- Qual è il significato della tua installazione? Cosa c'è di più interessante, secondo te?
“La nostra installazione si chiamava“Il Museo del Lavoro Rurale”e la cosa più interessante, credo, sarà il rapporto tra l'immagine esterna e lo spazio interno. Si tratta di una torre con un diametro di 3,2 metri e un'altezza di 8 metri, che dall'esterno funziona come una scultura geometrica - una sorta di colonna d'ordine che è apparsa dal nulla in un campo di patate vicino al villaggio di Zvizzhi e allo stesso il tempo sembra come se fosse sempre stato lì. Quando lo guardi, possono sorgere le associazioni più diverse: da una banale torre dell'acqua all'ultima colonna dell'acropoli scomparsa e, soprattutto, sarà piuttosto difficile dall'esterno valutare la sua vera scala, perché una struttura rivestita Adobe si fonderà visivamente con la sua base di terra e l'ambiente generale.
Coloro che si recano in piccole città e villaggi sono abituati a verticali così piccole, torri d'acqua, che hanno perso da tempo la loro funzionalità, ma servono come segni di identificazione degli insediamenti. La nostra torre di lato sembrerà proprio una dominante semiabbandonata, anche se in realtà è concepita per essere abitata. Abbiamo appena reso l'entrata abbastanza poco appariscente, posizionandola sul lato opposto alla strada. Lo spazio interno è rivolto verso l'alto ed è illuminato da una luce calda, e sui muri della torre si collocano oggetti di vita contadina. La torre è chiamata “Museo del Lavoro Rurale” perché contiene veri e propri manufatti che solo temporaneamente si trasformeranno in oggetti da esposizione.
Chi sono i tuoi coautori in questo progetto?
- Abbiamo inventato e realizzato il Museo del Lavoro Rurale insieme alla talentuosa architetto Agnia Sterligova. La nostra collaborazione è iniziata nel 2012, quando Agnia, nell'ambito dell'ufficio SPEECH, è stata impegnata in un progetto per l'esposizione del padiglione russo alla Biennale di Architettura di Venezia. Insieme ad Agnia, ora architetto libero professionista, abbiamo anche realizzato installazioni a Milano - U-Cloud nel 2014 e Living Line nel 2015 (insieme a Sergey Kuznetsov), ea gennaio di quest'anno abbiamo sviluppato il design della mostra Jan Vanrita “Perdere la faccia”per il Museo Ebraico e il Centro della Tolleranza di Mosca.
Hai fatto progetti a Milano, ma non hai mai partecipato ad Archstoyania prima. Perché ora?
- È un grande onore per me partecipare al festival Archstoyanie. Quest'anno il festival si tiene per la decima volta e, siamo sinceri, non ho ricevuto subito l'invito a diventarne uno degli autori. La prima volta che Nikolai Polissky me l'ha offerto è stato circa tre anni fa. E poi abbiamo considerato un sito molto interessante all'ingresso di Nikola-Lenivets, ma è successo così che il festival è stato costretto ad adattare la geografia delle installazioni, un altro sito è apparso per noi, e per lei Agnia Sterligova ed io abbiamo anche fatto due proposte, ma per motivi diversi e non sono stati implementati. E poi è apparso Zvizzhi, questo campo di patate, l'idea di un cartello d'ingresso, e finalmente, come si suol dire, tutto si è riunito. E ne sono molto felice.
Come ti ha influenzato il contesto di Archstoyanie? In che modo questa tua installazione è diversa dalle altre tue opere dello stesso genere?
- Il tema chiave di Archstoyanie è proprio lo spazio, il paesaggio in cui si svolge il festival, e tutte le installazioni qui sono grandi oggetti architettonici e scultorei che vengono creati nell'ambiente naturale e poi si insediano, interagendo costantemente con questo ambiente. Il genere di mostra, l'architettura temporanea è, in linea di principio, molto interessante per me, e l'opportunità di creare un oggetto incentrato non sull'ambiente urbanizzato, ma solo sull'ambiente naturale dovrebbe essere riconosciuto come unico in generale, quindi ci siamo immersi nel contesto con grande piacere e ho cercato di trovare un'interessante incarnazione fatta a mano per questo. Ovviamente questo ha influenzato anche la scelta del materiale. Abbiamo capito che qui è appropriato solo materiale assolutamente naturale, ma allo stesso tempo non il legno, poiché il tema dell'architettura in legno, a nostro avviso, ad Archstoyanie è già stato più che svelato. Quindi stavamo cercando un materiale altrettanto naturale e "vivo" che apparisse naturalmente e che ad un certo punto sia in grado di scomparire altrettanto naturalmente. E alla fine, abbiamo optato per il rivestimento in adobe, sottolineando idealmente il fatto che la nostra struttura nasce dal terreno, simboleggiando il lavoro sul terreno, che è sempre stato e rimane il supporto principale, la colonna su cui poggia il benessere umano.
Sebbene il materiale, le proporzioni e la funzione siano differenti, compositivamente e figurativamente: come qualcosa che sta in un campo aperto - c'è una somiglianza con la Rotonda di Brodsky che sta nei campi vicini, a Nikola-Lenivets. Quanto è consapevole questa somiglianza? È un omaggio a un luogo, un dialogo postmoderno o un incidente? O è provocante il paesaggio?
- Ad essere onesti, non vedo alcuna somiglianza tra il nostro oggetto e la Rotonda di Alexander Brodsky. È che la forma rotonda di entrambi gli oggetti può portare a una tale ipotesi?.. Una forma del genere è davvero sempre molto interessante e vantaggiosamente percepita negli spazi naturali - un fatto noto almeno dal Rinascimento. E in termini di proporzioni, materiali, percezione, il nostro "Museo" e "Rotonda" sono completamente diversi. Piuttosto, si potrebbero tracciare dei paralleli con il "Beaubourg" di Nikolai Polissky, una forma allungata, coronata da una sorta di completamento. Ma, ripeto, se il nostro oggetto si riferisce ad alcuni prototipi, allora si tratta di torri d'acqua reali di numerosi villaggi e villaggi.
