Il 12 giugno è stata aperta al pubblico la nuova sede del Garage Museum of Contemporary Art: vi ricordiamo che si tratta del ricostruito ristorante sovietico Vremena Goda. Parlando ai giornalisti due giorni prima, il fondatore di OMA Rem Koolhaas ha notato che questo progetto ha avuto un significato speciale per lui fin dall'inizio. Perché l'ha detto? È perché fu con un viaggio a Mosca a metà degli anni Sessanta che iniziò il suo interesse per l'architettura? O perché finalmente è riuscito a costruire qualcosa in Russia? O è solo gentilezza? Alla ricerca di una risposta a questa domanda, passiamo al portfolio OMA.
Koolhaas ha relativamente pochi progetti museali completati - otto o nove (è difficile determinare con maggiore precisione, poiché Garage e la Fondazione Prada sono ancora elencati sul sito web di OMA tra quelli in costruzione, e tra i musei costruiti c'è, ad esempio, il Museumpark a Rotterdam, che non è un museo in sé).
Il primo edificio museale progettato da OMA è stato il Kunsthal, inaugurato nel 1992 nella città natale di Koolhaas, Rotterdam. A prima vista, il Kunsthal è molto più complesso del "Garage": è una volta e mezza più grande di superficie, le sue facciate sono più varie, e all'interno ha pavimenti completamente inclinati e fori di forma irregolare nelle pareti e nei soffitti.
Ma è qui che iniziano le somiglianze. Entrambi gli edifici possono essere chiamati "musei senza una collezione" - la Kunsthal si chiama così quasi ufficialmente, mentre "Garage" ha una propria collezione in fase di formazione. Allo stesso tempo, gli spazi interni destinati alle mostre in entrambi gli edifici non possono in alcun modo essere definiti neutri. Hanno una forma molto diversa, a volte soffitti non troppo alti, e la decorazione delle pareti, sia qua che là, difficilmente può essere definita calma. È per questa "rigidità e pignoleria dello spazio" che alcuni commentatori ora criticano Garage. Ma Koolhaas sembra avere un'opinione diversa: crede che i luoghi per esporre l'arte non debbano essere monumentali in sé e per sé.
Il suo gusto per l'arte contemporanea, dice Koolhaas, è stato plasmato dal curatore Willem Sandberg, che diresse lo Stedelijk Museum di Amsterdam dal 1945 al 1963 (lo stesso Koolhaas visse ad Amsterdam dal 1955 al 1968). Mostre di arte contemporanea, avanguardia russa ed europea, concerti di musica contemporanea e proiezioni di cinema contemporaneo nel Museo di Amsterdam si sono svolte in un edificio senza pretese a due piani costruito nel 1954 che misura solo 24x10 m, che, secondo Koolhaas, sembra più come una "piccola scuola". Questo modesto capannone sotto un tetto a due falde ospitava, oltre a sale espositive, una biblioteca, una tipografia, un caffè e un auditorium per concerti e conferenze. L'ala Sandberg ha introdotto con successo l'arte contemporanea negli abitanti di Amsterdam fino al 2004, quando si è deciso di sostituirla con un'estensione più moderna e su larga scala.
Parlando della maggior parte dei musei di arte contemporanea, Koolhaas sottolinea che essi principalmente "forniscono enormi volumi di spazio vuoto per l'uso" e cita come esempio chiave la famosa "Turbine Hall" della Tate Modern di Londra, che "è diventata praticamente un simbolo del nostro tempo ".
Di conseguenza, continua Koolhaas, "gli artisti sono costretti a esibirsi in una sorta di modo apocalittico", perché solo le emozioni più forti possono competere con spazi di questa scala. Non c'è posto per le sfumature. "L'arte sta diventando sempre più autoritaria". Nei progetti di OMA, al contrario, la varietà degli spazi, secondo Koolhaas, consente ad artisti e curatori di lavorare su argomenti più sottili.
La Kunsthal si differenzia dalla maggior parte dei musei d'arte anche per il fatto che il suo architetto non solo ha offerto al visitatore una serie di vari locali con mostre, ma li ha infilati su un certo percorso di movimento. Koolhaas, lui stesso sceneggiatore in passato, ritiene che l'architetto sia obbligato a riflettere in anticipo sugli scenari per l'uso dello spazio.
Forse sarebbe più facile per i curatori lavorare con volumi neutri nel design e semplici nella forma, con un ambiente neutro che non imponga i propri scenari? Ma l'arte contemporanea, di natura polemica, deve rispondere a ciò che la circonda. Se non hai nulla a cui reagire, devi solo limitarti alle tecniche che evocano le emozioni più forti.
Gli stessi principi di programmazione dello scenario dello spazio museale e la sua formazione da locali di varie dimensioni e proporzioni che sono stati applicati nella Kunsthala sono rintracciati anche in altri musei costruiti da OMA, ad esempio, in due progetti per Seoul (Leeum Museum, 2004 e Museo d'Arte dell'Università Nazionale di Seoul, 2005). Rispettiamo gli stessi principi in Garage.
Ma, forse, non tutte le idee che Koolhaas ha escogitato mentre lavorava ai progetti museali sono già state implementate negli edifici costruiti? Sembra che lo sia. “La partecipazione al grande boom dei musei non ha avuto molto successo per noi”, ammette Koolhaas, e mostra una diapositiva da cui segue che i progetti non realizzati di musei d'arte contemporanea emessi da OMA hanno dimensioni equivalenti a trentaquattro campi da calcio. Quali altri pensieri interessanti riesci a trovare in questi spazi aperti? In particolare, si riferiscono a metodi di lavoro con materiale storico.
Negli anni 2000, mentre prestava consulenza all'Ermitage di Stato di San Pietroburgo, Koolhaas rimase impressionato dagli interni trascurati dello Stato Maggiore e da alcuni dei locali dell'Hermitage stesso, che non vengono mostrati al pubblico. Ha posto delle domande: “Ogni museo ha bisogno di un ammodernamento? Forse a volte è richiesta l'inazione? La riluttanza al cambiamento potrebbe diventare uno strumento in grado di accrescere il senso di autenticità che spesso si perde durante la modernizzazione? Un architetto non dovrebbe agire come archeologo in certi casi?"
Parlando del Progetto Hermitage nei suoi discorsi, Koolhaas mostra collage in cui sono esposti capolavori dell'arte mondiale sullo sfondo degli interni fatiscenti del palazzo. L'idea era che la combinazione delle opere più eccezionali con l'ambiente più miserabile e trascurato (ma allo stesso tempo vecchio e genuino) moltiplica l'effetto di queste opere sullo spettatore. Grazie a ciò, questioni sottili e delicate diventano uguali in forza di influenza agli effetti primitivi dell'arte "autoritaria".
Per la prima volta Koolhaas ha potuto mettere in pratica questo strumento per esaltare le emozioni, proposto nell'ambito del Progetto Hermitage, nel Garage. Ovviamente la rovina delle "Stagioni" è leggermente indebolita dal restauro. Le pareti squallide sembrano essere state verniciate e l'intonaco sgretolato non scricchiola sotto i piedi dei visitatori, come sembrava guardando i bozzetti. Ma lo strumento è ancora potente.
C'è una differenza significativa tra l'Hermitage e il Garage: il primo espone capolavori riconosciuti e il secondo, dopotutto, si concentrerà sull'arte nuova e contemporanea. La lente d'ingrandimento di Koolhaas funzionerà in questo caso? Funzionerà se c'è qualcosa da aumentare. Lavorare con uno spazio del genere è una sfida seria sia per gli artisti che per i curatori. Le emozioni forti sono garantite loro di sicuro. ***
Nel lavoro sull'articolo, i materiali delle lezioni tenute da Ram Koolhaas in
Museum of Modern Art al (Moderna Museet) di Stoccolma nel marzo 2013 [vedi. video della conferenza] e alla Fondation Galeries Lafayette di Parigi nel luglio 2014 [vedi. video della conferenza].
