Stepan Lipgart: "È Giusto Piegare La Propria Linea"

2024 Autore: David Durham | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-16 02:37

Una famiglia

Wikipedia scrive che i Lipgarts sono una famiglia della nobiltà Ostsee, conosciuta in Livonia dal XVI secolo, e nel XIX - XX secolo questo cognome è stato portato da artisti, ingegneri e progettisti di sottomarini. Quali di loro sono i tuoi antenati?

I genitori di mia madre erano quattro cugini l'uno dell'altro, entrambi nati da Lipgart, discendenti dell'antico cognome dei tedeschi baltici, immigrati da Pernau (ora Pärnu, Estonia), che un tempo avevano davvero un titolo di nobiltà. I miei antenati, tuttavia, lo persero all'inizio del XIX secolo. Il nonno di mia nonna, Ernest Lipgart, ingegnere di formazione, ha ereditato dal padre una grande impresa impegnata nella produzione di cemento e macchine agricole. Suo figlio Voldemar (Vladimir) ha studiato per essere un architetto, ma ha preferito il percorso di un artista. Il suo destino è stato tragico, alla fine degli anni '30 è “scomparso”: come si è scoperto negli ultimi anni, è stato colpito al campo di allenamento di Butovo. Mia nonna, anche lei artista, fu esiliata da Mosca a Karaganda all'inizio della guerra come tedesca.

Il padre di mio nonno, l'ingegnere Andrei Aleksandrovich Lipgart, è un rappresentante di un altro ramo familiare, il capo di una famiglia grande e forte, una personalità eccezionale. Nel 1933 divenne il capo progettista dello stabilimento automobilistico di Gorky, dove nel corso di quasi vent'anni creò dozzine di modelli di attrezzature automobilistiche. I meriti e le conquiste di Andrei Alexandrovich furono principalmente riconosciuti in epoca sovietica, quindi, ad esempio, la sua autorità fu sufficiente per salvare una lontana parente, mia nonna, dall'esilio. È così che è avvenuta la loro conoscenza con mio nonno.

I privilegi del mio bisnonno negli anni '50: un grande casolare di campagna e un appartamento in un grattacielo stalinista, sono diventati spazi in cui è stata trascorsa anche la parte migliore della mia infanzia. L'atmosfera festosa delle riunioni di famiglia - solenni, ma anche sincere, che si svolgevano in un appartamento luminoso con soffitti alti, ricche modanature in stucco, porte a pannelli, dalle quali appariva invariabilmente Babbo Natale a Capodanno - apparentemente divenne un'impressione che determinò il mio artistico gusto e preferenze estetiche da anni …

Cosa ha influenzato la tua decisione di diventare architetto, oltre all'ingegneria e alla genetica artistica?

Mi sembra che un architetto non sia casuale, una professione spesso ereditata. Nel mio caso, l'influenza di mia madre è senza dubbio, che, sebbene sia stata impegnata per tutta la vita non nell'architettura pratica, ma in teoria, ma fin dalla prima infanzia ha spiegato che la nostra professione è la migliore, universale, in essa - creatività, pensiero, bellezza e architettura di Mosca: un luogo di rara grazia.

Vocazione

Quale degli insegnanti di MARCHI è importante per te ricordare? Chi ti ha ispirato, da chi sei partito?

Ricordo con stupore e gratitudine i miei due insegnanti, che ora sono morti. Quando sono entrato nell'istituto, sono stato subito molto fortunato: il mio insegnante nei primi due anni è stato Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Un uomo con un grande cuore e un grande fascino, un programma brillante: ricordo con quanta invidia abbiamo visto come linee chiare e vivaci di schizzi magistrali emersero da sotto la sua mano. L'ampiezza della natura, a quanto pare, era incarnata nei soggetti dei suoi disegni: caccia ai cani, che amava molto, armi antiche, cavalli, navi, vele … A quanto pare, le preferenze architettoniche corrispondevano a questa percezione romantica, un po 'nostalgica del mondo: ha parlato di Venturi con grande rispetto, Aldo Rossi. In generale, il postmodernismo, secondo Kudryashov, era qualcosa di buono. Non c'è stato negativo da parte sua anche in relazione all'architettura stalinista, anzi, alla primissima lezione pratica, che si è svolta fuori dall'istituto, cogliendo l'occasione, Konstantin Vladimirovich ha richiamato la nostra attenzione sulla casa con i belvederi dell'architetto Rybitsky, che su Zemlyanoy Val, risponde a questa architettura come di alta qualità e significativa. Forse è per questo che gli elementi dell'ordine e le composizioni, il cui studio era alla base del programma del primo anno, ho fatto senza pensarci due volte il mio metodo nei primi progetti scolastici nel secondo anno di studi. Kudryashov non ha interferito con questo, non si è rotto, ma alla fine del secondo anno ha avvertito: "Hai voglia di architettura ordinata, cerca di allontanartene l'anno prossimo".

Hai avvertito che potrebbero esserci problemi?

Non l'ho detto direttamente, ma l'ho messo in questo modo. In generale, dal terzo al quinto anno, la mia formazione in progettazione architettonica è stata piuttosto strana. In ogni caso, il suo principio fondamentale - copiare riviste straniere con progetti simili all'argomento, e poi riprodurre le idee e le tecniche trovate nel tuo progetto - mi è sembrato in gran parte inutile. Allo stesso tempo, la passione per l'architettura classica, eredità degli anni Trenta e Cinquanta sovietici, divenne sempre più consapevole e profonda. Ricordo come in questo momento sono venuto a parlare con Kudryashov e mi sono lamentato, dicono, che il moderno non ispira, a cui ho ricevuto la risposta: se senti di avere ragione, devi combattere "con le asce".

Certo, all'inizio questo "sull'ascia" era irto di voti bassi e di un assoluto fraintendimento degli insegnanti, ma in seguito, tuttavia, si riconciliarono con le meravigliose dipendenze di uno studente negligente, lasciandomi l'opportunità di stufare nel mio stesso succo.

Nel sesto anno è stato il momento di scegliere un supervisore del diploma, e poi c'è stata una seconda fortunata possibilità: sono entrato nel gruppo di Vladimir Vladimirovich Khodnev. L'anno della laurea è stato assolutamente felice; l'approccio formale degli ex insegnanti è stato sostituito da una sorta di inebriante libertà di creatività e espressione di sé. Si è scoperto che è giusto piegare la linea, ma ciò in cui si trova l'anima è prezioso e importante. La sensibilità e l'attenzione dell'insegnante, che ricordo con grande gratitudine, mi ha permesso di capire e imparare molto. All'uscita il diploma si è rivelato brillante, direi scioccante, forse ingenuo, in qualche modo ridicolo, ma proprio il mio. Devo dire che nello stesso anno sono apparsi i Children of Iofan, in cui, tra l'altro, Khodnev mi ha sostenuto molto. È stato un bel periodo: abbiamo creduto in noi stessi.

Il gruppo "Children of Iofan" ha fatto colpo. È stato apprezzato dai rappresentanti di tutte le direzioni. Come è successo?

Ventidue anni sono probabilmente un periodo felice per quasi tutti: l'energia frenetica della giovinezza, l'entusiasmo senza riguardo al denaro, la reputazione, le connessioni. Nella primavera del 2006 ci siamo incontrati e siamo diventati amici di Boris Kondakov. Ricordo la nostra prima conversazione: - "Come ti senti riguardo al Palazzo dei Soviet?" "È un peccato … un peccato che non sia stato costruito." Era la password che determinava, per il momento, una rara mentalità simile. Abbiamo iniziato a lavorare insieme, ovviamente, non si parlava di nessun tipo di commercio. Il talento artistico di Boris e la mia visione architettonica si sono incarnati in progetti competitivi, in oggetti d'arte, e poi abbiamo lavorato insieme al suddetto diploma, popolando l'immaginaria Mosca del 2006 con personaggi dei dipinti di Deineka e Samokhvalov. Un ruolo importante nella nostra biografia è stato svolto dai festival della città, organizzati da Ivan Ovchinnikov e Andrey Asadov. Le installazioni all'aperto fai-da-te sono state la prima occasione per testare idee spaziali nella natura. Per la prima volta abbiamo preso parte a un evento chiamato "La città dell'infanzia", in questa città abbiamo costruito un oggetto che somigliava alle strutture di propaganda degli anni '30 - il "Red Stand", mentre la squadra è stata dichiarata in sintonia con il tema del festival - "Children of Iofan".

Gli infuocati e contraddittori anni Trenta, a cui il progetto di Iofan segnò la svolta, entrarono in risonanza con le proprie esperienze di giovinezza, assetate di azione e di cambiamento. In contrasto con il caos e il caos della Mosca di Luzhkov, abbiamo cercato di presentare un'altra Mosca così come era stata concepita nel Piano generale del 1935. Per ore abbiamo camminato alla ricerca di frammenti di quella città: linee rosse, direzioni, complessi incompiuti, risolvendolo come un rebus, immaginando un insieme intero e snello fatto di architetture di alta qualità, creato da maestri defunti, alcuni dei cui nomi hanno suscitato stupore: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

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1/5 Installazione: Tank "Flowers to the Fallen". Gruppo di architetti "Children of Iofan" © Stepan Lipgart
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2/5 Installazione: Tank "Flowers to the Fallen". Gruppo di architetti "Children of Iofan" © Stepan Lipgart
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3/5 Installazione: Tank "Flowers to the Fallen". Gruppo di architetti "Children of Iofan" © Stepan Lipgart
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4/5 Installazione: Tank "Flowers to the Fallen". Gruppo di architetti "Children of Iofan" © Stepan Lipgart
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5/5 Installazione: "Sistema aeronautico - uno strumento per aumentare il comfort ricreativo di Mosca". Gruppo di architetti "Children of Iofan" © Stepan Lipgart

Che tipo di scandalo ti è successo con Tom Maine?

Sì, in effetti, non c'è stato nessuno scandalo, ma anche senza di esso, quell'incidente mi ha influenzato molto. La conferenza del fondatore del gruppo Morphosis poi, al mio terzo anno, ha suscitato grande scalpore: quasi tutto l'Istituto di architettura di Mosca è apparso nella sala bianca come la neve Vlasov della Casa centrale degli artisti. La creatività di Maine è brillante, eccitante, tutti questi volumi strappati, levitanti, disintegranti non potevano lasciare indifferenti. Poi tutto ciò che ha dimostrato mi è sembrato terribile, non organico, privo di logica e, soprattutto, antiumano. Dopo aver preso coraggio, ho posto una domanda dopo la lezione, dicono, ma per quanto riguarda le persone? Sono rimasto colpito dal fatto che il Maine all'inizio non capisse nemmeno cosa intendo. La sua risposta riguardava la tecnologia del design, ne ha parlato molto durante la lezione, dicono, il computer è solo uno strumento, e le persone, cioè gli architetti, sono creatori, autori. Non ho mai ricevuto una risposta per quanto riguarda gli utenti dei suoi edifici. Comunque sia, qualsiasi forma architettonica moderna dopo quella conferenza mi è sembrata innaturale per molto tempo.

Mi ha ricordato come un tempo il compositore Arvo Pärt ruppe con l'avanguardia, perché non poteva dire in questa lingua quello che voleva dire. Molte volte ti è stato chiesto perché hai scelto gli anni '30 come fonte di ispirazione, ma ti chiedo ancora di spiegare il tuo atteggiamento nei confronti di questa architettura

Secondo i miei sentimenti, all'inizio del XX secolo, l'architettura dell'Impero russo, principalmente nella capitale, raggiunse il livello mondiale, e se non la confrontiamo con i centri culturali di quel tempo - Francia, Austria-Ungheria, ma, ad esempio, con l'Italia, poi ha superato. Prendiamo gli edifici della Roma di inizio secolo, questa è un'architettura solida, ben disegnata, ma ancora molto secondaria: una riproduzione del Rinascimento, composizioni assurde sul tema dell'antichità, o sulla stessa moda francese.

Eppure, San Pietroburgo dell'età dell'argento, l'epoca di Benoit e Lidval, è al centro di alti professionisti, maestri dell'architettura. Ricordiamo la costruzione di Marian Peretyatkovich, la Casa Wawelberg sulla Prospettiva Nevsky, opera geniale, sintesi virtuosa di un palazzo fiorentino e dell'Art Nouveau settentrionale, o le opere emotive del giovane Belogrud, piene di una vaga energia di anticipazione, aspettative di shock e cambiamento.

Quando questi shock si verificarono nel 1917, la maggior parte degli architetti della vecchia generazione si unì alla costruzione del nuovo paese, e i loro allievi, una galassia di architetti eccezionali che studiarono alla vigilia della Rivoluzione e nei primi anni dopo di essa, si unirono con ancora più zelo: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson e molti altri. Non si tratta solo dell'Accademia di San Pietroburgo, perché i fondatori del costruttivismo di Mosca, Alexander e Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, sono professionisti della vecchia scuola.

Per quanto paradossale possa sembrare, la svolta dei primi anni '30 per qualche tempo arricchì l'architettura sovietica: per diversi anni coesistevano concetti di avanguardia e classicismo. I maestri della vecchia scuola hanno avuto l'opportunità di "finire di scrivere" il neoclassicismo iniziato negli anni '10, per trasferire completamente le loro conoscenze ed esperienze a una nuova generazione di architetti straordinari: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. In una parola, a mio avviso, l'architettura sovietica prebellica è un fenomeno di scala molto significativa, ricco di idee e ambizioni, che eredita l'alta qualità dalle epoche precedenti.

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1/3 Arch. M. Peretyatkovich. Casa di Wawelberg su B. Morskaya. San Pietroburgo. 1912 © Stepan Lipgart
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2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Casa di Wawelberg su B. Morskaya. San Pietroburgo. 1912 © Stepan Lipgart
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3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Case sulla Ivanovskaya Street a San Pietroburgo. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Quindi il tuo motivo per gli anni '30 è fare appello all'alta qualità

Sono affascinato dal potenziale artistico di questo periodo, probabilmente come una delle forme di alta qualità.

Qual è il tuo pezzo di architettura preferito?

C'è una grande tentazione ora di ricordare qualcosa della già citata età dell'argento di San Pietroburgo, ma per motivi di chiarezza, chiamerò l'edificio costruito negli anni '30, mi ha davvero impressionato. Per l'esposizione internazionale del 1937, tra le altre cose, la Francia ha eretto due complessi espositivi di grandi dimensioni, vorrei citarne uno: il Palais de Tokyo. L'architettura del palazzo è vicina sia allo stile Mussolini che ai modelli sovietici, in primo luogo la Biblioteca Lenin. Tuttavia, l'austero aspetto monumentale dell'edificio è notevolmente ammorbidito, sia dalla pittoricità di una chiara composizione volumetrica, sia dalla sensuale plasticità della scultura che riempie gli spazi vicini alle facciate del palazzo. Penso che l'emozione del Palais de Tokyo, completamente privo dell'ufficialità dell'architettura "totalitaria", ma anche, come mi sembra, implicante un certo grado di intimità, è dovuta al fatto che il palazzo è stato comunque costruito in un paese di democrazia borghese.

Per me esiste un certo criterio di massima qualità architettonica: quando un edificio di grandi dimensioni è così perfetto, integro, armonioso che lo spazio urbano, che è influenzato dalla sua architettura, è percepito come un mondo di bellezza ultraterrena, che è notevolmente diverso anche dai bellissimi ensemble della città circostante. A San Pietroburgo, una tale sensazione è risvegliata dai colonnati della Cattedrale di Kazan, a Parigi - dal Palais de Tokyo. Nel mondo di quest'ultimo trionfano proporzioni e linea, spirito e volontà, amore ardente, impresso nella pietra.

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1/3 Palais de Tokyo all'Esposizione Mondiale di Parigi. 1937
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2/3 Palais de Tokyo all'Esposizione Universale di Parigi. 1937
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3/3 Palais de Tokyo a Parigi. Frammento. © Stepan Lipgart

A quali concorsi e mostre hai partecipato, con quali opere? Quali sono i premi?

Nel 2017, a Mosca, e poi a San Pietroburgo, ci sono state due mie mostre personali ("The Seventeenth Utopia" e "Search for a Hero"), per le quali sono molto grato ai loro curatori, rispettivamente, Alexandra Selivanova e Lyusa Malkis. Ma con particolare calore ricordo la nostra mostra dal titolo affascinante "Forward, to the 30s!" al Museo di Architettura, inaugurato nell'autunno del 2008. La sua preparazione ricordava in qualche modo un altro festival della città. C'erano pochissimi soldi, ma molti amici pronti ad aiutare, idee e la mia forza in quantità illimitate. Il curatore era il mio amico, il critico d'arte Masha Sedova.

E ora per due mesi e mezzo ci siamo stabiliti in una piccola comunità, siamo stati impegnati nella costruzione di modelli, installazioni espositive, produzione di poster e altro materiale espositivo. Il risultato, a quanto pare, è stato davvero brillante, in ogni caso l'ospite speciale della mostra, Grigory Revzin, ha poi richiamato l'attenzione sui Children of Iofan.

Per quanto riguarda i concorsi, a quanto pare, per la specificità del tema del nostro lavoro, qui non ci siamo riusciti troppo, tuttavia non ci siamo sforzati di riuscirci, ci sono un paio di premi ARCHIWOOD, ma credo che questo possa essere attribuito ad un'eccezione alla regola.

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1/6 Installazione "Pillars of OSVOD", vincitore del premio ARCHIWOOD-2012 Gruppo di architettura "Children of Iofan"
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2/6 Installazione "Pillars of OSVOD", vincitore del premio ARCHIWOOD-2012 Gruppo di architettura "Children of Iofan"
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3/6 Installazione "Pillars of OSVOD", vincitore del premio ARCHIWOOD-2012 Gruppo di architettura "Children of Iofan"
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4/6 Installazione "Pillars of OSVOD", vincitore del premio ARCHIWOOD-2012 Gruppo di architettura "Children of Iofan"
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5/6 Installazione "Pillars of OSVOD", vincitore del premio ARCHIWOOD-2012 Gruppo di architettura "Children of Iofan"
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6/6 Installazione "Pillars of OSVOD", vincitore del premio ARCHIWOOD-2012 Gruppo di architettura "Children of Iofan"

Quali sono le tue impressioni lavorando nello studio di Mikhail Filippov?

A mio avviso, Mikhail Anatolyevich è un artista brillante e la sua visione dell'architettura presuppone una qualità della realtà oggi irraggiungibile: sociale, culturale, tecnologica. Affinché l'architettura di Filippov in pieno suono diventi parte del mondo materiale, c'è troppo da cambiare nel mondo, per ricordare molto. Questa idea mi spaventa e mi delude, ma sembra che una persona, anche infinitamente dotata, non possa farcela. Ho lavorato nell'officina Mikhail Filippov per un anno in totale, sono contento di conoscere il maestro, gli sono grato per il suo lavoro.

Pratica

All'età di 30 anni ha iniziato a progettare grandi complessi residenziali a San Pietroburgo. Casa "rinascimentale" in strada. Dybenko è già stato parzialmente costruito, "Petite France" sulla 20a linea dell'isola Vasilievsky è in costruzione. Poche persone riescono a ottenere tali ordini a questa età. Qual è il segreto?

Un paio di mesi fa abbiamo parlato con Aleksey Komov, e lui, in particolare, ha definito questa situazione come segue: “Ecco la tua posizione di maestro, revivalista. C'è il tuo mondo, in cui dimori senza fare la differenza tra carta e progetti reali, e clienti di primo livello, la presenza di questo mondo, la fermezza delle convinzioni artistiche, senti e vuoi aderire. E poiché questo è un mondo di grandi dimensioni, i progetti si rivelano grandi: edifici residenziali e fabbriche, e non case private e non interni.

Suona molto forte, elogiativo, d'altra parte, è strano cancellare alcuni eventi della vita in un cieco caso. Ricordo che all'età di trent'anni, quando selezionavo il materiale per Arch-Moscow, ho rivisto le mie numerose immagini: carta, progetti di concorso, fotografie di installazioni, e c'era la sensazione che si fossero accumulate abbastanza immagini e idee in modo che in qualche modo sfondassero., è uscito nel mondo reale. Così è successo presto. Naturalmente, le conoscenze precedenti hanno avuto un ruolo: Grigory Revzin mi ha portato insieme a Kusnirovich, Maxim Atayants, che è un esempio per me professionalmente e moralmente, ha facilitato un incontro con uno sviluppatore di San Pietroburgo.

Ci parli del dispositivo e dei metodi del workshop Liphart Architects?

Vedo il mio compito principale nel lavorare con un'immagine architettonica, rispettivamente, tutto è costruito in modo tale da risolverlo con la massima efficienza, ma con un minimo di squadra. Il laboratorio è molto piccolo, fino a cinque persone, è impegnato quasi esclusivamente nella progettazione di schizzi. Preferisco disegnare l'esterno dell'edificio con la mia mano, dalla prima linea di matita all'ultimo centimetro del modello computerizzato finale della facciata. Delego il resto del lavoro ai miei colleghi. Il progetto e la documentazione di lavoro sono sviluppati da designer esterni, partecipiamo al processo come parte della supervisione del designer.

La prima casa a San Pietroburgo,

Complesso residenziale "Rinascimentale", ho dipinto secondo gli schemi dati. Naturalmente, i designer li hanno cambiati e adattati nel processo, anche le mie decisioni sono state trasformate, ma alla fine, va notato che l'implementazione è molto vicina all'idea originale. Anche l'installazione del cliente ha interessato: modificare l'architettura in ultimo luogo, costruire così come viene disegnata.

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1/6 Vista da sud-est sulla rotonda. Complesso residenziale "Renaissance" © Liphart Architects
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2/6 Complesso residenziale rinascimentale Visualizzazione © Liphart Architects
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3/6 Complesso residenziale "Rinascimento" Foto © AAG
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4/6 Progetto del complesso residenziale "Renaissance" in via Dybenko, San Pietroburgo, dal 2015Computer grafica In costruzione Cliente: investimento e holding di costruzione AAG © Stepan Lipgart
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5/6 Vista da sud-est, illuminazione serale. Complesso residenziale "Rinascimento" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Per gentile concessione di Liphart Architects
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6/6 Vista facciata nord, illuminazione serale. Complesso residenziale "Rinascimento" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Per gentile concessione di Liphart Architects

Nel caso della cosiddetta "Piccola Francia" - la nostra prima casa nel centro storico della città - avevo più libertà di manovra: erano fissati il volume e il numero dei piani, una serie di idee generali con i formati degli appartamenti, tutto altrimenti è stato deciso sulla base dell'aspetto esteriore che avevo inventato. Il design di questo oggetto ha coinciso con il mio trasferimento a San Pietroburgo, quindi è stato disegnato con grande emozione, con una sorta di fervore neofita, le opere di Lidval e Klenze, che ho scoperto davvero per me stesso allora, hanno avuto una grande influenza sul suo architettura.

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1/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects
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2/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects
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3/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects
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4/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects
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5/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects
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6/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects
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7/7 RC "Little France". 20 ° linea dell'isola Vasilievsky. San Pietroburgo © Liphart Architects

Un certo numero di progetti di San Pietroburgo a cui stiamo attualmente lavorando in una fase o nell'altra: edifici residenziali su Magnitogorskaya Street, Malokhtinsky Prospect, sull'argine del fiume Black, vengono progettati in modo simile. La casa sulla 12a linea dell'isola Vasilievsky è molto complessa nella configurazione, densa, è stata disegnata per sei mesi. Forse, il maggior impegno è stato investito in questo oggetto, spero davvero nella sua attuazione.

La mentalità "fai come disegnato" per i designer è nata perché i clienti erano tuoi alleati. I clienti ne sentono la bellezza?

Mi sembra che la capacità di vedere il bello sia un dono dato a tutti dalla nascita; è un'altra questione che circostanze di vita, ambiente, pregiudizi possono togliere questo dono a una persona, o, comunque, procurargli gravi danni. A volte sembra che nella Russia odierna, che ha sofferto nel secolo scorso, la maggioranza abbia dimenticato come non solo aumentare la bellezza, ma anche distinguerla dal brutto. Più meraviglioso è l'incontro con l'ambizione di creare l'estetica. A mio parere, sia Alexander Zavyalov, il proprietario della società di sviluppo di San Pietroburgo, sia Mikhail Kusnirovich hanno una tale ambizione.

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1/7 Vista sud-ovest degli edifici amministrativi e produttivi. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart
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2/7 Vista dell'edificio amministrativo da sud-est. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart
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3/7 Scala anteriore, frammento. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart
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4/7 Frammento della facciata occidentale dell'edificio amministrativo. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart
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5/7 Hall del 1 ° piano con il Winter Garden_fragment. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart
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6/7 Vista generale della sosta da sud. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart
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7/7 La facciata sud dell'edificio Amministrativo e dei servizi, frammento. Fabbrica di abbigliamento "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornito da Stepan Lipgart

Inoltre, ovviamente, le preferenze di gusto del cliente iniziano a giocare un ruolo, cambiando, devo dire, nel tempo dalla completa coincidenza con la mia al completo malinteso. Nei primi progetti con Zavyalov, ad esempio, l'ordine, l'architettura classica era accettata con il botto, e si parlava la stessa lingua, ma ora sempre più il compito viene posto secondo il principio familiare dagli anni dell'istituto: "Fammi piacere in questa foto." Qui sorge involontariamente la domanda: fino a che punto sono pronto per un compromesso. In generale, c'è una certa delusione nella professione dopo i primi anni di lavoro pratico. Finora, ciò che è veramente importante e prezioso è stato acquisito nei progetti cartacei, non nell'implementazione.

Progetti cartacei

Più di due anni fa, in un commento ad archi.ru, ho detto che l'argomento principale che mi interessa sono le contraddizioni irrisolte inerenti alla cultura e alla storia russa, che si sono manifestate in modo particolarmente forte negli anni '30. La collisione della macchina con il tradizionale e artificiale. La linea dell'eroica architettura di Pietroburgo, incarnata sia nell'art déco di Levinson e Trotsky, sia nel cupo arcaico di Belogrud e Bubyr, e ancora prima nell'arco dello Stato Maggiore e nel monumento a Pietro. Una linea di impulso appesantito, superante, legato alla natura della città, più volte sottoposta a violenta europeizzazione.

Nei tuoi lavori ordine architettura e tecnologia non si negano a vicenda, anzi si arricchiscono a vicenda: art déco e reattore, art déco e razzo … Quale progetto di carta ti è più caro e perché?

La serie "At the Reactor" è una dedica personale, incarna l'immagine di un reattore atomico come una forza che riscalda questo mondo, ma minaccia anche di distruggerlo. Questa energia ha una somiglianza con la passione umana. La stazione è come un tempio e qui è presente anche il tema della divinizzazione dell'auto.

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4/5 Progetto di miglioramento e ricostruzione del territorio del parco Neskuchny Sad. Fase 2011-2012 Computer grafica Non implementato Cliente: gruppo di società Bosco © Stepan Lipgart
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5/5 Progetto di miglioramento e ricostruzione del territorio del parco del giardino Neskuchny. Serra 2011-2012 Computer grafica Non implementato Cliente: gruppo di società Bosco © Stepan Lipgart

Ricordo bene come nacque la trama dell'opera che chiamo "Arco di Trionfo". Il giorno prima ho avuto una conversazione stimolante, in cui l'interlocutore ha richiesto un'immagine-manifesto, la mia idea di futuro. A quanto pare ha trovato le parole giuste, il quadro è nato in un minuto: un audace razzo, pronto a staccarsi nell'empirismo, incorniciato da una gigantesca forma architettonica. La conquista dello spazio, resa possibile da una svolta tecnologica, e linee dinamiche che risuonano all'unisono con questo movimento, che portano il timbro di un significativo Art Deco.

Alla mostra di Mosca c'erano progetti di ville Art Déco piuttosto estetiche. Una villa è l'immagine di una persona privata. Che tipo di persona è questa, con quali proprietà?

È interessante che ogni progetto sia un'offerta per un cliente specifico, ma nessuno di loro ha deciso di costruire la propria casa in tali forme. Mi sembra che Maxim Atayants abbia fornito una descrizione abbastanza accurata, sottolineando che non si tratta di case private, ma di padiglioni espositivi per esporre il cliente e la sua quotidianità. Sì, forse, l'enfatizzata rappresentatività, monumentalità, solennità dell'architettura non implica privacy, comfort, sereno scorrere dei giorni. L'immagine di questa casa sfida il suo abitante, a lui deve corrispondere, prima di tutto in termini estetici, ma non solo. Qui ci avviciniamo al tema della personalità eccezionale, l'Eroe.

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2/4 Progetto della villa "Acropolis Litorinum" 2015 Computer grafica Regione di Leningrado, distretto di Vyborgsky Non implementato Cliente privato © Stepan Lipgart
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3/4 Progetto "Villa ITR", 2011 Computer grafica Regione di Mosca, distretto di Cechovsky Non implementato Cliente privato © Stepan Lipgart
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4/4 Progetto villa "Pavillon Lecayet", 2015Computer grafica regione di Mosca. Non implementato Cliente privato © Stepan Lipgart

Metafisica

Qual è la differenza tra il tuo concetto di eroe e un eroe romantico del XIX secolo, che combatte contro il destino e si oppone alla folla; dal superuomo e demiurgo dell'avanguardia; da un libertario del ventesimo secolo?

Ricordo di aver letto a Khan-Magomedov che Ivan Leonidov, creando la sua "Città del sole", conosceva a malapena il testo di Tommaso Campanella. Il suo costruttivismo utopico ha dato un'immagine di un futuro luminoso e la trama della Città del Sole era in sintonia con i suoi sentimenti. Vale la pena determinare subito che anche il mio “concetto di Eroe” non ha sufficiente profondità filosofica, dietro di esso non ci sono lunghi testi, ricerche, tentativi di testare empiricamente le mie stesse ipotesi. La cosa principale qui è la tua intuizione, l'esperienza di certi sentimenti, l'esaltazione. E il modo più efficace per la famigerata ricerca dell'Eroe è osservare la manifestazione artistica della bellezza umana. L'esempio più evidente è un ritratto del Rinascimento, che esalta e deifica la natura umana. Ma ancora più vicine all'ideale sono quelle tele in cui la luce celeste entra in conflitto con il lato oscuro della natura umana. È stata una fresca, forte impressione per me vedere dal vivo le opere del Parmigianino e del Bronzino, non c'è in esse una leggera pace di armonia rinascimentale, anzi, il freddo pungente di lineamenti impeccabili, il fragile equilibrio di apollineo e dionisiaco, sottinteso risposta, audacia, opera dell'anima.

Nella Divine Symphony di Scriabin, l'eroe-demiurgo crea un mondo dal nulla. Il concetto di lotta contro Dio dà origine a musica molto bella, ma eticamente è al limite. Il tuo eroe, chi è?

L'eroe è il passaggio intermedio tra una persona con le sue debolezze e vizi e il principio supremo. L'eroe non è uno che è miracolosamente dotato di abilità divine, ma che si sforza con la forza del suo spirito, della sua stessa anima, verso il più alto, ideale, sia moralmente che nel senso della bellezza fisica.

Ma un artista è un eroe nel momento in cui crea qualcosa. La manifestazione della bellezza in un'opera è sempre un miracolo e un'audacia. Tornando agli anni '30, sia i creatori che le loro immagini sono eroici lì. Gli architetti hanno costruito e i compositori hanno scritto, rischiando la vita. Nel 1938, Shostakovich sedeva ogni notte sulla tromba delle scale di casa sua con una valigia, in attesa di essere arrestato perché il suo amico, il maresciallo Tukhachevsky, era stato ucciso. Shostakovich è stato perseguitato dalla stampa dall'inizio degli anni '30. Tuttavia, nel 1937 scrisse la quinta sinfonia, in cui, secondo Pasternak, "disse tutto e non gli accadde nulla". L'eroe in questa musica muore nella lotta contro una macchina totalitaria infernale

Negli anni Trenta, fu fatto un ultimo tentativo per sopportare l'eroico, il demiurgico al massimo grado: il Terzo Reich. Un tentativo di cambiare, di distorcere la moralità umana universale, di creare una nuova persona, una nuova società, una nuova città. Il culto di un eroe che ha catturato decine di milioni. Il risultato è mostruoso e da un punto di vista etico, umanistico non è soggetto ad alcuna giustificazione. Va ricordato che la linea è davvero sottile qui.

Sì. Perché i mezzi sono mostruosi e i mezzi sono la cosa più importante. Sì, c'era un obiettivo mostruoso

Sono possibili altri mezzi? Prendi il cavalierato: è associato alla violenza e all'omicidio e, allo stesso tempo, di bell'aspetto, tutti ricordano le maestose mura dei castelli medievali e il culto di una bella signora.

Non sono d'accordo sul fatto che il concetto eroico sia associato alla violenza, forse con il confronto con la violenza e il superamento di se stessi. Se riconciliamo la vita con una dimensione verticale, stiamo parlando di un eroe che si sacrifica per altre persone

A proposito, il sacrificio è stato promosso anche nella società nazista. Di conseguenza, nella Germania moderna esiste già un'opinione secondo cui la ricerca della bellezza di valore personale può essere equiparata al nazismo.

Questo è un errore. L'artista crea una forma, è un gesto prepotente, in un certo senso totalitario, ma l'arte è un'area in cui la gerarchia è vantaggiosa. Il postmodernismo ha cercato di decostruire questo gesto e il risultato artistico non è molto convincente. L'età dell'argento si stava equilibrando sull'orlo dell'arte e della costruzione della vita. Ha creato la bellezza, ma è rimasto nel campo artistico e non è andato oltre (più precisamente, poeti e artisti hanno sperimentato ogni sorta di culti osceni, come sappiamo dalle memorie di Alexander Benois, ma questo era il loro affare privato). Lenin non è l'età dell'argento

Ma gli artisti stavano raccogliendo quelle nuvole alla vigilia del dramma del 1917, chiamandole e desiderandole. Cosa sono tuoni e fulmini? Questo è qualcosa di incontrollabile. Scriabin, naturalmente, aveva un'idea diversa dell'aspetto di un uomo nuovo, è chiaro che non era un commissario con un Mauser e non un brutale aereo d'attacco. Il blocco di Leningrado come realizzazione dei sogni più terribili della Silver Age risiede nel sentimento di sovrumanità e sacrificio, in queste fredde sensazioni crepuscolari incarnate nelle case di Belogrudov. Avevano già una premonizione di una tragedia imminente, una premonizione dell'arcaico, che appariva nell'immagine di Stalin dalle profondità più oscure. Affilando il tema, vedo l'immagine dell'eroe nelle opere degli scultori Josef Torak e Arno Brecker. L'audacia lì tende decisamente verso la natura oscura, ma è impressionante.

Così come l'audacia di molti artisti libertari del XX secolo. Wright, Sullivan, Scriabin erano nietzscheani. Ma hanno capito Nietzsche in modo volgare. Nietzsche, quando pronunciò la sua frase sulla morte di Dio, significava che una persona ha cessato di rivolgersi al Cielo, ha cessato di essere capace di ringraziamento, di conformare le sue azioni a Dio. Le persone hanno diretto l'energia libera risultante per raggiungere i propri obiettivi e hanno ottenuto molto. Ma la natura umana decaduta si è manifestata in tutta la sua gloria

La natura umana caduta si manifesta oggi in piena crescita. È un peccato che questi display non abbiano alcun valore artistico.

Sì. Ma la gente ha capito alcune cose. Il mondo ha sconfitto il fascismo e l'equilibrio è ancora mantenuto, anche se con difficoltà. Albert Schweitzer ha detto che avendo inventato la bomba atomica, cioè diventando superpotente, l'uomo non è diventato superintelligente. Forse l'eroe è una persona super intelligente. Non nel senso di cautela, ovviamente, ma, al contrario, nel senso di incoscienza, capacità di misericordia, sacrificio. Il santo è un vero eroe e superuomo. Abbiamo valori che non vogliamo perdere. Se parliamo di architettura, una città storica europea è un valore e l'architettura degli anni Trenta ne è una parte organica

Sì, ma c'era anche una nuova qualità in lei. Tornando alla mia impressione parigina, quella visita è stata brevissima, concentrata: in otto ore ho camminato dal Pantheon al Trocadero, essendo riuscito a visitare il Louvre. La grande città stupisce per le sue dimensioni, la ricchezza delle facciate in pietra naturale, l'ampiezza dei viali, la magnificenza degli enormi palazzi, eppure, uscendo dagli edifici della mostra di Parigi, non ho potuto fare a meno di sentire un'altra dimensione, un altro grado di significato, un'immagine del futuro, che non è mai venuto, perché la natura distruttiva dell'uomo prevaleva allora su quella creativa.