Stanca di essere curata da critici, teorici e altre persone quasi architettoniche, la Biennale 10 anni dopo Massimiliano Fuksas si è nuovamente affidata alle mani di un architetto. Kazuyo Sejima è un famoso architetto giapponese, uno dei fondatori dell'ufficio di architettura SANAA, l'autore degli edifici di diversi grandi musei, tra cui il New Museum di New York, nonché il Serpentine Gallery Pavilion 2009, vincitore del 2004 Golden Lion, che ha ricevuto il Pritzker Prize poco dopo la sua nomina a curatrice della Biennale. È anche la prima curatrice donna nella storia della mostra. Ma la cosa principale, secondo il direttore della Biennale, Paolo Baratta, è che lei è un architetto praticante. Sejima lo fa eco nel suo messaggio curatoriale, che inizia con "La Biennale 2010 sarà una riflessione sull'architettura".
In contrasto con lo sconcertante motto "oltre la costruzione" del suo predecessore, il curatore Aaron Betsky nel 2008, che metà dei partecipanti non riusciva a capire e l'altra metà ignorava, quest'anno Kazuyo Sejima ha proposto uno slogan semplice e accessibile: "Le persone si incontrano in architettura "che non è particolarmente vincolante. È ovvio che due cose sono unite in essa: l'architettura, alla quale, a quanto pare, la Biennale intende seriamente tornare, e più all'architettura una sorta di sottile nota sociologica, tanto per cambiare. È impossibile, dopotutto, assolutizzare completamente il soggetto principale della mostra, bisogna aggiungere qualcosa. Architettura per qualcosa, ma costruiscono, per esempio, in modo che le persone si incontrino lì. Da qui parte un percorso diretto agli edifici pubblici che adornano così bene il portfolio del curatore. Oltre al motto, Sejima ha delineato diversi significati aggiuntivi: il fulcro della mostra è la reazione dell'architettura moderna ai cambiamenti portati dal 21 ° secolo, all'informatizzazione e alla globalizzazione; i confini che l'architettura o denota o cancella; e la qualità dell'architettura realizzata - aggiunge Paolo Baratta nel suo messaggio. Così, dopo una lunga ricerca della verità "di lato", la principale mostra di architettura del mondo (e la Biennale di Venezia, ovviamente, è tale) torna al suo tema principale, guidata da una mano di donna morbida e discreta. L'esposizione curatoriale ha un totale di 48 partecipanti, tra cui non solo architetti, ma anche studi di ingegneria.
In merito alla principale esposizione curatoriale, che alla Biennale si tiene sempre nell'edificio delle Corderie Arsenal, Sejima ha dichiarato la libertà dei partecipanti, affermando nel manifesto che ogni partecipante sarà "il proprio curatore" all'interno del frammento "indipendente" dell'arsenale interno assegnato a lui. La diversità è meglio che unificare la volontà, dice il curatore; in una parola, fai quello che vuoi … Libertà totale; anche se, passeggiando per la mostra, capisci che questo non è del tutto vero.
Un visitatore che entra nella prima sala della parte curatoriale della Biennale viene accolto da un gigantesco cuore di pietra tagliato da un'ascia di legno: l'ascia, a un esame più attento, si rivela un rifugio con un camino che sale, metafora della tragedia del recente terremoto cileno (una storia dettagliata sul recupero dopo il disastro può essere trovata più avanti, sull'esposizione spaziale Arsenal del padiglione cileno). Due anni fa, l'esposizione dell'Arsenal è stata aperta da una divertente installazione cinematografica e video; in contrasto con il suo ricordo, il cuore di pietra è molto grande, ruvido e serio. Questa è una specie di oggetto gigantesco, accanto ad esso ti senti come nella caverna di un cannibale e ti sintonizzi, inevitabilmente, sul serio. I pilastri dell'Arsenale iniziano a sembrare colonne di una basilica romanica, e in generale la somiglianza di questo famoso spazio espositivo con un tempio è in qualche modo esacerbata. È possibile che questo sia ciò che era inteso.
Immediatamente dietro l'ascia di pietra c'è una sala cinematografica compatta con un film di Wim Wenders, che può essere rapidamente attraversato per conoscere un soggetto ancora più grande di Ensamble Studio e il suo capo Anton García-Abril. Attraversando sotto le file di colonne e bloccando il percorso rettilineo, due gigantesche travi a I poggiano nello spazio della sala, simili a binari ea giudicare dal loro colore grigio, molto probabilmente cemento. Un raggio gigantesco giace sull'altro e la sua estremità libera poggia su una molla alta come un uomo medio. La primavera, ovviamente, non supporta davvero nulla, i bambini ci giocano, ma sembra molto impressionante. Questa non può essere chiamata "primavera"; e se nella primissima sala la scala dell'oggetto scultoreo ivi collocato corrispondeva alle dimensioni dell'interno, allora questo sembra essere troppo grande anche per l'interno di un arsenale, lo supera e addirittura lo sopprime un po '.
Da una crescita così progressiva, pensi involontariamente: mio Dio, cosa succederà dopo. Ma poi ci troviamo in una nuvola ("a grandezza naturale" - come recita il manifesto curatoriale), costruita congiuntamente dall'architetto giapponese Tetsuo Kondo e dall'ingegnere Matthias Schuler dell'azienda tedesca Transsolar, specializzata in ingegneria del clima (conoscendo le specificità dell'azienda, è facile indovinare perché la nuvola; il controllo del clima si è intrufolato nell'Arsenale e ha organizzato il proprio tempo in esso …). La sala è riempita da una nebbia biancastra, che viene pompata attraverso i fori nel muro da speciali installazioni. La nebbia si diffonde a livello delle gallerie e al centro si costruisce una struttura elicoidale lungo la quale si può attraversare la nuvola e guardarla dall'alto. La nuvola si diffonde a brandelli a strati, è soffocante sopra, come in un bagno, ma l'effetto è meraviglioso. È vero, i moscoviti hanno sperimentato un effetto simile solo in agosto con l'arrivo del fumo in città; nell'Arsenal, tuttavia, questa nuvola è più spessa, apparentemente sicura.
Il curatore interpreta così il lavoro congiunto del suo connazionale e di un ingegnere tedesco: ci spinge a una nuova comprensione dello spazio, se non altro perché i confini della nuvola sono sfocati. I confini, infatti, sono sfumati, sebbene siano racchiusi nella cornice della sala. Immergersi nella nebbia è divertente; ma è impossibile non ricordare cosa hanno già fatto le nuvole, primi fra tutti i famosi architetti-artisti Elizabeth Diller e Ricardo Scofidio. Forse è per questo che il curatore nota delicatamente nel suo messaggio: non tutte le installazioni sono originali in termini di stile, ma molte rappresentano l'apice della tecnologia moderna.
Lo studio indiano Mumbai ha realizzato la successiva grande sala con ritagli di modelli in legno e ha appeso al soffitto i classici ventilatori a tre pale, trasformandolo in un "laboratorio" - tuttavia, per uno spazio così grande, le cose non sono ancora sufficienti, la vera illusione di blocchi artistici non si pone; si è rivelato, rispetto alle prime installazioni, piccolo, ma accogliente.
R & Sie (n), lo studio di architettura parigino François Roche e Stéphane Laveau, che due anni fa hanno mostrato modelli bianchi di edifici di sculture bioniche nel Padiglione Italia, hanno rilasciato una delle loro bizzarre creature nella sala dell'Arsenal, trasformandola in un tavolo sul gambe. Da un lato, questa bestia marziana è ricoperta di escrescenze di vetro, brillanti di una luce verdastra, i monitor spuntano dall'estremità opposta, al centro sopra un pezzo di uno pseudo-minerale multicolore un dispositivo simile a un contatore Geiger emette un segnale acustico. Nella spiegazione, gli autori ricordano lo "Stalker" di Tarkovsky e parlano dei confini delle conquiste della civiltà - probabilmente questa installazione dovrebbe rispondere alla tesi del curatore sui "confini". Perché, a differenza dei suoi vicini, non ha alcun effetto sullo spazio; piuttosto, ci mostra un abitante esotico che vive all'interno.
Ma la sala di Olafur Eliasson è molto efficace: nell'oscurità, tre tubi sono sospesi dal soffitto, che si disperdono intorno ai fantasiosi getti d'acqua che si agitano, distinguibili nei bagliori nervosi della luce stroboscopica. La doccia esotica è affascinante, ma difficile da fotografare. Devo dire che le parole di Sejima secondo cui molte immagini non saranno nuove sono sinceramente vere: Eliasson ha fatto la prima doccia simile nel 1996.
Inoltre, sempre leggera, una cornice in legno di una cupola piatta proveniente da un ufficio cinese con il nome francese Amator (che significa dilettante). In effetti, era come se i dilettanti stessero torcendo questi stampi insieme ai bulloni; ma la stessa capacità di attraversare il confine della cupola dove di solito è impossibile attraversarla e letteralmente "entrare nella cupola" è piuttosto curiosa (di nuovo, confini).
A questa linea bisogna aggiungere la Jeanette Cardiff Music Hall, dove i diffusori sono posti in cerchio, e al centro ci sono delle sedie per l'ascolto della risultante (volumetrica? Architettonica?) Musica. E il kit sarà completo. Qui ci sono solo una serie di cosa?
L'architettura promessa in esso, a prima vista, sembra non essere sufficiente. Ovviamente si trovano layout e tavolette tradizionali in una sequenza comune: il più evidente all'occhio russo è il progetto del concorso per l'edificio del Museo di Perm di Valerio Oljati, il più evidente all'occhio in generale è l'Opera di Taichung progetto di Toyo Ito. Questo edificio, che sembra un piccolo frammento scolpito da un enorme termitaio (dopotutto Cina), è presentato con minuziosi dettagli e fornito di documentazione completa adagiata sui tavoli sotto forma di grossi album nella lingua dell'autore. Ma il progetto così dettagliato è un'eccezione e, forse, una conseguenza della libertà dichiarata dal curatore. L'esposizione dell'Arsenal è formata da installazioni, peraltro, non sempre realizzate da architetti, ma, come si vede, da ingegneri e, più spesso, da artisti che lavorano professionalmente e bene in questo genere. Ad esempio, Olafur Eliasson - nel suo portfolio ci sono molte installazioni buone e diverse, di solito su larga scala (ci sono, tra l'altro, diverse "nuvole" lì, Dealer e Scofidio non sono gli unici in questo genere). Matthias Schuler è un ingegnere. Cioè, la mostra curatoriale all'Arsenale non è in alcun modo diventata una mostra di architetti.
Ciò non significa che non ci sia architettura al suo interno. Mi sembra che Kazuo Sejima, autrice di spazi museali, abbia trasformato l'intera mostra in architettura nel suo insieme: non l'ha progettata come designer e non l'ha nemmeno composta come curatrice, ma l'ha costruita, unendo la maggior parte dei le installazioni in una catena in cui ogni partecipante offre il proprio modo di intendere artistico lo spazio dell'Arsenale. Così, lo stesso Arsenale è diventato la mostra principale. E devo dire che l'atteggiamento nei confronti di questo spazio espositivo è paradossale: tutti lo adorano moltissimo, ma organizzando mostre al suo interno, prestano poca attenzione, semplicemente mettendo qualcosa dentro. L'Arsenal è probabilmente offeso da un tale disprezzo, sembra cupo e preme sul pubblico con scala. Ma è bravo in se stesso, ed è bello che il nuovo curatore se ne sia accorto.
In questo caso, l'esposizione curatoriale non espone tanto l'architettura quanto essa stessa. E il passaggio attraverso la mostra diventa non lettura, non contemplazione e non guardare, ma - immersione nell'architettura (quindi immersa in una lingua straniera). E i partecipanti all'esposizione, artisti e ingegneri "apparentemente liberi", divennero per Sejima il mezzo di comprensione architettonica dello spazio dell'Arsenale. Il che, a proposito, è vero se ricordiamo che l'architettura è l'arte principale, e il resto una volta le obbediva. Ecco un curatore di SANAA e li ha sottomessi tutti, ma in modo molto, molto discreto. Non ha organizzato l'esposizione all'interno, ma ha riempito lo spazio di contenuti. L'interno dell'Arsenale, come se la ricambiasse, si unì nel ruolo di "mostra principale" e divenne più piacevole. In ogni caso, ora voglio guardarlo e il lungo passaggio attraverso l'Arsenal questa volta non è faticoso come lo era due anni fa.
Forse questo è dovuto al fatto che ha molti vuoti e non molto contenuto - una forma solida, e anche quella senza peso, giapponese-shintoista: luce, oscurità (intrecciate all'interno come yin e yang), pietra, nuvola, acqua, suono … Probabilmente si può anche dire che Sejima ha organizzato una serie di riproduzioni di installazioni già note all'Arsenale, usandole come mezzo per un architetto per lavorare con elementi sfuggenti, per catturare l'inafferrabile, l'abbagliamento, l'ombra - cose in cui la cultura giapponese è così forte. Vale la pena provare mentre si è all'Arsenal.
Nel suo insieme e una riflessione sugli elementi principali, la mostra è ben accolta. Le parole, però, mancano un po '; ce ne sono di chiave - come lo spazio e il confine, di cui Sejima parla costantemente, anche nella conferenza stampa di ieri. Tutte le altre parole sono raccolte in "luoghi rigorosamente designati"; L'Arsenal ha una stanza delle interviste piena di sedie e monitor con cuffie: gli amanti delle parole possono godersi i discorsi lì per molto tempo, l'elenco degli oratori occupa un'intera parete.
Insomma, la mostra curatoriale all'Arsenale sembra avere ragione di percepire come un'altra opera architettonica di SANAA.
Per il resto, la struttura della mostra, familiare a molti, è rimasta invariata. Mostra curatoriale all'Arsenale, nell'ex “padiglione d'Italia”, ribattezzato Palazzo Espozicione (Palazzo delle Esposizioni); mostre dei padiglioni nazionali ai Giardini e un "programma parallelo" in città. L'attuale Biennale è in una certa misura un giubileo: sono passati 35 anni dalla prima mostra di architettura del ciclo della Biennale di Venezia. Da qui gli eventi dell'anniversario e i ricordi delle biennali passate. Nella Sala delle Colonne di Palazzo Giustiniano (il palazzo dove si trova la sede del comitato organizzatore della Biennale), si è aperta ieri una mostra sulla storia degli ultimi 11 anni della Biennale di Venezia, una sorta di reportage sulle realizzazioni di l'economia fieristica veneziana; ospita anche la mostra LUMA, che presenta il "programma di architettura per un nuovo modello culturale" di Frank Gehry.
Altra parte del programma dell'anniversario della Biennale saranno i "Sabati dell'Architettura" - come dice il comunicato stampa degli organizzatori, per tre mesi il sabato a Venezia ci saranno incontri con importanti personaggi delle mostre passate, tra cui i curatori delle precedenti Biennali Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Abbiamo in programma di pubblicare gradualmente rapporti più dettagliati sulle mostre e gli eventi della Biennale. La mostra durerà fino al 21 novembre.
