Nel corso della storia millenaria del lavoro museale nella penisola appenninica, non solo si sono accumulati volumi colossali di materiale, ma si è formata anche una cultura specifica della sua presentazione. Inoltre, il valore artistico immediato della mostra diventa un concetto ambiguo, a volte più importante è l'idea che lo accomuna e la conseguente complessità dell'esposizione. Ad esempio la mostra tenuta sei mesi fa dal grande artista veneziano del Rinascimento Giovanni Bellini, primo fra tutti, colpito con le porte d'altare appena combinate, solitamente conservate in diversi musei a migliaia di chilometri l'una dall'altra, o con tavole provenienti da collezioni private portato dall'entroterra americano. La mostra "Giotto e Trecento" ha riunito un numero colossale di maestri italiani da Milano a Napoli e loro contemporanei francesi di varie qualità, che in un modo o nell'altro hanno influenzato o influenzato l'innovatore toscano.
La mostra di Siena ha riunito sotto un titolo comune, preso in prestito dal romanticismo, non solo mostre di diversi paesi, opere di epoche diverse, materiale di proprietà diverse - ma anche artisti di vari gradi di sanità mentale, alcuni dei quali sono generalmente legati indirettamente all'arte. Qui, ovviamente, il servizio è più importante e, in misura maggiore, quello che serve: il curatore Vittorio Sgarbi. Un politico e storico dell'arte, noto per l'uso di metodi politici nella critica d'arte - la sostituzione di concetti e provocazioni. Partecipante attivo alle proteste studentesche nel 1968, candidato sindaco di Pesaro dal Partito Comunista nel 1990, fondatore del movimento liberale Sgarbi nel 1999, poi alleato di Silvio Berlusconi, grazie al quale diventa segretario del Ministero dei Beni Culturali nel 2001. Parallelamente, scrive libri su maestri e opere di tutte le epoche e produce video sulla storia dell'arte. Una combinazione specifica italiana.
Dopo tutto, un museo qui non è solo uno spazio espositivo e una mostra non è solo un evento culturale. Questa è un'espressione dello spirito dei tempi: dalla passione per il collezionismo tra le famiglie aristocratiche e la dipendenza direttamente proporzionale della ricchezza delle collezioni dall'influenza del proprietario - al futurismo, che suggeriva la distruzione dei musei, e allo stesso tempo tempo ricostruì la società (i futuristi sono quasi l'unico partito artistico e politico della storia: Marinetti era amico di Mussolini ed era orgoglioso che alcune delle idee politiche del fascismo fossero state da lui avanzate). Un evento museale è sempre uno spettacolo, con teatralità insita in tutta la vita italiana: scioccante, scienza, politica, intrighi sono strettamente intrecciati in esso. È sia superficiale che profondo, parla del momentaneo e dell'eterno, divertente e ti fa piangere. E richiede sempre la scenografia, l'architettura.
La mostra "Art, Genius, Madness" ha presentato in 10 sale tematiche il lato confuso e controverso della creazione artistica. La mostra è concettuale (è ancora impossibile definirla tematica, poiché l'argomento è interpretato in modo molto ampio e non sempre letteralmente), il materiale è specifico ed eterogeneo (dalle opere di Van Gogh alle opere dei pazienti del senese mentale ospedale), gli specialisti coinvolti provengono da ambiti professionali molto diversi (artisti, storici dell'arte, psichiatri). Le sale di Palazzo Squarchalupi si sono rivelate piene di tavole di composizioni d'altare del XV secolo nello stile di Bosch, piccole composizioni di genere raffiguranti il trattamento della follia nel XVII secolo, tele e fogli grafici di Van Gogh, Munch, Kirchner, Otto Dix e Max Ernst, opere di artisti contemporanei sotto la supervisione di medici un profilo corrispondente all'idea della mostra, così come gli abiti dei pazienti e le attrezzature mediche degli ospedali psichiatrici dei secoli passati. In tali condizioni, il design gioca uno dei ruoli principali, se non il primo, ovvero chiarisce il concetto, acuisce gli accenti, unisce materiali di tempi e qualità differenti, apparsi sotto lo stesso tetto e nelle stesse pareti per volere dell '"autore" della mostra.
10 temi suggeriti dal curatore - 10 diverse interpretazioni e approcci all'interpretazione del fenomeno della follia - sono distribuiti nelle rispettive sale. Una visione multiforme richiedeva un materiale diverso, a volte difficile da concordare. L'organizzazione dell'esposizione salva il problema dalla volgarizzazione, in cui oggetti eterogenei sono opportunamente sistematizzati e decorati, e gli spazi espositivi sono stati interpretati secondo i temi che avrebbero dovuto essere presentati in essi.
Lo spettatore viene progressivamente "introdotto nel soggetto": dietro la sala con la scultura italiana del Novecento, che funge da sorta di preambolo, segue la parte storica della mostra, collocata in un lungo corridoio e costituita da opere d'arte dall'inizio del XVI al XVIII secolo, che rappresenta immagini di pazzi in questa epoca e nella storia, studiando l'argomento, nonché - da modelli anatomici del cervello e camicie di forza vintage. Questi ultimi, inseriti in un contesto “artistico” ed elegantemente integrati nell'esposizione, senza perdere il loro carattere “conoscitivo”, guardano allo stesso tempo come una sorta di oggetto d'arte.
Inoltre, uno studio retrospettivo del fenomeno, accompagnato dal lavoro di pazienti di ospedali di questo profilo, raffigurante la loro quotidianità ospedaliera (Cesare Lombroso, Parigi Morgiani), è collegato all '"esposizione principale" suddivisa in piani da una scala, al ai piedi del quale si trova un pozzo adibito a stand espositivo per il rilievo del maestro senese marginale Filippo Dobrilla, nostro contemporaneo. La parte storica si conclude con una sala dei ritratti-personaggi dello scultore settecentesco Franz Messerschmidt, che negli ultimi anni della sua vita fu danneggiato dalla ragione, ma conservò l'ingegnosa capacità di riprodurre il corpo umano.
Quindi l'esposizione si articola in sale che rappresentano vari aspetti del rapporto tra arte e follia. Van Gogh, Kirchner, Strindberg e Munch sono uniti come artisti che hanno lavorato al tempo di Nietzsche (il cui atteggiamento nei confronti del tema è molto diretto), nonché costanti eroi della ricerca sul tema indicato nel titolo della mostra. Hall "General Madness: War through the Eyes of Artists" - da un lato, presenta un'altra versione della follia, dall'altro - un problema importante nella storia dell'arte del XX secolo. Ecco gli artisti per i quali la guerra è diventata il leit motiv della creatività, il tema che ha glorificato questi maestri: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Le stanze in cui sono ospitate le opere degli stessi pazzi contengono opere della collezione dello psichiatra Hans Prinzhorn di Heidelberg, del Museo Art Brut di Losanna, nonché i frutti della creatività dei pazienti dei manicomi italiani, sistematizzati secondo un principio monografico. Opere di Antonio Ligabue, una sorta di primitivi che ricordano Henri Rousseau, composizioni grafiche di Carlo Dzinelli, sorprendenti nella loro struttura compositiva e cromatica: questi sono alcuni esempi del cosiddetto. estranei all'arte, tempo fa sono diventati un oggetto da collezione. L'ultimo tema è la sala degli artisti che lavorano in uno stile al limite della follia, chiamata "La chiara follia del XX secolo": ci sono opere surrealiste e un'esposizione dell'azionismo viennese, che, in generale, ha assorbito gli elementi di tutto quanto sopra. Il padiglione 10 è una sorta di quintessenza di tutto ciò che si vede, non a livello di qualità artistica, ma a livello di idee. In ogni caso, il lavoro dei pazzi è più armonioso dei corpi insanguinati dei membri del gruppo viennese. E in questa fase, lo spettatore, dopo aver visto più di 400 mostre sul tema dei disturbi mentali, capisce che la mostra non dà una risposta a dove è il genio e dove è la follia, e non cerca di dare, ma in aggiunta solleva nuove domande sul criterio della "normalità" e su di esso della relatività in generale.
Un tentativo, forse, non di risolvere il problema, ma di riunire tutto in un unico sistema, assume su di sé il disegno dell'esposizione. Nell'architettura della mostra, la normalità "documentata" o il riconoscimento museale dell'artista si riflette nel carattere degli interni della sala. Le sale con Van Gogh, Otto Dix e gli Actionists hanno un'esposizione classica: i quadri sono appesi alle pareti e illuminati con la giusta luce del museo. Le sale con le opere dei "matti" si sono rivelate campo per l'attività di fantasia architettonica ed espositiva: le opere sono sospese su una lenza lungo una guida spezzata o incastonate in telai metallici e poste al centro della sala ad angoli diversi tra loro. È così che il loro carattere specifico viene preservato ed enfatizzato. L'originalità delle mostre è coerente con le specificità delle opere e funge da linea sottile che non solo separa tuttavia la grande arte dalla creatività degli emarginati, ma dà anche a questi ultimi una "mostra", in una certa misura "museo" personaggio.
Il lavoro degli architetti dello Studio Milani gioca un ruolo quasi da protagonista nella percezione del materiale espositivo. È difficile parlare qui di una "incarnazione diretta delle idee del curatore", poiché lo stile di questo ufficio è chiaramente visibile nell'architettura degli interni della mostra. Ma questo è nel senso pieno dell'architettura, coerente con il concetto del cliente, nelle sue forme corrispondenti alla funzione, raccontandone il contenuto, orientando il movimento del visitatore e, quindi, interpretando l'idea della struttura (cioè, lo spazio espositivo). Strutture leggere, materiali - metallo, plastica, vetro, forme laconiche si riferiscono allo stile delle mostre italiane degli anni '30, progettate da architetti - sostenitori della versione italiana del movimento moderno - razionalismo, con i loro design minimalisti e il talento eccezionale per trasmettere il concetto di mostra con piccoli mezzi. Tuttavia, qui il modulo rettangolare che prevaleva negli anni '30 è sostituito da un triangolo (forma dinamica), la luce viola (il colore della follia) si aggiunge ai colori neutri delle vetrine e alcune parti degli stand sono superfici riflettenti. Il risultato è uno spazio dinamico con una traiettoria di movimento spezzata, che si moltiplica nei riflessi di se stesso, rispondendo non solo al tema della mostra, ma, inoltre, allo spirito della modernità in generale.
Sottile come la linea tra genio e folle, tra folle e artista, tra il prodotto di una coscienza malata e l'arte, può rivelarsi molto condizionale tra il visitatore della mostra e gli autori delle opere presentate ad essa, tra il mondo reale e il mondo delle idee inventate e delle immagini fantastiche. Le grate metalliche utilizzate nella progettazione, da un lato, recano l'estetica dell'architettura moderna di strutture leggere, dall'altro assomigliano alle grate degli ospedali psichiatrici. Le traiettorie spezzate dei percorsi dell'esposizione non sono solo le linee degli spazi del decostruttivismo, ma anche una metafora della psiche spezzata. Luce neutra combinata con illuminazione viola: non solo illuminazione di interni minimalisti, ma anche corridoi ospedalieri. Il progetto, che ha unito opere di diverso contenuto e natura, quasi a confrontare i loro autori con lo spettatore: nei piani delle vetrine, tra i reperti, il visitatore vede periodicamente la sua riflessione. Inoltre, il percorso attraverso i quattro piani della mostra, trasformato in un labirinto dagli sforzi degli architetti, è abbastanza lungo non solo per abituarsi allo spazio museale, ma anche per avvicinarsi agli “eroi” della mostra nel nostro stato emozionale.
Questo è il coinvolgimento dello spettatore nel folle mondo dell'arte e nel fantastico mondo dei folli - un'idea filosofica di curatori d'arte, o un esperimento di psichiatri, o una traccia Zeitgeist. Una vera architettura delle idee implementata non le crea, le incarna, appare al momento giusto al posto giusto. E il punto non è solo che in Italia, dal 1978, gli ospedali psichiatrici statali sono stati chiusi, cioè la pazzia è considerata un "tipo diverso", ma non una malattia, e non che un piccolo, raffinato, estremamente conservatore nelle sue fondamenta Siena ha aperto le sue porte per una mostra, dove una parte significativa delle mostre difficilmente può essere definita opere d'arte nel senso comune del termine. Questa mostra ti fa guardare non solo al mondo dell'arte e vedere in esso una parte di follia, ma anche al mondo dei pazzi - e vedere gli elementi della vita quotidiana in esso, e quindi sentire la sottigliezza della linea che separa questi mondi. È anche motivo di distacco, distacco, che serve l'arte, che è parte integrante delle deviazioni mentali e che aiuta a vedere le cose sotto una nuova luce. E per questo il chiuso, posto su una collina, separato dal resto del mondo dalla pianura toscana di Siena, è il più adatto.
Quando si esamina l'ultima sala, lo stress emotivo cresce al limite e ti fa venire voglia di uscire all'aria aperta e la mostra porta il visitatore in una stanza luminosa e vetrata che si affaccia sulle mura medievali di Siena. Solo le lettere del nome della mostra attaccate al muro ricordano ciò che ha visto, il che provoca una leggera riflessione su ciò che manca nell'esposizione: pagine da "Diario di un pazzo" o "Incubo" di Fuesli … Ma il sole di Toscana e la pietra e il marmo del palazzo senese da esso illuminato, al contrario, suggeriscono la "lucidità del genio italiano" tanto apprezzata da Welflin.
Mostra Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista si svolge nel complesso museale di Santa Maria dela Scala, Palazzo Squarchalupi FINO AL 21 GIUGNO 2009.
A cura di Vittorio Sgarbi
Direzione accademica: Fondazione Antonio Mazzotta
Progetto architettonico: Studio d'Architettura Andrea Milani
L'esposizione riunisce più di 400 opere provenienti dai principali musei d'arte in Europa (Orsay, Centre for Georges Pompidou, Prado, Brera, ecc.), Collezioni tematiche (Museum Art Brut, Lausanne, Collection of psichiatra Prinzhorn, Heidelberg) e musei di la storia della medicina (Museo di storia della medicina Università di Roma "La Sapienza", Museo di Storia della Medicina intitolato a René Descartes, Parigi, ecc.).
Sale tematiche: Picture of Madness (dalle opere attribuite a Bosch ai giorni nostri), Genius and Madness in the time of Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), General Madness: War through the Eyes of Artists (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), The Art of the Mad: Dedication to Hans Prinzhorn (opere dalla collezione dello psichiatra Hans Prinzhorn a Heidelberg), Art Brut (opere dalla Collezione Art Brut di Jean Bubuffet, Losanna), Alcuni esempi italiani tra normalità e follia (opere di Carlo Zinelli, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Viaggio in Toscana (ville e castelli toscani in cui erano situati gli ospedali psichiatrici sono famosi per la loro pazienti di talento: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges, ecc. La pura follia dell'arte del XX secolo (dal lavoro surrealista all'azionismo viennese).
