Hani Rashid è venuto a Mosca per tenere una conferenza "Moscow Experience" nell'ambito del programma estivo dell'Istituto Strelka per i media, l'architettura e il design.
Archi.ru:
A Mosca, tutti sono molto interessati al tuo futuro museo allo ZIL, una filiale dell'Hermitage. Non abbiamo ancora un unico edificio museale a più piani e tali edifici sono rari al mondo. Come pensate di distribuire gli showroom sui piani, uno sopra l'altro o in altro modo?
- Una delle idee chiave per risolvere il nostro progetto è stata che abbiamo proposto un nuovo atteggiamento su come guardare l'arte, come percepirla. Per l'arte contemporanea "tradizionale", l'edificio avrà gallerie "regolari", con pareti bianche, spazio chiaro e continuo e così via. Tuttavia, allo stesso tempo, ci saranno spazi meno familiari attraverso i quali il visitatore si muoverà e dove gli artisti saranno invitati a creare opere uniche e, possibilmente, condurre esperimenti. Inoltre, il museo ha progettato spazi adatti per esporre opere di grandi dimensioni, possibilmente fino a 30 m di altezza, ad esempio.
Se si pensa alla storia dell'architettura museale e al modo in cui le persone hanno visto l'arte nello spazio pubblico in termini di storia e tradizione, è importante analizzare i musei più vecchi in questo contesto. Nei secoli XVIII e XIX, il rapporto tra lo spettatore e l'opera d'arte era visto come qualcosa di sacro e per molti aspetti lo spazio della “galleria” come esiste oggi aderisce a tali dinamiche e atteggiamenti. Allo stesso tempo, questo tipo di esperienza visiva è stato spesso messo in discussione, l'esempio più significativo della metà del XX secolo: il famoso Frank Lloyd Wright Guggenheim Museum di New York. Prima di tutto, la rotonda di questo museo ha creato una nuova relazione tra lo spettatore e l'arte, dove l'arte poteva non solo essere vista da diverse angolazioni e diverse prospettive uniche, ma anche i visitatori del museo erano esposti e quindi completavano la percezione collettiva dell'arte. Inoltre, nel Turbine Workshop della Tate Modern di Londra, opere di grandi dimensioni appositamente commissionate per lui hanno creato "eventi" che hanno attratto i visitatori [nella loro orbita], trasformando così l'esperienza di vedere l'arte da passiva a attiva e persino interattiva. esperienza e presentazione.
Parlando specificamente di questo aspetto del nostro progetto museale, abbiamo voluto coniugare l'esperienza di "guardare" l'arte in stanze ben progettate (con un'illuminazione ben congegnata, ecc.) Con le azioni "casuali" dei visitatori che sono anche invitato a muoversi all'interno di vari volumi architettonici intermedi e, attraverso di essi, a guardare l'arte in un modo unico, da prospettive diverse che favoriscono letture completamente nuove e, spero, nuove comprensioni. Attraverso il programma progettuale e funzionale del museo, così concepito - come "disconnettersi" o forse anche "spezzarsi" - nascono una serie di stanze e vuoti che, presi uno ad uno, riducono o sminuiscono alcune "aspettative" su come un museo di arte contemporanea dovrebbe essere percepito. Ad esempio, l'idea di un atrio centrale come autoritario e chiaramente definito, che è stata stabilita dal Guggenheim di New York a metà del secolo scorso, e ulteriormente enfatizzata dal Guggenheim di Frank Gehry a Bilbao, per il cui progetto è fondamentale. Molti nuovi musei oggi utilizzano l'atrio come un percorso attraverso il quale si trovano le gallerie della scatola bianca. Questo è problematico per noi, infatti, come modo di vivere l'arte: è un cliché che deve essere rimesso in discussione.
In connessione con l'intero territorio di ZIL, c'è un problema: sarà un'area quasi completamente nuova, e tali edifici sono spesso privi di vita e artificiali. Hai molti progetti di nuovi territori per diverse città del mondo. Come si può prevenire questa artificiosità nel caso di nuovi sviluppi?
- Sono d'accordo che può essere difficile prevenire questa sindrome se l'economia e la politica sono i motori di tali progetti. Nel frattempo, nel caso di ZIL, sia l'autore del piano generale Yuri Grigoryan con il suo ufficio Megan, sia il nostro cliente Andrey Molchanov e il suo gruppo LSR sono molto interessati ad evitare un simile problema. Fin dall'inizio, ci hanno chiesto di essere empatici e attenti al territorio ZIL, inclusi i suoi edifici, la sua storia e il suo patrimonio, mentre contemporaneamente eravamo incaricati di progettare qualcosa di nuovo, "rinfrescante" e potente in questo contesto - come un elemento catalizzatore integrale sviluppo di questo territorio. Questo è il nostro obiettivo.
Il nostro edificio per l'Hermitage Modern Contemporary Museum sarà situato sul Boulevard of Arts, che è centrale nel piano generale di Yuri Grigoryan. La vita allo ZIL sarà organizzata intorno alla cultura, compresa l'arte contemporanea e contemporanea. L '[esistenza del] museo indica che lo sviluppo di quest'area è effettivamente visto come un progetto culturale significativo. Penso che questa sia in realtà l'idea principale di Andrei Molchanov: raggiungere questo obiettivo in tutto il territorio di ZIL. Il nuovo museo, insieme ad altri beni culturali previsti per quest'area, è progettato per evitare la possibile mancanza di vita e sterilità che caratterizzano alcune delle nuove aree.
Avrai un altro edificio su ZIL, un grattacielo residenziale di 150 metri?
- La Torre ZIL è un pezzo di architettura moderna molto elegante, a differenza di qualsiasi altro edificio al mondo. Penso che sarà un'aggiunta unica al panorama di Mosca.
In entrambi i nostri progetti per il territorio ZIL, abbiamo studiato la sua storia in relazione alla modernità russa e alla storia dell'arte di questo periodo. Io stesso ammiro i costruttivisti, specialmente l'artista costruttivista Gustav Klutsis. Klutsis ha creato "altoparlanti radio" molto interessanti e altri lavori all'inizio del XX secolo. Il nostro progetto per la torre allo ZIL è stato influenzato da queste strutture dinamiche e potenti, così come da dipinti e altre opere di Vladimir Tatlin, El Lissitzky e molti altri maestri di questo importante periodo della storia dell'arte e dell'architettura in Russia.
Sia la torre che il museo sono stati creati anche sotto l'influenza della stessa ZIL, delle sue antiche botteghe, della straordinaria storia e del patrimonio. Ho visto molte volte l'incredibile film di Dziga Vertov "The Man with a Movie Camera" per comprendere meglio i sentimenti e le emozioni, nonché le dinamiche e l'estetica che possono essere tratte dalla vecchia energia del processo di assemblaggio dell'auto e dalla magnificenza di queste fabbriche, in particolare ZIL.
Il nostro progetto museale è stato ispirato anche dal costruttivismo russo, in particolare dai prouns di El Lissitzky. Tuttavia, in entrambi i casi - la torre e il museo - le citazioni dirette e le somiglianze estetiche pronunciate non sono ovvie e non sono intenzionali. Non si tratta di progetti postmoderni e non intendiamo far sembrare queste opere edifici dell'era costruttivista, edifici del passato in generale. Piuttosto, cerchiamo di risvegliare lo spirito - la base di tante idee radicali che i costruttivisti hanno espresso nel loro approccio formale potente e rivoluzionario alla spazialità veramente dinamica.
Il design del museo si ispira anche a fonti un po 'più inaspettate, tra cui la pittura di paesaggio russa del XIX secolo. I paesaggi belli e allo stesso tempo "persistenti" di questo periodo hanno un forte splendore interiore e l'effetto dell'atmosfera. Vorrei che anche questo edificio evocasse queste sensazioni, in combinazione con volumi interni ispirati e spaziosità.
Un altro aspetto importante da considerare quando si discute del museo e della torre è il concetto molto urbano del Boulevard of Arts, dove l'attenzione principale sarà sulle istituzioni culturali, tra cui un centro per le arti dello spettacolo, un teatro delle marionette, un grande "parco d'arte" e altri progetti. L'intero piano per ZIL è il risultato della visione di Andrey Molchanov, che comprende veramente che la costruzione di alloggi richiede una riflessione più profonda su altri aspetti della dimensione umana.
Molchanov ha viaggiato specialmente a New York e Los Angeles, così come in varie città europee, per invitare architetti "internazionali" a realizzare progetti per ZIL. Ci ha chiesto, in particolare, di creare qualcosa di molto speciale e molto sensibile alla storia di Mosca e ZIL.
Credo che Molchanov sia ben consapevole delle peculiarità della situazione quando importanti architetti dall'estero sono invitati a lavorare "localmente" - che in questo caso saremo particolarmente attenti alle proprietà speciali di un luogo e di una città. Ci è stato chiesto di progettare due edifici molto forti e attraenti, adiacenti ad altri edifici ben congegnati, interessanti progetti abitativi e spazi pubblici. Devo aggiungere che è molto positivo che Yuri Grigoryan, insieme ad Andrei Molchanov, abbia deciso di mantenere alcuni dei vecchi edifici nel masterplan, che consentirà ad alcune delle caratteristiche del territorio originale di diventare parte integrante della nuova storia di ZIL.
Progetti per diversi paesi del mondo, ovunque - le tue tradizioni, il tuo livello di tecnologie di costruzione. Come affronti questa differenza?
- Ci sono due risposte a questa domanda. Da un lato, poiché mio padre era un pittore astratto di origine egiziana e residente a Parigi, e mia madre era britannica, sono essenzialmente un ibrido culturale. Inoltre, i miei genitori hanno lasciato i loro paesi d'origine e si sono trasferiti in Canada, dove sono cresciuto. Cioè, mi vedo come una sorta di "nomade culturale", quindi non importa dove lavoro in termini di luogo e cultura, ho una sensibilità a quello che potrei chiamare il "DNA" di un luogo. Da bambino ho vissuto in tanti paesi, e come erede di due culture molto diverse, era necessario per me sviluppare questa sensibilità, questo istinto è semplicemente una questione di sopravvivenza e come mezzo per capire dove mi trovo in un momento particolare nel tempo.
D'altra parte, poiché abbiamo progettato e costruito per città e contesti diversi, ogni progetto ha i suoi vincoli unici dovuti a una posizione specifica, un'agenda, un programma, un'economia e così via. Molte delle opportunità che ogni luogo offre sono uniche e dobbiamo "estrarle". Non siamo uno di quegli architetti che progettano gli stessi progetti per luoghi diversi in tutto il mondo, indipendentemente dal contesto. Piuttosto, progettiamo edifici su misura per il programma e il budget, come in questo caso, non troppo stravaganti o esagerati. La nostra intenzione è sempre stata quella di rendere il nostro lavoro discreto e intelligente allo stesso tempo, con particolare attenzione alla scelta delle tecnologie costruttive e dei materiali locali. Allo stesso tempo, sosteniamo che la costruzione deve essere molto avanzata, quindi stiamo cercando un approccio che ci consenta di ottenere risultati elevati. Un altro aspetto fondamentale è la selezione del team di progetto, che è molto simile alla creazione di un'orchestra: scegliere le persone, i componenti giusti, trovare le tecniche, gli strumenti e i metodi giusti. Un eccellente team con cui collaborate in tutti gli aspetti del design determina il successo finale dell'azienda, ovunque si trovi il progetto [l'ufficio SPEECH è responsabile di entrambi i progetti Asymptote per ZIL - nota da Archi.ru].
Questi due dei nostri progetti di Mosca saranno importanti non solo perché sono parte integrante dell'attuale situazione russa, ma anche perché saranno innovativi e rilevanti in termini di cultura, tecnologia ed economia. Ci auguriamo che siano importanti anche per i residenti locali, che vengano percepiti come opere rilevanti e spirituali. Questi progetti Asymptote rendono giustizia all'architettura, ne fanno il loro tema principale e per raggiungere questo obiettivo non devono essere costosi o pretenziosi. Per noi accettare questa sfida è un obiettivo molto realistico, perché, come puoi vedere, non siamo il tipo di architetti che vengono assunti per dorare un bagno o una sala da ballo (ride).
Come hai ricevuto questo ordine? Ti è stato offerto o c'è stata una competizione?
- Ho incontrato Andrey Molchanov a Mosca lo scorso inverno, e poi mi ha chiesto di progettare una torre per ZIL (ZIL Gateway Tower). Quando gli abbiamo mostrato il nostro portfolio di lavori, era interessato al nostro progetto per il concorso per il Museo Guggenheim di Helsinki, e credo che, dopo trattative con il direttore del Museo statale dell'Ermitage, Mikhail Piotrovsky, ci sia stato offerto di sviluppare un progetto per la filiale del Museo statale Ermitage di Mosca, destinato all'esposizione di arte moderna e moderna. Penso che sia Molchanov che Piotrovsky sappiano che, nonostante siamo chiamati architetti "stelle", non insistiamo su un certo stile o approccio dogmatico, piuttosto è vero il contrario: siamo sempre alla ricerca di una nuova, nuova prospettiva di vista su ogni situazione. Grazie a una felice coincidenza, per molti anni Mikhail Piotrovsky e io abbiamo avuto conversazioni interessanti su come possiamo progettare nuovi musei - in modo univoco e convincente. Quindi, le cose si sono messe insieme da molto tempo, ma ora siamo molto impegnati a lavorare a due meravigliosi progetti a Mosca - e ne siamo lusingati.
Cosa ne pensi dei concorsi, soprattutto di grandi dimensioni internazionali, come quello recente per il progetto del Museo Guggenheim di Helsinki? I concorsi arricchiscono la cultura architettonica o gli architetti ci stanno solo perdendo tempo?
- I concorsi di architettura come idea sono molto importanti e utili per la nostra professione. Io stesso, insieme a Liz-Anne Couture, ho vinto la nostra prima competizione quando avevo solo 27 anni. Il progetto si chiamava Los Angeles Gateway ed era una competizione internazionale. La missione era quella di creare un memoriale per un nuovo monumento che commemora l'immigrazione degli Stati Uniti dal Pacifico. Questo è stato molto importante per la nostra carriera e per la fondazione del nostro ufficio, Asymptote. Pertanto, penso che i concorsi siano davvero molto importanti, soprattutto per i giovani architetti. D'altra parte, le gare oggi sembrano essere sempre più operative. Mi sembra che i "clienti" (come qui chiamate clienti) organizzino sempre più concorsi solo per ottenere idee a buon mercato, se non addirittura gratis. Sì, possiamo dire che noi architetti siamo un po 'masochisti, visto che partecipiamo a tali concorsi, anche se sappiamo che il risultato possibile è solo uno spreco di denaro e di tempo. Noi stessi abbiamo investito molto tempo, energia e risorse nelle competizioni, ma, nonostante ciò, continuiamo a parteciparvi anche oggi: questo è un aspetto strano della nostra professione. Negli ultimi anni, si può vedere ancora più abuso in questo sistema di utilizzare gli architetti per "studiare" un problema o un progetto "possibile": sento un aumento di tale sfruttamento di un'idea competitiva, con gli architetti partecipanti che non hanno nulla. Ciò può essere, in parte, dovuto alla diffusione molto rapida e superficiale di immagini e immagini su Internet a scapito della perdita di un livello più profondo di discussione.
Di recente abbiamo preso parte a un importante e importante concorso a New York e, per quanto folle possa sembrare, il cliente alla fine ha deciso di non invitare nessuno dei 14 importanti architetti e consorzi edilizi che hanno partecipato a questo processo di molti mesi. spiegazione, ha scelto un architetto che non ha partecipato affatto al concorso. Penso che questo sia un esempio di abuso che ha un effetto molto negativo sulla nostra professione.
Nello specifico, il concorso per il Museo Guggenheim di Helsinki che hai citato è stato un altro esempio lampante della completa assurdità dello stato attuale del sistema dei concorsi. Alla fine, quanto siano buoni o cattivi i vincitori (e penso che questi vincitori siano abbastanza buoni, a proposito) non ha molta importanza. Con quasi 2.000 progetti presentati per il concorso, basti pensare allo sforzo globale che è stato necessario per crearli: è incredibile se ci pensi, e alla fine, scegliere il miglior progetto tra loro è come cercare un ago nel pagliaio. Sono sicuro che ci sono state centinaia di opere interessanti e provocatorie che non sono nemmeno arrivate al secondo round, per non parlare dei premi in palio.
Parte del problema è che la stessa comunità architettonica non è in grado di organizzarsi sufficientemente per esigere che tutti i concorsi siano adeguatamente pagati, adeguatamente strutturati e organizzati professionalmente. Ma, ancora, c'è sempre un architetto da qualche parte che è disposto a lavorare gratuitamente o, avendo abbassato il prezzo, aggira un collega, quindi, alla fine, ci dispiace tutti.
Insegni molto in diverse università da molto tempo. Il tuo metodo di insegnamento è cambiato nel tempo?
- Ho iniziato a insegnare quando ero molto giovane e all'età di 28 anni ero professore alla Columbia University di New York. Era prima di Internet e dei computer e, per la maggior parte, i miei studenti costruivano grandi installazioni sperimentali su mie istruzioni. Successivamente, nel 1996, ho co-fondato Paperless Design Studios alla Columbia University: era un programma ambizioso, ho iniziato a insegnare usando solo mezzi digitali e rinunciando a carta, matite e essenzialmente a tutti gli strumenti a cui siamo così abituati con il momento in cui il nostro professione emersa. È stata una mossa molto radicale in un momento molto interessante. Nel tempo, il mio metodo di insegnamento è cambiato: mi sono interessato di più alla città come problema. Attualmente, presso l'Università di Arti Applicate di Vienna, gestisco il Deep Futures Learning Lab / Branch. Lì, con i miei studenti, studiamo l'impatto della tecnologia, le tendenze socioeconomiche, l'ambiente, l'informatica, il digital shaping, ecc. per il futuro della nostra disciplina e delle nostre città. Quindi il mio approccio è cambiato nel tempo a causa della situazione mutevole con le città e la vita in generale.
Quando ho iniziato a insegnare alla fine degli anni '80, c'era una cultura architettonica molto forte, molte buone critiche, polemiche e molta teoria da discutere e criticare. Allo stesso tempo, c'erano anche punti di vista aridi e conservatori, architetti e teorici concentrati sul passato, e questa combinazione ha dato origine alla chiara sensazione che il pensiero radicale sia davvero necessario in architettura. In quel momento l'ho sentito allo stesso modo dei dadaisti, costruttivisti, futuristi e surrealisti del loro tempo, quando la loro arte contemporanea sembrava loro retrograda. Negli anni '90 ci sono stati momenti e tendenze ancora più "critiche" che dovevano essere contrastate, principalmente dall'avvento della cultura aziendale nella nostra professione. La ragione del costante cambiamento nell'insegnamento è che non hai tempo per guardare indietro - e questo accade molto rapidamente in questi giorni, forse anche troppo rapidamente - così come qualsiasi posizione radicale è assorbita dallo status quo. Pertanto, è necessario essere costantemente molto attenti se sei impegnato nella ricerca e nello studio dei confini della nostra professione, come faccio io nel mio insegnamento.
In questo momento, forse sono più interessato a come definire l'architetto come una figura veramente preziosa nella nostra società, a "restituire" l'architetto ad essere un valido contributore per pensare, immaginare e, cosa più importante, creare le nostre città, spazi urbani e edifici. Possiamo pensare che l'architetto sia ancora importante in questa formula, ma in realtà abbiamo perso molto terreno. Oggi, quando si tratta di creare, plasmare il nostro ambiente costruito, il più delle volte, economisti, politici, tecnologi, investitori, "esperti"-consulenti, ecc. formare la politica e prendere decisioni chiave. Sfortunatamente, l'architetto è scivolato giù da questa scala gerarchica verso una posizione di crescente impotenza. Di fronte a questa realtà, quando insegno, mi pongo la domanda: come mantenere e aggiornare la base di conoscenze e competenze necessarie per restituire all'architetto un attore chiave nel processo sociale di formazione dell'ambiente costruito. La domanda è: come diventeremo noi, architetti, attori importanti, e non solo un “co-esecutore” o solo un altro consulente tra tanti altri.
Con i miei studenti e nel mio ufficio, uso spesso il termine "ingegneria spaziale" come mezzo per affrontare questo dilemma, e lo uso per cercare di definire cosa sia realmente la nostra esperienza. Alla fine della giornata, credo davvero che la "spazialità ingegneristica" sia al centro delle conoscenze e delle abilità di un architetto. Se ci pensi, ci sono artisti che lavorano senza compromessi nello spazio puro, questo è il loro principale interesse e preoccupazione, sul lato opposto dello spettro ci sono ingegneri - costruttori, designer, meccanici, specialisti in acustica e altri campi, tutti sono impegnati con la realtà di dare vita al progetto. Nella mia idea, gli architetti sono tra questi due estremi, proprio al centro. Con tutto questo in mente, a Vienna esploriamo la nostra disciplina da questa prospettiva forse strana ma importante, in cui l'idea di un "architetto" deve essere seriamente modernizzata per assumere la posizione di questa competenza mediatrice e sovrapposta.
