Il programma parallelo della XIV Biennale di Architettura di Venezia prevedeva un'esposizione che sembra non avere nulla a che fare con l'arte dell'architettura. Questo si riferisce alla mostra "Dall'altra parte della porta rossa" del protagonista dell'arte non ufficiale dell'URSS Mikhail Roginsky. Le sue opere del 1978-2001, il periodo dell'emigrazione parigina, sono state portate dalla Fondazione Mikhail Roginsky e in artibus, guidate dalla mecenate Inna Bazhenova. L'esposizione è stata preparata in collaborazione con la vedova del maestro Liana Shelia-Roginskaya.
Perché un pittore è alla Biennale di Architettura? Non è così semplice. La curatrice della mostra Elena Rudenko ha spiegato che la strategia di Roginsky di scomporre il mondo in pre-elementi (porta, tavolo, mensola, sedia, vasca da bagno, bottiglia) è abbastanza coerente con l'idea di Fundamentals, che è stata formulata dal curatore del Biennale Rem Koolhaas e ha determinato la direzione della mostra principale del festival.
Come ricordiamo, la mostra principale nel padiglione centrale dei Giardini si chiama Elements of Architecture. Presenta un certo catalogo di moduli da cui è assemblato l'edificio: soffitto, finestra, pavimento, balcone, bagno, porta, ecc. La mostra è notevole come esempio di propedeutica architettonica, un libro di testo tridimensionale per l'insegnamento dell'alfabeto delle forme architettoniche. Gli articoli enciclopedici, che accompagnano la dimostrazione di campioni di tetti e servizi igienici, potrebbero diventare la base per gli abstract di alcuni giovani uomini e donne curiosi di college e università di architettura. Il problema è che nel comunicare con questa enciclopedia degli elementi, non c'è emozione personale e il discorso dell'autore dell'artista-creatore. L'esposizione di Roginsky risolve questo problema. Riguarda anche le protoforme del nostro essere e della nostra vita. Tuttavia, ognuno di loro viene catturato in un ritratto e viene caricato con l'energia vitale acquisita dall'artista stesso.
Chi entra all'Università Ka'Foscari, dove si trova la mostra di Roginsky, viene accolto dalla sua leggendaria "Porta" rossa. Questo è un oggetto del 1965. Non ritrovato, come si potrebbe pensare in un primo momento, ma creato apposta e con un "ritratto" assolutamente "ritratto", come il "Quadrato nero" di Malevich, plasticità e perfino espressioni facciali. Il lavoro con la superficie è magnifico, che viene preparato dall'artista in modo che gioielli (con un'attenzione particolare a tutte le sbavature, gocce di vernice e craquelures) che il prodotto grezzo acquisisca la qualità di un gioiello unico, qualcosa come un autoritratto criptato autore.
Così, già alle porte, il visitatore della mostra acquisisce una dimensione di umanità in comunicazione con il modernismo internazionale dei palazzi e degli appartamenti standard, indifferente a questo problema. Ulteriore movimento sostiene e sviluppa questo tema della "misurazione dell'umanità". È fantastico che l'architettura della mostra sia stata realizzata dal guru del modernismo russo, Evgeny Ass. Ha disposto l'opera su due piani. La disposizione stessa della suite principale dell'Università Ca'Foscari è semplice: un ampio corridoio che si affaccia sul Canal Grande. Parallela ad essa c'è una catena di piccole stanze medievali con soffitti in legno e talvolta camini. Ass ha deliberatamente reso difficile l'esperienza dello spazio. Ha tagliato tutte le suite con falsi muri di legno. Ogni stanza costruita nell'antichità era dipinta nel colore del dipinto di Roginsky (toni tenui di rosa, verde, blu scuro, bianco latte, ocra). Si è rivelato essere qualcosa come un labirinto. Lo spettatore vaga attraverso gli angoli e le fessure della coscienza di un residente di Krusciov sovietico e appartamenti comuni. La conversazione è condotta da cose che abitano le stanze di tali appartamenti.
Una domanda a Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, quale effetto volevi ottenere nel progetto espositivo?
Evgeny Ass:
- Effetto non è la parola giusta - Ho cercato di raggiungere una certa congenialità dello spazio espositivo della pittura di Roginsky. E non parlerei del labirinto, ma della difficile traiettoria del movimento all'interno dello spazio pittoresco. Le forme spezzate delle sale, le transizioni spaziali drammatiche (tutte le aperture sono rese diverse), le pendenze irregolari delle opere - per me tutto questo è l '"architettura della pittura" di Roginsky.
Ci sono molte cose nelle stanze e sono raccolte in sezioni. Il primo è "ABC della bidimensionalità". Opere 1978-1980. Scaffali con bottiglie e piatti. Dipinto deliberatamente brutalmente con acrilico a buon mercato su carta o cartone a buon mercato. Dotato di una specie di forza animale e primitiva. La pittura selvaggia è simile al fauvismo: l'apparente negligenza dell'origine del più aristocratico. La precisione e la profondità del colore e la bellezza delle relazioni tonali agiscono come una finestra di vetro colorato illuminata dal sole.
Nella sezione “Interni. Scenario. Figure in Space mostra le opere del 1981-1982. Questa è una ricostruzione visiva di Roginsky di quegli appartamenti che erano conosciuti dagli anni sovietici. L'artista viveva già a Parigi e dipingeva a memoria stanze con paralume, bagni e scale. Non voleva accontentare nessuno. Il suo credo era liberare l'arte dalla bellezza e dall'artificialità, per cancellare il più possibile la distanza tra pittura e vita. Dopotutto, hanno un'affinità vivente. Pertanto, i suoi interni sono volutamente poveri e fragili. Con bagni fumosi, termosifoni polverosi, tavoli ruvidi e scale a pioli sbilenche. I dipinti di due metri sono realizzati su carta con acrilici in una tecnica quasi monocromatica: grigio sfumato di rosa. Tuttavia, entrando in questi interni con i nostri occhi, non sentiamo inferiorità e disagio. Il lavoro sottile con lo spazio e le delicate sfumature della superficie nello stesso tono rendono il dipinto squisito e molto nobile. Non è altrimenti in questi interni comuni del modernismo sovietico frammenti di controversie intellettuali su Bachtin e Shklovsky (furono condotti proprio nello spazio delle cucine comuni).
Un'opera in mostra si riferisce accuratamente a un possibile simpatizzante di Roginsky nel senso di creare un arte volutamente brutto e maleducato, ma allo stesso tempo raffinato e bello nella sottigliezza incarnazione dell'arte. Questo lavoro è "Parrucchiere". Nella foschia dell'alba mattutina, un parrucchiere sovietico forbice abilmente i capelli di un cliente seduto davanti a uno specchio. Beh, ovviamente, la controparte di Roginsky in questo caso è Mikhail Fedorovich Larionov con i suoi barbieri, la goffa pantomima della vita delle città di provincia, la pittura deliberatamente priva di arte e, con tutto ciò, una straordinaria cultura del colore e dello spazio. Roginsky e Larionov sono uniti dalla comprensione dell'ambiente urbano ordinario e banale come fonte unica di idee e immagini artistiche.
Oggi, sia in Russia che nel mondo, c'è stato un processo di riabilitazione di quell'architettura impersonale a blocchi degli anni '60 e '80, che per il momento nell'intellighenzia era indecente amare, e odiare era Bonton. Oggi, la generazione più giovane è precisamente nella seconda ondata del modernismo del dopoguerra alla ricerca di esempi di uno stile anti-borghese sensibile ai problemi sociali. Molti padiglioni dell'attuale Biennale sono dedicati agli edifici modernisti dei paesi degli anni Sessanta-Ottanta.
Come ispiri lo spettatore a entrare in contatto con questa architettura indifferente? Come animarla? Roginsky aiuta a trovare la risposta. L'ultima sezione della mostra si chiama "The Returned Painting" (1991-2001). Mostra dipinti (tela, olio) con vedute degli angoli di Mosca, che l'artista che vive a Parigi ha scritto a memoria. Case rosa con file di finestre identiche, caserme blu, strade e ingressi grigi sembrerebbero deprimenti e senza gioia se non fosse per l'energia dell'amore e della compassione che emana da ogni tela. Al mondo che l'artista ha lasciato molto tempo fa, ma che è rimasto con lui per tutta la vita.
La mostra è aperta fino al 28 settembre.
