Uno dei leitmotiv della XIII Biennale di Architettura di Venezia, che si protrarrà fino al 25 novembre di quest'anno, è la sintesi delle arti. Il curatore David Chipperfield ha suggerito di non percepire l'architettura isolata, fuori contesto. Ha suggerito di tenere conto del coinvolgimento dell'architettura nel processo reale della vita, in comunicazione con vari soggetti sociali, politici, economici, con altri tipi di arte.
Gli artisti e architetti di Mosca Alexander Ponomarev, Alexey Kozyr, Ilya Babak e Sergey Shestakov hanno interpretato il modo più sofisticato ed elegante di comunicare l'architettura con varie arti nell'esposizione del padiglione nazionale dell'Ucraina, da loro creato, situato nell'arsenale veneziano. La mostra intitolata "The Architecture of Mirages" è stata supportata dalla Joint Transportation Company, VIART-GROUP e dalla società Kirill.
Il tema dell '"architettura dei miraggi" presuppone l'immagine della terra di confine, che si bilancia dolcemente sul bordo: sogno e realtà, illusoria e reale. Questo tema offre un'ottima ragione per mostrare l'architettura in una modalità non architettonica - il fantasma e il riflesso di altri tipi di creatività: scultura, pittura, video arte. La condizione per la sintesi di tutte queste arti in mostra era l'arte del teatro.
La stessa esposizione con sottili schermi luminosi, schermi con immagini meditative, oggetti misteriosi immersi in fiasche con acqua, grafica virtuosa sopra mappe geografiche era associata a una sorta di azione misteriosa, il cui significato deve essere risolto a lungo e senza confusione.
Il motto dell'esposizione del padiglione possono essere le parole dello storico antico Filostrato il Giovane che l'arte è “la capacità di rendere visibile l'invisibile”. In altre parole, stiamo parlando del ruolo principale di ciò che viene chiamato immaginazione sia nella creazione di un'immagine che nella sua percezione. Solo lui può fornire una comprensione del mondo nella sua dimensione artistica.
Gli architetti e gli artisti del padiglione hanno proposto di realizzare due progetti da una serie di cosiddetti musei mobili: il Personal Art Museum e il Museum of Modern Art.
L'immagine dei musei è stata ispirata dal soggiorno di Alexander Ponomarev e Sergey Shestakov presso la stazione di ricerca ucraina "Vernadsky" in Antartide. Gli artisti hanno lavorato lì. La documentazione del lavoro di Sergey Shestakov è presentata in una sala terminale della mostra. È necessario entrarvi, togliendovi le scarpe. Ti viene offerto di sdraiarti sui cuscini, di guardare il soffitto al buio. Ma prima metti gli occhiali stereo. All'improvviso tutto cambia, sul soffitto iniziano ad apparire immagini luminose e ti ritrovi in movimento lungo un paesaggio di fantastica bellezza. Dalle bollicine scintillanti che ti schizzano in faccia, ti rendi conto che lo scatto è sott'acqua. E il bianco, come una sostanza viva e respirante, intorno alla quale ti pieghi, a cui tocchi nel tuo movimento, non è altro che blocchi di ghiaccio immersi nella colonna d'acqua, iceberg. Questo viaggio riguarda solo la realtà dell'irreale, la terra di confine in quanto tale.
Durante la spedizione in Antartide, sia Shestakov che Ponomarev furono affascinati dalla bellezza dei fenomeni naturali più romantici: miraggi che sorsero sull'orizzonte trasparente del mare. Ora tutti capiscono la natura di questo fenomeno, la dipendenza da processi fisici spiegabili razionalmente. Tuttavia, questa è l'unicità dei miraggi, che con la rigida determinazione fisica della "costruzione" dell'immagine (l'influenza dell'incontro di diversi strati dell'atmosfera, diverse temperature, rifrazione, rifrazione della luce, ecc.), La natura essa stessa ci offre uno spettacolo assolutamente metafisico, non causato da spiegazioni pragmatiche. Questa è veramente arte pura, intessuta in natura. Non per niente i migliori scrittori si sono ispirati alle immagini dei miraggi e le hanno introdotte nelle loro opere.
I miraggi stessi sono diventati il tema di bellissime trombe d'aria e grafica scherzo di Alexander Ponomarev. E l'architettura dei musei a loro dedicati è catturata in fragili mock-up che galleggiano nell'acqua, e sullo schermo di un film 3d ottimamente realizzato.
Il museo personale è costituito da tre cubi mobili galleggianti interconnessi, che si alzano alternativamente sopra l'acqua e passano sotto di essa. Le facciate di questi cubi sono realizzate in diverse consistenze H2O: rispettivamente acqua, vapore e ghiaccio. Le sale espositive si trovano all'interno dei cubi.
Il museo d'arte personale dovrebbe essere realizzato in uno stile minimalista e immerso nell'oceano per solcare le sue acque da dicembre a marzo. L'immagine stessa di questo museo galleggiante può essere interpretata in due modi. Il primo è collegato all'idea di motoslitte, amatissima dall'artista Ponomarev: strutture che galleggiano spontaneamente e si immergono nell'acqua, dando la felicità di osservare i cambiamenti improvvisi dell'ambiente naturale. L'artista ha implementato questa idea per molti anni. Puoi ricordare i suoi famosi sottomarini mentre spuntano in diverse parti del mondo, da Mosca a Parigi. Si può anche ricordare la mostra "Memory of Water", che si è tenuta al Museo della Scienza e della Tecnologia di Parigi nel 2002. Poi quaranta sottomobili che si immergono all'interno di colonne di vetro hanno creato una composizione architettonica che ricorda l'isola parigina di Cité. E la Manhattan di New York è affondata dalla sabbia nell'acqua e galleggiava in colonne di cristallo nel progetto Surface Tension (galleria Cueto Project, New York, 2008).
Nel caso dei tre cubi-sale del Museo Personale, lo spettatore ha la possibilità di vivere personalmente le metamorfosi che avvengono con la percezione dell'arte in diversi ambienti: nelle profondità dell'oceano, in superficie, tra le braccia di ghiaccio, vapore, acqua, cioè, ancora una volta, è difficile capire l'argomento “terra di confine”. Essendo nel costante movimento dell'ambiente naturale, lo spettatore concentra al massimo le proprie capacità creative dell'immaginazione. E l'arte esposta nelle sale del cubo lo colpisce con una potenza decuplicata.
Il secondo aspetto dell'interpretazione del Museo personale è legato al tema del miraggio stesso. Quando gli spettatori vedono il museo all'orizzonte, apparirà loro come un miraggio perfetto. E, ciò che è più interessante, è correlato al design d'avanguardia. A giudicare dalle fotografie documentarie presentate, riguardanti i miraggi osservati da Ponomarev e Shestakov, mi vengono in mente progetti nati nel laboratorio dell'avanguardia russa, nei laboratori dell'Istituto di cultura artistica (INHUK) dei primi anni '20. Fu allora che i giovani maestri (Rodchenko, Stenberg, Medunetsky, Ioganson) creano costruzioni spaziali come manifestazione di pura forma ingegneristica.
È importante ricordare qui che le costruzioni spaziali degli artisti dell'avanguardia russa (K. Medunetsky, fratelli V. e G. Stenberg) hanno funzionato come moduli ideali per "sondare" le forze della gravità naturale. Lastre sottili, lamelle, dischi creavano l'illusione di un trasformatore autocostruito. In un'eterna trasformazione e allo stesso tempo nella loro precisa ingegnerizzazione (l'oggetto non deve in nessun caso cadere a pezzi, né visivamente né fisicamente), hanno anticipato gli esperimenti dei grandi maestri del XX secolo, i "mobili" di Alexander Calder, per esempio. Allo stesso tempo, sia gli oggetti dinamici degli artisti d'avanguardia, percepiti in movimento, sia l'immagine dinamica del Museo personale testimoniano il loro coinvolgimento nell'immagine dell'illusione. Questa è un'architettura che prende le lezioni dell'immaginazione dalla natura stessa.
Il secondo oggetto di "Mirage Architecture" è il Museo di Arte Contemporanea in Antartide. La sua immagine è anche associata all'avanguardia russa, solo ai progetti più radicali e sperimentali. Ecco come l'artista Ponomarev ha raccontato del museo: “Il museo sembra una nave non semovente di 100 metri e un modulo residenziale. Sul ponte è montata una struttura architettonica: un albergo e sale espositive. Quando la nave arriva al sito, ridistribuendo la zavorra, si alza in piedi come un galleggiante. In cima ci sono gli hotel, sotto l'acqua - un museo. I piroscafi attraccano alla nave, la gente fa il check-in in un hotel, ammira gli iceberg galleggianti … Poi si siedono in una barca-macchina fotografica, scendono e si ritrovano nel Museo di Arte Moderna! Quando la navigazione finisce e il ghiaccio arriva nelle regioni polari, la nave viene trascinata a sud ".
Se cerchiamo parallelismi con tale architettura nel grande passato d'avanguardia, allora ci viene in mente l'immagine più fantastica: "The Flying City" di Georgy Krutikov. L'architetto lo difese come diploma nel 1928 alla scuola di Nikolai Ladovsky a VKHUTEMAS-VKHUTEIN. Il progetto di "architettura mobile" di Krutikov prevedeva la creazione di edifici con l'aiuto dell'energia atomica, sospesi verticalmente dal suolo, assemblati a somiglianza di enormi cilindri. La comunicazione tra loro e la terra, che, secondo l'architetto, è stata liberata per il lavoro e il riposo, sarebbe avvenuta anche con l'aiuto di "batyscaphes volanti" - cabine in grado di muoversi nell'aria, sulla terra, sull'acqua e sott'acqua. Inoltre, la cabina potrebbe anche essere una cellula vivente. A proposito, Georgy Krutikov è stato subito chiamato "Jules-Verne sovietico". Il Museo di Arte Contemporanea in Antartide avvicina il progetto di Krutikov non solo a potenti sfide tecniche, ma anche al fatto stesso di riconoscere il potere e l'audacia dell'immaginazione creativa. In linea di principio, sia il Museo in Antartide che la "Città volante" di Krutikov sono anche oggi una forma di comunicazione pura e disinteressata con la natura e il mondo. Puro miraggio!
Ma che dire dell'arte, che è letteralmente nell'acqua e che può essere vista solo dal batiscafo? Per la sua installazione viene utilizzato un sistema di complesse strutture modulari e telai delle capsule impermeabili all'acqua. Qualcuno troverà eccessivo guardare le opere attraverso la colonna d'acqua. Tuttavia, gli autori del progetto non hanno affatto paura di questo radicalismo visivo. È solo che all'interno di diversi ambienti naturali nasce una diversa percezione emotiva dell'oggetto d'arte, la sua comprensione creativa. Inoltre, ci sono artisti che, con il loro lavoro, hanno dimostrato la verosimiglianza e la natura organica di una tale visione. È opportuno ricordare, ad esempio, Bill Viola, nelle cui installazioni video l'elemento acqua gioca un ruolo semplicemente archetipico, essenziale a livello biblico. In molte delle sue opere, contempliamo il mondo proprio attraverso lo spessore del corso d'acqua. Quindi l'incontro tra l'artista e il suo pubblico nel nuovo museo dei carri è ancora possibile!
Presto si terrà l'incontro degli spettatori di Mosca con l'esposizione "L'architettura dei miraggi". Museo di Architettura intitolato a A. V. Shchuseva prevede di portare la mostra nella sua sala "Outbuilding-Ruin".
