
Ma ecco la cosa strana. Non è chiaro se Betsky abbia svegliato gli architetti. Ma le forze naturali, bisogna pensare, si sono risvegliate. È stato facile notare che la cerimonia di apertura della Biennale, il cui curatore nel suo manifesto dichiarava che non è la cosa più importante al mondo proteggersi dalla pioggia, è caduta su un acquazzone che accade raramente a Venezia. A causa di questa pioggia, l'apertura è stata spostata dai Giardini all'Arsenal - e davanti all'ingresso c'era una folla di giornalisti bagnati e congelati. Ma non sarebbe ancora niente. Quindi, dopotutto, discutendo dell'importanza dei problemi economici e di altro tipo per lo sviluppo del pensiero concettuale, il curatore dell'attuale Biennale, a quanto pare, non solo la pioggia, ma anche la crisi sfortunata. La crisi è evidente. Stiamo aspettando esperimenti.
Botanici e nomadi
Nell'interpretare il suo argomento confuso per il pubblico e per i partecipanti alla Biennale, il curatore Aaron Betsky ha parlato principalmente in modo apofatico, cioè dall'opposto. Non un edificio, perché è una tomba di speranze umane e risorse naturali, non un'utopia o una soluzione astratta ai problemi sociali - ma immagini e indovinelli da sognare. Ha chiesto di andare oltre l'edilizia e l'architettura come disciplina e di sperimentare. Ma non ha detto esattamente dove andare, conservando l'enigmatico mistero.
Ognuno ha reagito a questo mistero in modi diversi, con il cinema, il design e l'arredamento. Molti critici consideravano la Biennale di Architettura troppo simile alla Biennale di Arte Contemporanea e quindi perdeva la sua specificità professionale. Dopo essere andato oltre il quadro, non solo puoi guadagnare, ma anche perdere - questa, in generale, è un'occupazione eccitante, ma anche pericolosa - per attraversare i confini.
Tuttavia, il modo più ovvio per rispondere all'argomento si è rivelato il più semplice: basta lasciare l'edificio. Sarebbe curioso se le sale espositive fossero lasciate del tutto vuote e le esposizioni venissero distrutte all'esterno, ma la Biennale non ha ancora raggiunto un tale grado di letteralismo. Tuttavia, in termini di fuga dall'architettura alla natura e alla costruzione lì, all'esterno, di varie "strutture temporanee", gli architetti potevano rivolgersi alla ricca esperienza dei residenti estivi sovietici - fuggirono anche dal declino del modernismo e, essendo fuggiti, stabilirono un orto.
Il più grande orto della Biennale è stato costruito dai Gustafoni. Una parte della vegetazione selvaggia ricoperta di liane del Giardino delle Vergini, situato ai margini dell'Arsenale, sul sito di un monastero benedettino in rovina - è stata coltivata dal progetto britannico-americano "Through Paradise" (verso il paradiso). Cavolo cappuccio, cipolle e aneto (simboli di sazietà) sono intervallati da fiori, al centro della composizione c'è una collina curva come una lumaca, ricoperta di erba ordinata. La lumaca alle erbe dovrebbe essere un posto da vedere, con cuscini per sedersi posizionati su di essa, ma in una giornata piovosa di apertura, solo palline bianche si libravano sul prato collinare. Inoltre, nella vecchia cappella (o chiesa?), Le candele sono collocate sugli scaffali lungo le pareti e sui muri sono scritti i nomi latini di animali e piante scomparsi (ce ne sono un bel po '). Bisogna ammettere che questo progetto paesaggistico è il più ambizioso della Biennale. Per il suo bene, hanno persino abbattuto diversi alberi secolari, cosa non gradita a Venezia.
A proposito, il tema del Paradiso si inserisce bene nel curatoriale "là fuori" e "oltre": non c'è niente di più ultraterreno del Paradiso. Si rivela a modo suo nel padiglione tedesco: le mele crescono sui rami conficcati nei vasi, ai rami sono attaccati contagocce con liquido verde. Se i frutti stessi siano cresciuti su talee sottili e come ciò sia stato ottenuto non è spiegato, ma l'esposizione simbolica è accompagnata dall'argomento che le persone, cercando di creare un paradiso sulla terra per se stesse, stanno distruggendo interi ecosistemi per il bene di questo paradiso tecnogenico. Le mele sotto i contagocce dovrebbero probabilmente rappresentare un paradiso artificiale.
Il padiglione del Giappone è circondato da fiori, incastonato all'interno di strutture effimere che ricordano i contorni di torri intrecciate con il verde. Si tratta di schemi di edifici a più piani abitati dalla vegetazione - sono raffigurati anche all'interno del padiglione sui muri a matita. Oltre ai disegni, nel padiglione non c'è nient'altro: è completamente bianco, come una specie di foglio di carta ribaltato all'interno. A molte persone è piaciuto questo padiglione laconico e contemplativo in modo sintetico.
L'orto americano è più piccolo e non così profondo, ma sociale - è dedicato, in particolare, all'educazione dei bambini attraverso il giardinaggio (questo tipo di educazione è ora praticato in molti monasteri del nostro paese). Gli americani hanno nascosto la dorica imperiale della facciata dietro una rete traslucida, hanno allestito un orto davanti al colonnato e hanno riempito il padiglione di ogni sorta di progetti sociali. Nel padiglione danese viene dispiegata una "ecotopedia" molto seria e diversificata, un'enciclopedia dei problemi ambientali.
Il tema ambientale è diffuso anche tra i progetti sperimentali del Padiglione Italia. Le idee, tuttavia, sono per lo più familiari: città verdi, dove c'è una foresta sottostante, e tecnologia e civiltà "di secondo livello" e grattacieli verdi, di cui uno è particolarmente evidente - Julien de Smedta, un progetto destinato ai cinesi città di Shenzhen, situata sulla terraferma di fronte a Hong Kong. Si tratta di un gigantesco grattacielo, abitato in egual misura da persone e verde, che, secondo gli autori, dovrebbe sostituire le montagne boscose che sono scomparse in questa zona, diventando una grande montagna artificiale. Non importa cosa dice il saggio di Cincinnati sui benefici di vaghe ispirazioni, un vero progetto sembra molto vantaggioso rispetto al loro background.
Un altro modo per scappare "dall'edificio" è andare alla capanna. Stranamente, non è molto popolare, ma ci è vicino nello spirito. La "capanna" principale a forma di yurta è stata costruita sull'argine dell'Arsenale da Totan Kuzembaev e collocata all'interno di una piccola automobile. Il punto è combinare gli accessori nomadi di due culture: antica e moderna. Dalla civiltà moderna, all'interno della yurta ci sono vari accessori tecnici, telefoni cellulari, laptop, ecc., Utilizzati non per lo scopo previsto, ma come attributi di uno sciamano. Per sopravvivere nel mondo moderno - scrive Totan Kuzembaev nella spiegazione di "Nomad", devi adattarti. E poi o sorgerà qualcosa di nuovo, o il globalismo inghiottirà tutto, il che sarà triste - conclude.
D'altra parte, tra l'Arsenal e il paradiso di Gustafson, gli architetti cinesi hanno costruito diverse case diverse - fatte di scatole, compensato, pannelli duri - le case sono grandi, a tre piani, ma all'interno sono scomode e anguste, come su un treno. Anche la capanna pergola costruita da Nikolai Polissky sulla terrazza del padiglione russo si inserisce nella stessa fila: una bella struttura, ma, sfortunatamente, non molto evidente perché si trova sul lato della laguna.
C'è anche un modo più astratto di partire, ad esempio dalla forma al suono e al video. Ecco un bellissimo padiglione della Grecia completamente non architettonico, composto da piedistalli interattivi con monitor e cuffie con i suoni della città. È scuro con fili di plastica luminosi appesi.
E infine, puoi allontanarti dall'architettura svuotando il padiglione - questo è stato fatto nel padiglione in Belgio, dove i coriandoli colorati sono sparsi sul pavimento ("After the Party"), o in Cecoslovacchia, dove ci sono divertenti frigoriferi con cibo set per caratteri diversi.
La maggior parte dei partecipanti ha interpretato diligentemente l'argomento, ma ci sono anche delle fronde, quelle che, contrariamente al motto, mostravano ancora gli edifici. Dopo tutto, i padiglioni nazionali non devono seguire il tema. Fantastico è il padiglione del Regno Unito, dove un'esposizione costosa e accuratamente realizzata è dedicata a cinque architetti che costruiscono alloggi nelle città britanniche. Si scopre che ora in Gran Bretagna - la patria della città giardino e di nuovi tipi di abitazioni all'inizio del XX secolo - si costruiscono sempre meno alloggi. Il padiglione della Francia è pieno di molti modelli: ognuno di essi è collocato in una scatola di plastica trasparente e fissato al muro con una console mobile: puoi ruotare i modelli mentre li guardi. Anche l'architettura della Spagna viene mostrata in modo molto dettagliato e tradizionale - con immagini e modelli. Per la prima volta in molti anni, questa fila include il padiglione russo, di cui - un po 'più tardi.
Russi a Venezia
È successo così che tra le persone con cui ho potuto parlare a Venezia, i giornalisti hanno valutato il concetto di Aaron Betsky per lo più positivamente, mentre gli architetti per lo più negativamente. Ci sono ovviamente delle eccezioni, ma nel complesso è ovvio: gli architetti vengono a Venezia per vedere l'architettura, e la sua quasi totale assenza non è stata per loro la sorpresa più piacevole.
Nel padiglione russo tutto è avvenuto al contrario: non si mostrano vaghe provvidenze, ma palazzi, tanti palazzi. In precedenza, quando i progetti e le realizzazioni venivano esposti alla Biennale, le installazioni venivano allestite nel padiglione russo, e ora, quando finalmente si è deciso di mostrare l'architettura reale, Aaron Betsky ha formulato il "compito" esattamente opposto. Tuttavia, il tema non è obbligatorio per il padiglione nazionale … Avremmo dovuto scartare per la prima volta l'idea di mostrare uno spaccato di vera architettura russa e adattarci al motto? Difficile da dire. Ma, a rigor di termini, è ovvio che il tema impostato da Betsky per la Biennale corrisponde alla situazione di una certa noia e sazietà verso le "star" che si è sviluppata nell'architettura del mondo. E il tema, impostato dal curatore del padiglione russo, Grigory Revzin, è in sintonia con la situazione del boom edilizio in Russia. E la mostra rappresenta in modo abbastanza accurato un'istantanea dell'architettura russa di oggi. Compresa la sua caratteristica variegatura e affollamento, la crescita attiva, vitale e poco controllata dei vari edifici.
La mostra si compone di due parti. Il piano superiore è occupato da progetti ed edifici moderni: ha tre sale, una principale e due aggiuntive. I designer Vlad Savinkin e Vladimir Kuzmin li hanno decisi in tre diversi colori: la prima sala, che mostra il catalogo elettronico, è bianca, la terza sala - contiene sviluppatori, è nera e la sala principale, centrale è rossa. Il suo pavimento è rivestito di celle degli scacchi, quelle rosse sono gli edifici di architetti russi, quelle bianche sono i modelli realizzati secondo i progetti degli stranieri che costruiscono in Russia. Secondo l'idea del curatore, tra i modelli di russi e stranieri, si svolge una partita a scacchi condizionale, accentuando il tema della competizione tra architetti “locali” e “alieni”.
La seconda parte della mostra sono le strutture in legno di Nikolai Polissky, non ancora architettura, ma, come la definisce il curatore del padiglione russo Grigory Revzin, espressione del sogno del paesaggio russo. Le opere di Polissky permeano il padiglione russo: nella hall al primo piano formano una foresta diradata da macchie di luce. Nello stesso luogo, nella sala successiva, vengono mostrate le opere principali di Polissky e - video - il processo della loro creazione da parte delle forze di una squadra ben coordinata di residenti del villaggio di Nikolo-Lenivets. Basate sul primo piano, le strutture di Polissky continuano a crescere ovunque: sotto forma di un arco improvvisato davanti all'ingresso, pergolati sulla terrazza (cosiddetti 'oltre l'edificio') e persino le gambe al tavolo nella sala degli sviluppatori sono fatto degli stessi tronchi storti.
Bisogna ammettere che i progetti di Nikolai Polissky differiscono nettamente dagli altri progetti paesaggistici della Biennale, e non solo per il fatto che mancano completamente del tema “paradiso” di un giardino-giardino, e il materiale è selvaggio, naturale, appena pulito. Sono molto più vicini alla natura dei progetti ecologici, che, infatti, appartengono in misura maggiore al mondo della tecnologia. La "foresta" di Polissky è un po 'selvaggia e spaventosa, anche se all'interno del padiglione manca di dimensioni - non c'è nessun posto dove voltarsi. Ma devi capire che questa è una foresta "da esportazione", un goblin in tour. In Nikolo-Lenivets, i progetti paesaggistici di Polissky sono sia più grandi che più vitali.
Quest'anno i russi hanno partecipato a tutte le parti principali della Biennale. Totan Kuzembaev, che ha recentemente vinto il secondo posto al concorso per un ponte sul Canal Grande veneziano, è stato invitato da Aaron Betsky a partecipare alla mostra curatoriale dell'Arsenale e ha costruito la già citata yurta sulla strada di fronte a lui. Boris Bernasconi, che recentemente ha condiviso il primo posto nel concorso internazionale per il Museo d'arte di Perm con Valerio Olgiati, è stato invitato a curare la mostra al padiglione italiano e ha utilizzato questo invito per combattere il progetto Orange di Norman Foster. Devo dire che Aaron Betsky nella sua conferenza stampa ha menzionato separatamente il progetto di Bernasconi e lo ha elogiato moltissimo nel senso che il giovane architetto ha osato protestare contro lo stesso Foster.
Arrivata a Venezia, la mostra del Maternity Hospital (curata da Yuri Avvakumov e Yuri Grigoryan) si è trasformata in un bellissimo progetto. La mostra è stata presentata per la prima volta a Mosca presso la galleria VKHUTEMAS, poi a San Pietroburgo. Devo dire che alla Biennale la mostra, che era stata inventata un anno prima, si è rivelata molto utile: si tratta di embrioni scultorei di architettura, interpretazioni del tema della nascita, prodotte da architetti, tra i quali ci sono molti russi, ma molti stranieri. Oserei persino suggerire che qui l'idea principale di Betsky sia espressa, se non in modo più preciso, quindi più succintamente che nell'Arsenal. Ospitata nella chiesa veneziana di San Stae, la mostra si è notevolmente trasformata: tutti i reperti sono stati collocati in celle all'interno delle pareti di una casa di cartone con pareti forate. Questo edificio è paragonato a un reliquiario di una chiesa e allo stesso tempo a un presepe. L'evoluzione della mostra sembra essere molto logica. Inoltre, sembra che la stessa Venezia abbia avuto un ruolo qui, una città in cui quasi ogni muro porta un'icona con un'icona scultorea. Da ciò che la città sembra consacrata nel suo insieme - una qualità che è già andata perduta in altre città europee - e anche il brutale "Ospedale Maternità" qui si trasforma in un presepe natalizio. Venezia è una città meravigliosa.
