Uscendo dalla mostra "Ipnosi dello spazio", senti un po 'di rumore nella tua testa, come dopo una buona rappresentazione o un lungo film. Non altrimenti è stato attaccato da Marte - questo è il nome della prima installazione - "Mars Attacks", il nome è volutamente fantastico, dopo Wells, ma si compone di cose del tutto classiche: un'incisione di Piranesi e un testo di Odoevsky. E così è tutto.
L'obiettivo dichiarato della mostra è “comprendere la logica della nascita delle emozioni nell'Età dell'Illuminismo e oggi, nell'era dei giochi di ruolo online”; trovare una connessione tra il barocco del XVIII secolo e il cyber-barocco del post-internet. Wow compito, devo dire. Nella nostra coscienza quotidiana, siamo abituati a pensare che computer e libri, soprattutto stampe, siano più probabilmente antipodi, nemici e concorrenti nella lotta per il tempo libero di una persona, soprattutto un bambino. La mostra ci dimostra che non è così, che i mondi fantastici del XVIII secolo e il presente sono strettamente correlati, interdipendenti e, in generale, sono la stessa cosa. In effetti, certo, lo è, ei bravi progettisti di spazi virtuali, sia di gioco che di cinema, lo sanno e lo usano molto bene, ma con la prova si scopre una storia piuttosto lunga e laboriosa. Penso che ci vorranno una dozzina di tali mostre per dimostrarlo davvero. D'altra parte, il super compito impostato stimola perfettamente il duro lavoro da un lato e libera il curatore dall'altro. Non per niente il messaggio curatoriale consiste in una menzione piuttosto inaspettata delle dacie di Tsaritsyn: l'estate è un momento di gioco, dacia, non troppo serio, o è ancora possibile.
La mostra occupa 11 sale, suddivise in nove temi e collocate al secondo piano del palazzo in cerchio, così che dalla fine si torna subito all'inizio. La sua parte più forte e, oggettivamente parlando, più interessante è un gran numero di grafica autentica, principalmente incisioni, dalla collezione di "Tsaritsyn" stessa, così come l'Istituto di ricerca statale dell'Accademia delle scienze che prende il nome da A. V. Shchusev, Teatro Bolshoi accademico statale, Museo Bakhrushin e da due collezioni private. Un bel po 'di Piranesi, e quello della collezione Tsaritsyn - a quanto pare, non è molto famoso; Gonzaga, Bibiena; Bogaevsky; c'è Cranach e due stampe italiane del XVI secolo. I set di Nicholas Benois per la produzione di Sogno di una notte di mezza estate al Teatro Bolshoi nel 1965, che mostrano chiaramente la somiglianza della sala gotica e della foresta di alberi, lasciano un'impressione sorprendente: vengono esposti per la prima volta. Una serie di fogli di scenografia incisi di Johann Kharms per il balletto del 1678 "Sull'incontro e il movimento dei sette pianeti", messo in scena alla corte dell'elettore sassone Johann George II, è stata recentemente acquisita dal Museo Tsaritsyno e dal curatore Sergei Khachaturov e la sua co-curatrice Daria Kolpashnikova l'ha attribuita. Inoltre i fogli relativamente famosi, ma amati, del castello di carte pieghevole di Brodsky / Utkin e Yuri Avvakumov.
La cosa più interessante della mostra è esaminare i dettagli di queste incisioni, in questo senso rientra nella stessa tendenza delle recenti mostre di acquerelli al Museo Storico e alla Galleria Tretyakov: sono decisamente pensate per un dilettante, una persona che è pronto ad "appendere" per ore su un disegno bizzarro o una colonna o un tratto di acquerello vivente di Gonzaga su un pezzo di carta delle dimensioni di un paio di scatole di fiammiferi - c'è abbondanza di questo materiale qui, gioia per gli occhi e per la mente è fornito. Inoltre, tra i fogli e le serie mostrate, ci sono alcune scoperte, cioè cose che non sono state ampiamente esposte prima. Il curatore afferma che la collezione grafica di Tsaritsyn non è mai stata mostrata così completamente. In una parola, c'è sicuramente qualcosa da vedere e ammirare per gli intenditori. Ma la maggior parte dei visitatori di Tsaritsyn non è tra loro, i "quadri" sono percepiti come un elemento di decorazione murale.
Per loro, probabilmente è fornito uno scioccante - disegnato da una mano insicura, ma brillantemente il backstage con una versione generalizzata dei personaggi dei giochi per computer (l'ho mostrato a quattro giocatori, tutti hanno trovato difficile nominare la fonte) dall'artista Vladimir Kartashov. L'artista ha 21 anni, tutte le cose del 2018, le più fresche, e occupano quasi un'intera sala. Non ci sono affatto spazi, si potrebbe probabilmente dire che gli stessi eroi costruiscono lo spazio del gioco, e il visitatore può essere all'interno, entrare nel loro cerchio, soprattutto perché sono leggermente più alti dell'altezza umana. Situato accanto alla sala dedicata all'opera seria - un'opera seria, il prodotto del secolo dell'illuminismo, costruita sull'allegoria e, cosa c'è, moralizzante, la cosa più noiosa con decorazioni lussureggianti - "decorazioni" di giocattoli per computer tolti da contesto e rappresentati alla maniera della pittura ingenua - il curatore li chiama "post-Internet" - non possono che scioccare.
Qualcuno dirà: questa stanza spaventosa ci dimostra l'assenza nelle menti di un'altra natura, ad eccezione del gioco che crea dipendenza - né Marte né Venere sono interessanti per loro, date loro Sarah Kerrigan. Qualcuno dirà, e apparentemente ha già detto al curatore, che è assolutamente impossibile esporre accanto a cose come la scenografia della Cenerentola di Prokofiev del 1945, di Peter Williams, e questo è quanto. Qualcuno noterà che sono molto simili nel colore, o addirittura ricorderà: "Non c'è storia peggiore al mondo della musica di Prokofiev nel balletto", ricordando che innovatore disperato era l'attuale classico riconosciuto. Il curatore Sergei Khachaturov costruisce infatti tutta la sua complessa storia sulla ricerca di "artisti d'avanguardia del passato", confrontandoli con giovanissimi - e non giovanissimi, come Brodsky, Utkin, Avvakumov - nostri contemporanei. Piranesi per lui - "la prima avanguardia radicale nel campo della progettazione architettonica", Gonzaga - "un vero rivoluzionario dell'arte scenografica". Ma è vero, nel tempo i classici si ricoprono di un inevitabile strato di polvere ea volte bisogna "scuoterli" un po ', cambiare gli angoli.
Le acqueforti di Brodsky / Utkin convivono con i cartoni di Andrei Khrzhanovsky (questo è il mio cartone animato preferito ", esclama il curatore," l'ho visto per la prima volta nel 1985), il XVIII secolo regna beatamente nella sala Ruina. Una carta da lucido completamente nuova - realizzata per la mostra - di Alexander Brodsky è adiacente all'acrostico di Derzhavin "Il fiume dei tempi nel suo sforzo …"; è successo così per caso, esclama Sergey Khachaturov: il verso qui precede la sala delle rovine, e Brosky all'ultimo momento ha portato un disegno con un fiume di tempo …
Man mano che ci muoviamo, cresce la componente teatrale - prima ci viene presentata la scenografia di una "opera seria", poi - la rappresentazione del teatro Juliensembl sui temi delle dottrine filosofiche che costruiscono un parallelo moderno, non senza urla, ma evidente con il balletto Seven Luminaries. A proposito, qui, nella grande sala, è assolutamente necessario girare dietro l'angolo di un grande schermo multimediale progettato per mostrare i dettagli delle incisioni e trovare lì tre dipinti di Yegor Koshelev con personaggi del Flauto magico (Queen of the Night - in un grembiule e con in mano una tazza di cartone); loro, a loro volta, formano un pandanus per i suddetti eroi dei giochi per computer, ma sono disegnati accademicamente in modo meraviglioso e persino ammaliante - a quanto pare, sono progettati per cambiare il suggerimento dato all'inizio ai giochi per computer a ciò a cui il curatore è veramente interessato - all'arte moderna e al teatro, di cui ce ne sono molti altri. Infine, l'ultima sala è completamente teatrale, occupata da una decorazione su larga scala per i "Drilliani" dell'Electrotheatre di Boris Yukhananov, dove onde di gesso- "trapani" assomigliano disperatamente a colonne a forma di spirale, ad esempio, come il baldacchino di San Pietro a Roma, dalla parola "vite" colonne, estrose e ispiratrici, sono molti tra i progetti scenografici esposti.
Quando molto tempo fa Nikolai Merkushev, ora professore a Stroganov, mi insegnò la scenografia; e l'artista preferito era Valery Leventhal; poi il compito del primo studente era una "natura morta" sul tema della commedia: noi, a quanto pare, non abbiamo capito subito, ma non doveva essere proprio una natura morta, ma una specie di mucchio di oggetti diversi che figurativamente e rivelare emotivamente il tema. Ricordo che non era un compito semplice, tutto il tempo si è rivelato essere una specie di mucchio indistinto. La mostra assomiglia a una tale "natura morta", solo quella risultante, tesa su molti fili speculativi: la connessione del non completamente connesso, la ricerca di connessioni interne, e più forte è il divario, maggiore è la tensione e più acuta è la percezione, ma di tanto in tanto per lo spettatore fanno una pausa, danno "riposo", Ad esempio, si immergono in un tempio massonico - gli oggetti del cerimoniale massonico sono conservati a Tsaritsyno, e se potessi fare a modo mio, terrei questo frammento in un mostra permanente. O nei karcheri di Piranesi, accostati al Columbarium di Brodsky / Utkin.
Tutto questo, ovviamente, deve essere ricucito in qualche modo. Sembra che a volte il contrasto molto diffamiliare e l'imprevisto delle giustapposizioni servano da elemento di collegamento. Ma le metafisiche decorazioni bianche di Stepan Lukyanov, il principale artista dell'Elettroteatro Stanislavskij, che eresse piramidi nel tempio massonico, nella sala del Padiglione - un ponte simile a quello veneziano, nella sala delle rovine, una torre in rovina da Désert de Retz sotto Parigi. L'intera mostra diventa così un'opera di scenografia, un racconto sulla vita e le possibilità dell'architettura immaginaria - una versione volumetrica della performance di Pietro di Gottardo Gonzaga, composta solo di dipinti, ma non per questo meno emotiva e che parla di questo. È, come un'opera o un balletto barocco, incentrato su una sequenza di temi fortemente associati alla personalità del curatore - uno storico dell'architettura moderna, ma anche un conoscitore di arte e teatro contemporanei. Nella terza sala ci viene detto che la scenografia barocca è stata costruita su temi ripetuti: il palazzo, la prigione … Anche la mostra, come una performance, è costruita su temi, e sono in parte mutuati dalla scenografia barocca, in parte dal la cultura del parco e la cultura dell'Età dell'Illuminismo in generale - il tempio massonico, il padiglione, le rovine, - cose che erano considerate importanti per lo sviluppo della personalità, "apprendimento", cioè, come diremmo ora, crescita personale e lo sviluppo dell'intelligenza emotiva.
Inoltre era impossibile fare a meno di discorsi ordinari, spiegazioni ripetute: molti testi di accompagnamento sono una sorta di libretto per la mostra, ti permettono di leggerlo come un libro, il curatore stesso promette di condurre escursioni (dovresti cercare annunci su Facebook), alla mostra è allegata una guida sulla piattaforma Izi. Travel.
