Un architetto e artista non ha bisogno di presentazioni speciali, nemmeno al pubblico europeo. È uno degli architetti russi più famosi all'estero. Nel 2006 le sue opere hanno rappresentato la Russia alla Biennale di Venezia, e ora sono conservate nelle collezioni di alcuni dei più importanti musei del mondo: il German Museum of Architecture (Francoforte), il MOMA Museum of Contemporary Art (New York), l'A. A. V. Shchusev. In Europa, Brodsky è conosciuto principalmente per i suoi progetti "cartacei": numerosi concept creati insieme a Ilya Utkin per concorsi di architettura giapponesi. Anche le opere "soliste" di Brodsky - installazioni al confine tra architettura e arte contemporanea, nonché una serie di oggetti realizzati di piccole forme - interni, ristoranti, padiglioni concettuali, sono noti anche in Occidente.
Le opere selezionate per la mostra coprono il periodo degli ultimi trent'anni e danno un'idea delle diverse tecniche in cui opera l'architetto. Nella sala del primo piano espositivo del museo - le opere di Brodsky in quelle più tradizionali. Questo è un disegno a matita, acquaforte, serigrafia. Un piano sopra - nuove opere realizzate appositamente per questa mostra: "grafica" in argilla e disegni a inchiostro su feltro per tetti.
Nonostante la varietà delle tecniche, l'intera esposizione si presenta come un'unica dichiarazione progettata per far conoscere ai visitatori i temi e le motivazioni principali del lavoro dell'architetto. Al centro della poetica di Brodsky ci sono mondi convenzionali, fantasmagorici, presentati, se parliamo con un certo grado di convenzione, nello stile della presentazione architettonica classica: facciata, sezione, prospettiva, veduta d'insieme. L'artista si concentra su composizioni fuori dal tempo, più precisamente - dopo i tempi, le tracce lasciate dalle persone e dalla storia.
Nelle sale da camera, o, come preferisce chiamarle lo stesso personale del museo, gli "uffici" del piano inferiore sono opere degli anni '80 - primi anni 2000. Qui Brodsky è il successore del piranismo con la sua monumentalità e fantasmagoricità, tuttavia, il suo sguardo è sempre lo sguardo di un postmoderno con ironia caratteristica, stratificazione di significati e apertura a varie interpretazioni. Uno dei temi è l'unità di caos e bellezza classica, entropia postmoderna e immaginario rinascimentale. La sua espressione è sia in prospettive frattali caotiche con l'introduzione di elementi primari architettonici - piramidi, sia nell'aspetto di un pendolo oscillante sotto una composizione classica frattale, e caos industriale inscritto nello spazio della cupola in una sezione longitudinale, installato sul fondazione accanto a un tubo industriale. L'estetica rinascimentale e il motivo del carnevale veneziano possono essere ascoltati nei ritratti allegorici di un certo carattere convenzionale. Su uno di essi, come per dare un suggerimento al pubblico, Brodsky lo definisce un architetto. Il resto dei ritratti allegorici ricorda sia gli eroi dei misteri medievali sia l'atmosfera "carnevalesca" della commedia Del Arte, e sono, tra l'altro, una parafrasi delle celebri allegorie degli elementi primari di Giuseppe Arcimboldo, il quale i surrealisti consideravano uno dei loro predecessori. Invece di elementi primari naturali, Brodsky ha elementi architettonici (una città ideale tenuta da un architetto, la Torre di Babele eretta sulle teste dei personaggi), e l'estetica del surrealismo è una delle chiavi per l'immersione nei suoi mondi.
I paesaggi industriali di Brodsky sono intrisi della stessa estetica. Queste opere sono un'immersione nel mondo introspettivo del subconscio, in cui le connessioni logiche vengono tagliate (o, più precisamente, sembrano tagliate), e il mondo da cui una persona viene rimossa diventa l'eroe. Lo stesso tema costante con cui lavora Brodsky: un uomo era qui e ha lasciato tracce.
La maggior parte delle mostre è stata lasciata "Senza titolo". Pertanto, lo spettatore è privato dei suggerimenti testuali, che sono così accettati nell'arte moderna. Naturalmente, lo spettatore ideale di Brodsky è un erudito esperto di storia e arte visiva, capace di contare strati di significati dati, catturando l'ironia postmoderna dell'artista, mentre uno spettatore meno sofisticato può provare una leggera sensazione di disagio, essendo gettato nel mondo al di fuori del solite relazioni causali. Due tipi di spettatore - due tipi di lettura e le interpretazioni dello spettatore non ideale possono essere molto più emotive e portare a un flusso più libero di associazioni.
Una delle opere più vicine all'illustrazione del libro in mostra, "A Place of Common Prosperity" (1998), è sia un saluto diretto alle immagini del Pantheon Piranesi, passate attraverso il subconscio metaforico dell'autore, sia un'allusione al solennemente sublime designazioni di oggetti infrastrutturali urbani adottati nell'URSS nel 1960 -x: biblioteca - "Tempio della conoscenza", e, per esempio, cinema - "Tempio degli occhiali". Brodsky utilizza qui la tecnica della "metafora realizzata". Davanti a noi c'è davvero il Tempio, e il prototipo di tutti i Templi, ma la valigetta condizionale nel disegno dà un cittadino sovietico condizionale, rappresentato nelle sembianze di una creatura mitica con la coda di un cane, che è entrato nel "Tempio del benessere generale "per bere un bicchiere di birra.
Nello stesso spazio vengono presentati anche schizzi a matita di facciate architettoniche condizionali e una serie di oggetti. Anche l'estetica del surrealismo è facilmente intuibile e uno degli oggetti più misteriosi raffigurati è, forse, una sorta di parafrasi dell'opera più citata di René Magritte.
La mostra è organizzata in modo tale che gli schizzi a matita si rivelino schizzi per gli oggetti d'arte di Brodsky, presentati al piano superiore. Si tratta di opere del 2014, la maggior parte delle quali realizzate appositamente per la mostra al Museo Tchoban. Le facciate realizzate con la tecnica unica dell'autore della "grafica in argilla" si riferiscono sia al monumentalismo dello stile dell'Impero stalinista sia al Castello Kafkiano, irraggiungibile nel quadro della logica umana. Ecco la continuazione del tema principale di Brodsky: le tracce lasciate dal tempo. La chiave di lettura di queste opere, e, di fatto, la chiave della mostra nel suo insieme, sono due oggetti realizzati con inchiostro nero su un feltro di copertura di un edificio e simili a una mappa e un modello assonometrico di un sito archeologico condizionale. Le facciate in argilla punteggiate di crepe non sono quindi altro che manufatti di argilla del passato. Non è stato senza ironia nello spirito del postmodernismo: il feltro per tetti è un materiale popolare nella costruzione di dacia sovietiche.
A questo proposito, è interessante ricordare i progetti realizzati dell'architetto Brodsky. Non sono rappresentati in mostra, ma sono tutti allo stesso modo subordinati all'idea di concentrarsi sulle tracce lasciate dai loro predecessori. Che si tratti del Padiglione per le cerimonie della vodka, costruito per il festival Art-Klyazma, la Rotonda a Nikola-Lenivets o il ristorante Prichal 95 * vicino a Mosca, tutti sono stati costruiti utilizzando i disegni di altri oggetti che una volta esistevano: infissi, porte, tavole.
È interessante notare che la mostra di Alexander Brodsky a Berlino ha coinciso con un'altra mostra di disegno architettonico al Museo Martin-Groppius-Bau: "VKHUTEMAS - il laboratorio russo della modernità" (valida fino al 6 aprile), che presenta disegni utopici di studenti del VKHUTEMAS degli anni '20. I progetti utopici sovietici degli anni '20 e i disegni di carta degli anni '80 sono i due fenomeni principali del design di carta del XX secolo provenienti dalla Russia. Nelle condizioni della crisi economica in rapida crescita e del monopolio dei grandi laboratori di architettura sulla progettazione di quasi tutti gli oggetti più significativi, è inevitabile un nuovo ciclo di design “on the table”. Forse i disegni architettonici ei progetti concettuali della seconda metà degli anni 2010 potrebbero un giorno diventare la base per future esposizioni museali.
La mostra è aperta fino al 5 giugno 2015.
