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Bisogna pensare che il curatore Aaron Betsky ha profondamente traumatizzato la biennale di architettura del 2008: per la seconda volta il leitmotiv della mostra è un ritorno all'architettura. Nell'interpretazione del curatore di quest'anno David Chipperfield, il compito principale era "convincere nuovamente tutti dell'esistenza di una cultura architettonica, creata non da singoli geni (leggi: stelle), ma da una comunità con una storia comune, ambizioni comuni, premesse e idee ". Di conseguenza, il curatore ha affidato a tutti i partecipanti invitati al programma principale della Biennale un compito difficile: mostrare la loro cosa più importante, trovare il significato profondo (renderlo significativo). In altre parole, cerca le radici, identifica le fonti e le componenti della tua ispirazione, le idee e le immagini chiave, la materia originale del loro lavoro. Per poi combinare le risposte trovate e vedere come interagiranno su un terreno comune comune, che in questo caso significa - nello spazio espositivo.
Il tema della Biennale Common ground, suggerito a Chipperfield dal professore di sociologia Richard Senett, è già interpretato nel manifesto in modo ambiguo e multistrato, dando ai partecipanti maggiore libertà. Il primo livello è il più comprensibile: si tratta di spazi pubblici. Ma non solo gli spazi pubblici in alcuni uffici e supermercati, precisa Chipperfield, ma i "semitoni più sottili" tra il privato e il pubblico, i risultati dell'eterna lotta dell'individuo e del generale. La seconda delle interpretazioni del tema proposte nel manifesto curatoriale è l'interazione di un architetto con professioni affini ("l'architettura richiede un lavoro di squadra", scrive Chipperfield). Infine, il terzo strato è il più sottile: il background culturale e storico, che tutti abbiamo in un modo o nell'altro in comune.
All'ingresso di Corderi veniamo accolti da un muro bianco che attraversa la sala vuota, davanti un pozzo veneziano in pietra e diverse piccole mostre, a prima vista, completamente scelte a caso: tre semplici confronti formali, accompagnati da una breve premura di Bernard Chumi; una mostra-giornale dedicata a Venezia con interviste ai residenti locali; e il più divertente Monumento al Modernismo, un "collage tridimensionale" di capolavori del XX secolo (tra cui il Melnikov Club di Rusakov), inventato dall'architetto Robert Burchart nel 2009 per un luogo molto specifico a Berlino. Tre piccoli progetti espositivi (francamente, non i più significativi di questa Biennale) non sono affatto collegati. L'unico collegamento tra loro è lo spazio comune della sala e il terreno comune scritto sul muro. Sono diversi, questi progetti, ma coesistono e tra loro nascono inevitabilmente dei collegamenti.
Questa strana prima stanza è infatti il manifesto più chiaro dell'intera mostra di Chipperfield. Più avanti lungo Corderi sarà lo stesso: alternanza, quartiere e un misto di grande e piccolo, spettacolare con informativo, formale con trama, giovani architetti con vecchi, oscuri costruttori indiani con famose star britanniche - la lista è quasi infinita. Il curatore David Chipperfield sembra si sia proposto di raccogliere qui uno spettro della diversità del mondo architettonico, presumibilmente al fine di emergere collettivamente dall'apparente crisi del pensiero architettonico. L'Arca, non altrimenti. C'è almeno una copia di ogni creatura qui.
Devo dire che la prima sala sembra un po 'spaventosa: sembra una mostra in soprannumero, che non aveva abbastanza materiale per sorprendere lo spettatore. Più avanti (dietro il muro) segue una poppa lieta di fotografie di Thomas Strut, che non solleva immediatamente gli spettatori dal timoroso sospetto che verranno mostrati solo immagini incorniciate e modelli di cartone qui e più avanti in tutta la Corderie. Ma la situazione è diversa: assolutamente incredibile, a guardarle da vicino, le fotografie di Strut costituiscono effettivamente il "nucleo" dell'intera esposizione curatoriale dell'Arsenale - la sua mostra è divisa in quattro parti, che poi si trovano nei luoghi più inaspettati. Si chiama 'Luoghi inconsci' e mostra i tipi di spazi urbani "storicamente formati", di cui, come sapete, la maggioranza nel mondo: dalla periferia di San Pietroburgo durante il periodo eclettico, alla periferia caotica di Lim, e agli inquietanti edifici a più piani delle città asiatiche.
La mostra, quindi, è costruita, infatti, in modo molto chiaro, anche in modo classico: dopo un breve manifesto introduttivo, segue l'inizio dell'esposizione “cardine”. Nella sala successiva - l'impatto sensoriale dell'installazione di Norman Foster: uno spazio buio, dove sul pavimento nero, strisciando sulle fustelle delle colonne di Corderi, lampeggia la proiezione dei nomi degli architetti da Ippodamo a Eisenmann (seguendo il principio della diversità, ci sono molti nomi di quelli poco conosciuti). I nomi degli architetti sono sotto i piedi, come le lapidi degli umili abati nelle chiese cattoliche. È vero, a differenza dei piatti, questi nomi sono così mobili che, se li guardi a lungo, ti girerà la testa. In alto, sulle pareti, accompagnate da ondate di rumore o silenzio, le fotografie tremolano, raccolte in diversi gruppi tematici: rivoluzioni (comprese le ucraine Maidan e Femen), preghiere, rovine, conseguenze di disastri, alcuni edifici spettacolari - la gamma visiva è impressionante e costringe a ispezionare. Questa sala è sicuramente il primo accordo della sinfonia.
Un'alternanza simile: luminose sale emozionali, monolocali di un oggetto e, infine, sale, quasi piene di piccole mostre - continua nell'Arsenale e oltre. Si potrebbe pensare che Chipperfield abbia preso installazioni figurative dalla Biennale di Shojima, dalla Biennale di Betsky, oggetti voluminosi, diluito tutto questo con mostre "architettoniche ordinarie" - e abbia fatto sì che i partecipanti e gli spettatori cercassero un significato in tutto questo. Il che non è male, perché mi ha fatto riflettere. La mostra non è molto divertente (anche se lo è, c'è varietà), ti fa leggere e guardare da vicino, cercare un concetto chiave e parlare di quanto viene rivelato. Nella sala di Foster, ad esempio, viene letteralmente rivelato: i nomi degli architetti si scontrano e si agitano su un comune seminterrato. Ma non solo, ovviamente. Questa è un'installazione molto integrale che include tutti gli spettatori in un'esperienza comune di suoni e immagini.
La sala nera di Foster è seguita dalla sala comune di diversi partecipanti: il campus - la sede dell'azienda farmaceutica Novartis a Basilea, in Svizzera, è mostrato con modelli. Nelle vicinanze si trova una mostra personale in miniatura dell'ottantenne architetto svizzero Luigi Snozzi, che "ha dedicato quarant'anni a lavorare per il bene pubblico" e una proiezione video del progetto Cammino del pellegrino, in cui giovani architetti messicani hanno creato una serie di piattaforme di osservazione, cappelle e rifugi lungo il percorso del pellegrino di 117 chilometri all'immagine della Vergine Maria di Talpa. L'unico accento importante in questa stanza è l'oggetto 'Vessel' ('vaso' o 'nave') degli architetti irlandesi Sheila O'Donell e John Twomey, un gazebo in legno fatto di assi di legno 'per la contemplazione' (in questa veste è un po 'come "Ear", costruito da Vlad Savinkin e Vladimir Kuzmin a Nikolo-Lenivets). In una parola, la varietà è evidente.
Poi c'è una pausa artistica nella piccola sala dell'architetto svedese Peter Märkli e del suo collega Steve Roth. Qui sono collocate diverse figure scultoree in metallo, attorno alla più preziosa delle quali, la donna veneziana VIII di Alberto Giacometti, è circondata da una guardia. Il significato dell'installazione è piuttosto classico: un confronto di una figura umana (che, però, è indovinata nelle sculture mostrate dopo una certa tensione) con una colonna: gli architetti hanno posizionato le figure all'intersezione di linee rette immaginarie che collegano le colonne della sala diagonalmente. Sebbene questo disegno sottile possa essere considerato solo secondo lo schema allegato, uno spettatore meno attento considererà che le figure sono semplicemente allineate sul suo percorso e potrebbe persino girarle intorno con fastidio, guardando la guardia e non apprezzando la raffinatezza di Giacometti. Nel frattempo, l'idea della Märkli Hall ricorda soprattutto la precedente Biennale di Shojima: il suo significato è riflettere l'architettura dell'Arsenale, è un tema biennale senza fine, sebbene l'idea non si limiti ad esso: la presenza di un la trama proporzionale classica è più importante qui.
Poi inizia il divertimento: classici tedeschi, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron e oscuri costruttori indiani con squatter venezuelani. Ne parleremo un po 'più tardi. Conserva per aggiornamenti.
